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Aperçu

Anna Pavlova (1881-1931), as 'The Dying Swan' est un portrait à l'huile sur toile réalisé par le peintre irlandais Sir John Lavery, daté de 1911.

Anna Pavlova (1881-1931), as 'The Dying Swan' est un portrait à l'huile sur toile réalisé par le peintre irlandais Sir John Lavery, daté de 1911. Mesurant 82,5 par 66 cm, cette peinture ovale en buste représente la prima ballerina russe dans le costume de son rôle le plus célèbre et est aujourd'hui conservée au Victoria and Albert Museum, à Londres, sous le numéro d'inventaire E.329-1990. Cette œuvre constitue un document significatif des échanges culturels du début du XXe siècle entre les arts visuels et le ballet, capturant à un moment charnière l'interprète qui est devenue synonyme de ce rôle et a contribué à établir le ballet comme une forme d'art mondiale.

Sujet et signification

Le tableau représente Anna Pavlova en costume pour Le Cygne, le solo chorégraphié par Mikhaïl Fokine qui dépeignait les dernières minutes de la vie d'un oiseau mourant et est devenu populairement connu sous le nom de The Dying Swan. Lavery la montre vêtue d'un tutu blanc avec des ailes rigidifiées au-dessus de la jupe, son visage encadré de plumes et d'un diadème orné de bijoux, avec un bijou en verre bleu posé sur sa poitrine. Ce détail porte une charge symbolique : tandis que les danseuses ultérieures dans ce rôle portaient souvent un bijou rouge pour suggérer que le cygne avait été abattu, la conception originale, telle qu'elle est reflétée ici, était celle d'une créature dérivant et se noyant à la fin de sa vie naturelle. La pose, le corps tourné légèrement vers la droite tandis que la tête s'incline en arrière vers le spectateur, capture la fragilité et la transience qui définissaient l'interprétation de Pavlova. Le fond sombre et indéfini isole la figure, soulignant la solitude de la mort et l'espace liminal entre la vie et l'extinction que la chorégraphie explorait.

Technique et style

Lavery a exécuté le portrait à l'huile sur toile, utilisant une palette dominée par des blancs, des crèmes et des bruns chauds sur un fond profondément ombragé. La lumière tombe du haut à gauche, éclairant le visage, le cou et le costume tout en permettant au fond de s'estomper. Le travail de pinceau est lâche et visible, particulièrement dans le costume et le fond, avec un impasto plus épais dans la jupe volumineuse et un traitement plus fondu dans les traits du visage. Ce traitement différentiel, combinant la liberté picturale dans les textiles à un modelé délicat de la physionomie, est caractéristique des portraits de Lavery et reflète son engagement avec les développements contemporains de la peinture britannique et française. Le format ovale, noté dans la description physique, confère une qualité classique, semblable à un médaillon, qui élève le sujet au-delà de la simple documentation théâtrale vers un statut iconique.

Histoire et provenance

Le portrait est étroitement lié à une représentation plus grande, en pied, de Pavlova dans le même rôle que Lavery a peinte pour la Tate Gallery, inspirée par sa première saison londonienne et exposée à la Royal Academy en 1912. Selon l'historique de l'objet du Victoria and Albert Museum, Victor Dandre, le mari de Pavlova, ne jugeait pas que le portrait de la Royal Academy était un bon portrait et préférait la tête de Pavlova de Lavery dans The Bacchanale, qui avait été le grand succès de la première nuit de sa première saison londonienne. L'œuvre actuelle en buste a été léguée au Victoria and Albert Museum par Mrs Leonore Lena Graham en 1989, entrant dans la collection avec le numéro d'inventaire E.329-1990. Le tableau n'est actuellement pas en exposition. Une photogravure d'après la composition en pied apparentée, signée à la fois par Pavlova et Lavery, est également conservée par le Victoria and Albert Museum, indiquant la circulation commerciale de l'image à cette époque.

Contexte

L'engagement de Lavery avec Pavlova s'est produit durant une période de fascination intense de la Grande-Bretagne pour le ballet russe, particulièrement suite aux apparitions des Ballets Russes de Sergei Diaghilev à Londres. Pavlova a d'abord performé à Londres lors de soirées privées en 1909, dont une pour le roi Édouard VII et la reine Alexandra, et a fait ses débuts publics au Palace Theatre en 1910, où elle a réalisé ce que l'impresario Alfred Butt a décrit comme 'le plus grand succès de n'importe quel artiste dont je me souvienne'. Le portrait appartient ainsi à un phénomène plus large d'artistes visuels répondant aux Ballets Russes et à ses étoiles ; Pavlova a grandement plu aux sculpteurs et aux peintres, et de multiples représentations d'elle dans ce rôle ont circulé dans les arts savants et populaires. L'œuvre reflète également la pratique établie de Lavery de peindre des interprètes célèbres et sa position au sein de l'art officiel britannique, ayant reçu de nombreuses commandes de portraits et une reconnaissance académique. Les recherches sur l'image ont abordé sa place dans l'iconographie de The Dying Swan, distinguant entre la documentation liée à la performance et l'interprétation artistique indépendante, et notant comment le travail sculptural personnel de Pavlova sur le thème a davantage compliqué la relation entre la création chorégraphique primaire et la représentation visuelle subséquente.

Héritage

Le portrait contribue à la mythologie visuelle durable d'Anna Pavlova en tant que 'Cygne immortel', une figure qui, grâce à des tournées incessantes depuis sa base londonienne, est devenue la première célébrité mondiale du ballet. La postérité de l'image a été amplifiée par la reproduction : la photogravure de 1912 publiée par la Fine Arts Publishing Co. a étendu sa portée au-delà des murs du musée, tandis que la composition en pied apparentée à la Tate a assuré sa place dans les collections d'art public. L'interprétation sculpturale personnelle de Pavlova du rôle, bien que moins examinée, représente une couche supplémentaire d'agence créative que les chercheurs ont analysée comme 'activité secondaire relativement indépendante de l'acteur'. The Dying Swan est resté la pièce signature de Pavlova tout au long de sa carrière, et les représentations visuelles comme celle de Lavery ont contribué à fixer son iconographie dans la mémoire culturelle. La détention par le Victoria and Albert Museum à la fois du tableau et d'une estampe signée témoigne de la reconnaissance institutionnelle de cette convergence de la danse et des arts visuels comme un chapitre significatif de l'histoire culturelle britannique, même si l'œuvre elle-même repose désormais en réserve, son invisibilité physique contrastant avec sa présence continue dans l'imagination savante et populaire de la performance moderniste précoce.