Ploughing in the Nivernais

Il terreno appena arato domina il primo piano, mentre colline verdi ondulate e alberi scuri e fitti si innalzano a sinistra sotto un cielo pallido blu-viola.

Il dipinto raffigura il sombrage, la prima fase della preparazione del suolo autunnale che apre la terra all'aerazione invernale. Due gruppi di sei buoi Charolais ciascuno trainano aratri su terra scura, guidati da contadini maschi vestiti con abiti da lavoro semplici e cappelli a tesa larga. Le figure umane sono volutamente subordinate: un contadino è quasi completamente nascosto dietro i suoi animali, mentre un altro alza un lungo pungolo sopra la testa a destra. Il terreno appena arato domina il primo piano, mentre colline verdi ondulate e alberi scuri e fitti si innalzano a sinistra sotto un cielo pallido blu-viola. La scena è stata interpretata come una glorificazione della vita contadina e delle antiche tradizioni rurali. Albert Boime la colloca nel contesto dell'anno rivoluzionario 1848, leggendola come una visione idealizzata dell'ordine campestre contrapposto al caos e alle lotte urbane. Una tradizione ampiamente ripetuta, registrata per la prima volta da N. D'Anvers, sostiene che Bonheur si sia ispirata alla scena iniziale del romanzo del 1846 di George Sand, La Mare au Diable, in cui Sand descrive l'aratura dei buoi definendola "un soggetto nobile per un pittore". Il numero di luglio 1899 di The Literary Digest ha amplificato questa connessione, definendo il dipinto una "traduzione pittorica del romanzo".

Bonheur ha eseguito l'opera a olio su tela con una superficie liscia e altamente rifinita che mostra un'attenta cura per i dettagli testurali: il pelo dei buoi, i zolle di terra e il fogliame denso sono tutti resi con precisione. La composizione si estende orizzontalmente in un ampio fregio, con animali e lavoratori che occupano il piano intermedio contro un cielo vasto. La luce cade uniformemente sulla scena, proiettando ombre sotto gli animali e le figure. La tavolozza è dominata da marroni e ocra nel terreno in primo piano, con chiazze di verde e i toni pallidi dei buoi, alcuni color crema e uno marrone rossiccio, che si stagliano contro il verde scuro degli alberi e il cielo morbido. La chiarezza e la luce uniforme del dipinto ricordano la pittura di animali olandese, in particolare l'opera di Paulus Potter, che Bonheur aveva studiato come parte della sua formazione. Léonce Bénédite, in Les Chefs-d'œuvre du Musée du Luxembourg, ha descritto la scena come che si svolge "sotto la chiara luce mattutina, con un bel cielo blu tenero". Il terzo bue del primo gruppo è notevolmente un "barré" roux, una vecchia razza del Morvan con la schiena a strisce bianche e corna appuntite, ora estinta.

Il governo francese commissionò il dipinto a Bonheur nel 1848 per la somma di 3.000 franchi, sebbene la fonte di Wikipedia in francese registri anche una cifra di 20.000 franchi. La destinazione prevista era il museo di Lione, ma lo stato lo trattenne invece a Parigi. Le fonti divergono su dove sia stato dipinto: alcune indicano Beaumont-Sardolles nella Nièvre, mentre Bonheur stessa nei suoi Souvenirs menziona il suo studio parigino in rue de l'Ouest. Fu esposto per la prima volta al Salon del 1849 al Palais des Tuileries, dove vinse una Medaglia d'Oro e contribuì a stabilire la reputazione di Bonheur. Dal 1849 al 1920 fu appeso al Musée du Luxembourg di Parigi. Fu un'esposizione di punta all'Exposition Universelle del 1889. Dopo la morte di Bonheur, entrò al Louvre dal 1920 al 1923, poi fu in deposito a lungo termine al Château de Fontainebleau dal 1923 al 1986. Infine entrò nella collezione del Musée d'Orsay nel 1986, dove rimane tutt'oggi. Bonheur produsse diverse copie della composizione; una si trova al John and Mable Ringling Museum of Art di Sarasota, in Florida.

Rosa Bonheur (1822-1899) costruì la sua carriera sulla pittura di animali in un'epoca in cui le artiste donne affrontavano significativi ostacoli professionali. Il suo successo tecnico e la scelta dei soggetti, spesso grandi scene rurali e agricole, le valsero riconoscimento internazionale. La critica Mary Blume del New York Times la definì in seguito "la pittrice donna più famosa del suo tempo, forse di tutti i tempi". La ricezione del dipinto è stata nel tempo mista. Tra i primi ammiratori vi fu Anna Elizabeth Klumpke, che copiò l'opera al Luxembourg prima di iniziare la sua lunga associazione con Bonheur. Il romanzo del 1894 di George du Maurier, Trilby, menziona visitatori che copiano Aratura nel Nivernais tra altre opere al Luxembourg. Margaret Addison la mise in risalto durante il suo tour europeo del 1900. Tuttavia, l'opinione critica non fu unanime. Frédéric Paulhan, in L'Esthétique du paysage (1913), criticò il dipinto per non aver semplificato, sostenendo che Bonheur lo avesse rovinato con dettagli eccessivi nelle zolle di terra e nel verde; essa riproduceva invece di creare, indebolendo la natura attraverso una trascrizione troppo completa. Paul Cézanne avrebbe respinto l'opera con la frase che "è terribilmente simile alla realtà". Nel 1978 un critico descrisse l'opera come "completamente dimenticata e raramente estratta dall'oblio", sebbene nello stesso anno fosse inclusa in una mostra del governo francese di pittura paesaggistica e contadina inviata in Cina. Mary Blume, scrivendo nel 1997, la valutò come "più accurata che ispirata, affettuosa ma non sentimentale, una coraggiosa celebrazione degli animali da lavoro".

Aratura nel Nivernais occupa un posto significativo nella storia della pittura francese del diciannovesimo secolo e nella narrazione più ampia dei risultati delle artiste donne. La sua commissione governativa e il successo al Salon dimostrarono che una donna poteva ottenere il più prestigioso patrocinio ufficiale disponibile in Francia. La lunga visibilità pubblica del dipinto, prima al Luxembourg, poi al Louvre, a Fontainebleau e infine all'Orsay, ne assicurò il posto nel canone del patrimonio nazionale francese. La sua vita culturale si estende oltre le belle arti fino alla letteratura e alla memoria popolare: dal romanzo di George Sand alla fiction di du Maurier, dalle copie di Klumpke al diario di viaggio di Margaret Addison, l'immagine è circolata come emblema della Francia rurale. Il termine "France profonde" che appare nella letteratura correlata cattura la funzione ideologica del dipinto come celebrazione della Francia profonda e provinciale contro le turbolenze della modernità. Oggi rimane tra le opere più frequentemente riprodotte e discusse nella collezione di pittura realista del Musée d'Orsay, una testimonianza dello status duraturo di Bonheur e del fascino del diciannovesimo secolo per la terra e i suoi lavoratori.