Cleopatra's Feast

Das Gemälde illustriert die berühmte Wette, die Plinius der Ältere in seiner Naturalis Historia beschreibt: Kleopatra versprach Mark Anton, sie könne in einer einzigen Mahlzeit zehn Millionen Sesterzien verzehren, löste daraufhin eine mit Juwelen besetzte Perle in Essig auf und trank sie. Im Zentrum der Komposition erscheint Kleopatra als sitzende Frau mit langen, lockigen, kastanienbraunen Haaren, gekrönt mit Perlen und tragend eine Perlenkette und ein Armband, ein weißes Kleid mit juwelenbesetztem Mieder sowie einen karmesinroten Umhang. In ihrer linken Hand hält sie einen goldenen Pokal, während in ihrem Schoß auf dem roten Stoff ein kleiner Schädel ruht, ein Memento mori, das die Vergänglichkeit irdischen Reichtums unterstreicht. Fünf männliche Figuren umgeben sie: Ein helmtragender Mann oben links zeigt auf sie, während er einen Papagei festhält; eine turbanbedeckte Figur mit roten und weißen Federn erscheint oben in der Mitte; ein weiterer helmtragender Mann rechts lehnt sich mit der Hand nahe dem Mund in Staunen nach vorne; ein dunkelhäutiger Diener unten links reicht ein goldenes Gefäß dar; und eine fünfte Figur taucht teilweise hinter der Gruppe auf. Der Narr mit seinem grotesken Grinsen und seiner zeigenden Geste fungiert als moralische Chorusstimme und betont die Torheit von Stolz und Eitelkeit. Zwei Hunde besetzen den unteren Vordergrund, wobei einer zur Königin aufblickt. Der Papagei trägt zur exotischen Atmosphäre bei und verstärkt gleichzeitig die Themen der Prunksucht.

Ausgeführt in Öl auf Leinwand, zeigt das Gemälde die dekorativen Merkmale von Jordaens' reifem Stil sowie eine Tendenz zur semantischen Komplexität in seinem Spätwerk. Die Palette wird von tiefen Rot-, Gold- und warmen Brauntönen dominiert, die sich vor dunklen Schatten abheben, wobei dunkle Vorhänge und zwei geriffelte Säulen mit kunstvollen Kapitellen als architektonischer Rahmen dienen. Die Pinselführung variiert über die Oberfläche: Eine glatte Ausführung kennzeichnet die Darstellung von Kleopstras Haut, während eine strukturiertere Behandlung bei den Stoffen und Hintergrundelementen zu sehen ist. Diese differenzierte Behandlung lenkt die Aufmerksamkeit auf die zentrale Figur und bewahrt gleichzeitig die visuelle Pracht im gesamten Bild. Die überfüllte, theatralische Komposition, bei der sich die Figuren in den Raum des Betrachters vorwagen, spiegelt die flämische Barocktradition der dramatischen Narrativmalerei wider. Das Werk ist oben in der Mitte signiert und datiert: J Jor. 1653.

Die frühe Geschichte des Festmahls der Kleopatra bleibt unbekannt, doch wissenschaftliche Hinweise deuten darauf hin, dass es wahrscheinlich Teil einer Serie zur Geschichte der Kleopatra war, die sich im Besitz von Giacomo Antonio Carenna befand, da sowohl dieses Gemälde als auch Jordaens' Der Tod der Kleopatra (heute in der Kunsthalle Kassel) in Carennas Testament vom 9. März 1669 erwähnt werden. Das Gemälde gelangte 1937 aus dem Staatlichen Museumsfonds in die Eremitage, der nach der Oktoberrevolution beschlagnahmte Kunstwerke aus Privatbesitz gesammelt und verteilt hatte. Es wird derzeit im Neuen Eremitage-Gebäude in Raum 248 ausgestellt. Das Werk wurde von September 2013 bis Januar 2014 im Petit Palais in Paris im Rahmen der ersten Jordaens-Retrospektive in Frankreich gezeigt.

Jacob Jordaens (1593-1678) war ein führender flämischer Barockmaler, der nach dem Tod von Rubens und Van Dyck zum bedeutendsten Künstler in Antwerpen wurde. Das Festmahl der Kleopatra gehört zu seinem Spätwerk, in dem seine Arbeiten zunehmend symbolische und allegorische Komplexität aufwiesen. N. I. Gritsai, Leiter der Abteilung für Malerei des 13. bis 18. Jahrhunderts in der Eremitage, stellte fest, dass dieses Werk Jordaens' Tendenz veranschaulicht, den semantischen Inhalt durch eine Fülle symbolischer Elemente zu komplizieren. Das Thema Kleopatra war im 17. und 18. Jahrhundert außerordentlich beliebt und wurde typischerweise verwendet, um das luxuriöse Hofleben darzustellen, oft angepasst für große dekorative Werke, insbesondere Wandteppiche. Jordaens' Behandlung hingegen entspricht einer spezifisch niederländischen moralisierenden Tradition, die sich über Pieter Bruegel bis zu Hieronymus Bosch zurückverfolgen lässt und das Spektakel des Reichtums nutzt, um die darin verkörperten Sünden zu kritisieren. Das Thema wurde von zahlreichen Künstlern behandelt, darunter Tiepolo im Palazzo Labia.

Der Ruf des Gemäldes beruht auf seiner erfolgreichen Verschmelzung von moralischer Allegorie mit visuellem Glanz, was es zu einem der am meisten diskutierten Spätwerke Jordaens' macht. Seine Aufnahme in die Sammlung der Eremitage reiht es unter die bedeutendsten flämischen Barockgemälde in Russland ein. Die Retrospektive in Paris von 2013 bis 2014 markierte einen wichtigen Moment in der modernen kritischen Rezeption Jordaens' und brachte dieses Werk neben dem Gruppenporträt von circa 1650 einem breiteren Publikum. Die wahrscheinliche Paarung mit Der Tod der Kleopatra in Carennas Sammlung legt nahe, dass Betrachter des 17. Jahrhunderts diese Werke als narrative Sequenz verstanden, eine Beziehung, die weiterhin die wissenschaftliche Diskussion über Jordaens' programmatische Ambitionen prägt. Das Gemälde bleibt ein Bezugspunkt zum Verständnis, wie flämische Künstler klassische Sujets an zeitgenössische moralische Rahmenbedingungen anpassten und wie der barocke Drang nach Drama didaktische Zwecke erfüllen konnte, ohne ästhetisches Vergnügen zu opfern.