Autoritratto

Il dipinto è eseguito a olio su tela con una superficie fortemente materica e carica di impasto. Spesse pennellate visibili in toni ocra, gialli e marroni costruiscono la testa, con accenti rossi prominenti sul naso, le labbra e le guance che esaltano la carica emotiva. Vernice scura delinea la mascella e i capelli, creando un contrasto netto con le tonalità calde della carne. Il capo è reso in verde con riflessi blu e bianchi sul colletto, applicati con la medesima gestualità libera ed energica. Lo sfondo consiste in un campo uniforme di verde-giallo con pennellate direzionali ed energiche che sembrano pulsare attorno alla figura. La luce cade uniformemente da davanti con un modellato delle ombre minimale, appiattendo lo spazio pittorico e concentrando l'attenzione sulla superficie tattile. La trama della tela rimane visibile nelle aree più sottili, in particolare ai margini del volto, indicando un'applicazione rapida e diretta della vernice. La finitura complessiva è ruvida e materica piuttosto che liscia, con singole pennellate chiaramente distinguibili in tutta l'opera. Una firma scura appare nell'angolo inferiore sinistro. Questa gestualità allinea Soutine con i precedenti post-impressionisti, in particolare Vincent van Gogh, nella sua tavolozza vibrante e nella pennellata sciolta, spingendo tuttavia verso una fisicità più cruda e immediata.

Il dipinto fu realizzato nel 1916 in Francia, durante il primo periodo di Soutine a Parigi dopo il suo arrivo nel 1913. L'opera entrò successivamente nella collezione di Jonas Netter (1867-1946) a Parigi, importante collezionista delle opere di Soutine. Per discendenza passò alla vedova, Madame Netter, anch'essa a Parigi. Henry Pearlman acquisì il dipinto da Madame Netter entro l'11 luglio 1949, tramite la negoziazione del mercante Vladimir Raykis della Galerie Zak. L'acquisizione di Pearlman fu notevolmente rapida: il mercante insistette per partire immediatamente dopo l'acquisto per impedire alla venditrice di cambiare idea, e al loro ritorno in galleria li attendeva già un messaggio telefonico da Madame Netter. Il dipinto fu successivamente riprodotto a colori da Skira Art Book Publications mentre era ancora a Parigi, fatto che convinse la venditrice di essersi separata dall'opera imprudentemente. L'opera fu accettata come 1988.62.23 dalla Henry and Rose Pearlman Foundation nel 1983, ed è ora conservata dal Museo dell'Ermitage.

L'autoritratto di Soutine deve essere compreso nel più ampio contesto della sua resistenza ai movimenti d'avanguardia dominanti della Parigi di primo Novecento. Mentre i contemporanei abbracciavano l'Espressionismo, il Cubismo, il Dadaismo e il Futurismo, Soutine perseguì un sentiero più tradizionale, rivolgendosi a maestri consolidati tra cui Rembrandt van Rijn e Jean-Baptiste Siméon Chardin per ispirazione. La sua pratica dell'autoritratto si confronta specificamente con la tradizione dell'autoritratto d'artista esemplificata dall'Autoritratto da pittore di van Gogh (1887-88) e dall'Autoritratto con tavolozza di Cézanne (1885), sebbene Soutine ometta notevolmente gli strumenti del mestiere che quei predecessori avevano esposto in modo prominente. Nato nel 1893 a Smilavichy, Bielorussia, in una famiglia ebraica ortodossa, Soutine aveva superato l'opposizione della comunità alla sua vocazione artistica prima di arrivare a Parigi, dove si unì all'atelier di Fernand Cormon e trovò decisivo incoraggiamento da Amedeo Modigliani. L'intensità emotiva della sua ritrattistica, con i tratti esagerati e le espressioni malinconiche, è stata collegata alla sua stessa esperienza di povertà, malattie croniche comprese le ulcere gastriche derivanti da malnutrizione infantile, e al più ampio pathos della vita operaia che osservava e rispettava. I critici lo hanno spesso etichettato come espressionista, sebbene questa classificazione sia complicata dalla sua distanza dall'angoscia urbana tipica dell'Espressionismo tedesco e dalla sua più profonda fedeltà alle qualità materiche della pittura a olio.

L'autoritratto di Soutine e la sua più ampia opera esercitarono una profonda influenza sulle generazioni successive di pittori. La sua padronanza dell'impasto, della pennellata gestuale e del colore stabilì un precedente che risuonò con i pittori dell'Action Painting del dopoguerra, inclusi Willem de Kooning e Jackson Pollock, così come con omologhi realisti nel Regno Unito come Francis Bacon e Lucian Freud. Gli Espressionisti Astratti in particolare trassero insegnamento dal suo approccio all'atto fisico della pittura e all'immediatezza emotiva del pigmento spesso applicato. Il piccolo numero di autoritratti che produsse, quattro in totale, ha concentrato l'attenzione studiosa e critica su ogni esemplare, con l'Autoritratto del 1916 che si pone come dichiarazione fondativa della sua identità artistica. Il percorso dell'opera dalla collezione Netter attraverso la determinata acquisizione di Henry Pearlman fino alla sua attuale dimora nel Museo dell'Ermitage attesta la sua duratura significatività. L'insistenza di Pearlman nell'ottenere il dipinto, e il conseguente rimpianto della venditrice, indicano il suo riconosciuto valore già nel periodo immediatamente successivo alla guerra. Oggi rimane un punto di riferimento per comprendere come un artista radicato nella tradizione potesse nondimeno produrre un'opera di radicale intensità emotiva e fisica, gettando un ponte tra i Vecchi Maestri e l'astrazione moderna.