Amusing Dance - Sioux

Das Gemälde zeigt etwa zwölf Sioux-Tänzer, die in einer Reihe über eine flache grüne Landschaft unter einem hellblauen Himmel mit weichen Wolken angeordnet sind. Laut Catlins eigenem Katalogeintrag von 1871 für dieses Werk, das damals den Titel "Chiefs' Dance" trug, wurde der Tanz zu seinen Ehren von ehrwürdigen Häuptlingen eines Sioux-Dorfes aufgeführt, die seit vielen Jahren nicht mehr getanzt hatten. Die Figuren tragen gefiederte Kopfschmucke, gefranste Gewänder und Mokassins, wobei einige Speere, Rasseln oder Stäbe tragen. Ganz links ist ein Trommler zu sehen. Ihre Körper sind in aktiven Posen mit gebeugten Knien eingefangen, viele mit erhobenen oder zu den Nachbarn ausgestreckten Armen, was eine rhythmische gemeinschaftliche Bewegung vermittelt. Das Motiv dokumentiert somit einen spezifischen zeremoniellen Anlass und keine generische Szene, wobei Catlin sich selbst als geehrter Zeuge einer Aufführung von Ältesten positioniert, die eine lange brachliegende Praxis wieder aufgenommen hatten. Die Ikonografie von Insignien und Instrumenten dient sowohl dokumentarischen als auch ästhetischen Zwecken, indem sie Details der materiellen Kultur bewahrt und die Figuren in einen kohärenten visuellen Rhythmus ordnet.

Das Gemälde wurde in Öl auf Karton ausgeführt, der auf Pappe montiert ist, ein Trägermaterial, das für die Werke der Cartoon Collection charakteristisch ist. Die Komposition ist oval und in einem rechteckigen, beige-farbenen Passepartout mit dunkelgrüner Umrandung gesetzt. Die Farbpalette besteht aus warmen Ocker- und Brauntönen für die Haut, Schwarz und Weiß für Details der Insignien sowie gedämpften Grün- und Blautönen für die Umgebung. Der Pinselstrich wirkt glatt und detailliert, mit sorgfältiger Aufmerksamkeit für die Kostüme und die rhythmische Anordnung der Figuren. Der Gesamteindruck ist poliert und illustrativ, was Catlins dokumentarischen Zielen entspricht. Inschriften auf dem Werk umfassen die gestempelte Nummer "A 108" unten links, die Zahl "164" oben in der Mitte sowie verschiedene Notizen auf der Rückseite, darunter eine möglicherweise vom Künstler handschriftlich verfasste Notiz mit dem Text "This Collection of paintings is now all ready for a thin Coat of Varnish." Die Ausführung priorisiert die Klarheit der Information und die Lesbarkeit der Gesten gegenüber atmosphärischen oder expressiven Effekten, was der ethnografischen Funktion des Werkes entspricht.

Das Gemälde blieb bis zu Catlins Tod im Jahr 1872 in seinem Besitz und ging dann an seine Töchter Clara Gregory Catlin, Louise Catlin Kinney und Elizabeth Wing Catlin über. 1912 erwarb das American Museum of Natural History das Werk von Elizabeth Wing Catlin. Es wurde 1959 aus der Sammlung entlassen und über Kennedy Galleries in New York an Paul Mellon aus Upperville, Virginia, verkauft. Mellon schenkte es 1965 der National Gallery of Art. Das Werk wurde umfassend ausgestellt: 1870 in der Salle du Jardin Botanique in Brüssel (als Nr. 158); 1871 in der Somerville Gallery in New York (als Nr. 157) für Catlins eigene Ausstellung der Cartoon Collection; 1872 bei der Smithsonian Institution; möglicherweise auf der Centennial Exhibition in Philadelphia 1876; 1956 bei Kennedy Galleries; von 1964 bis 1974 in einer Langzeitleihe an die Whitney Gallery of Western Art im Buffalo Bill Historical Center in Cody, Wyoming; sowie in einer Ausstellung des Buffalo Bill Historical Center im Jahr 1989. Von 1990 bis 1995 reiste es im Rahmen des National Lending Service der National Gallery of Art zu verschiedenen Orten, darunter das Delaware Art Museum, das Palm Springs Desert Museum, das Boise Art Museum, das Hofstra Museum, die West Bend Gallery of Fine Arts, die Payne Gallery am Moravian College und die Lore Degenstein Gallery.

George Catlin schuf zwei bedeutende Sammlungen von Gemälden, die das Leben der amerikanischen Ureinwohner dokumentieren. Die erste, seine "Indian Gallery" mit mehr als 500 Werken aus den 1830er Jahren, befindet sich heute größtenteils im Smithsonian American Art Museum. Die zweite, die "Cartoon Collection" mit mehr als 600 Werken aus den 1850er und 1860er Jahren, umfasste dieses Gemälde und wurde 1912 vom American Museum of Natural History erworben. Paul Mellons Kauf von über 300 aus der Sammlung entlassenen Werken und sein Geschenk von 351 Gemälden an die National Gallery of Art im Jahr 1965 sicherten das Überleben und die öffentliche Zugänglichkeit dieses wichtigen Teils von Catlins Œuvre. Catlins Projekt wurde durch den Indian Removal Act von 1830 und seine Überzeugung motiviert, dass indigene Völker eine "sterbende Nation" ohne eigene Historiker seien. Er verbrachte acht Jahre damit, mehr als 45 Stämme zu besuchen, und schuf Werke, die er als "wahrscheinlich die wahrhaftigste" Darstellung des indianischen Lebens bezeichnete, die bisher der Öffentlichkeit präsentiert wurde. Die kritische Rezeption zu seinen Lebzeiten hob die "Rauheit und Energie" seiner Sujets hervor sowie die Einführung zuvor nicht dargestellter Stämme, darunter die Blackfoot, Crow, Plains Cree und Yanktonai Sioux.

Als Teil der Cartoon Collection repräsentiert Amusing Dance - Sioux die spätere Phase von Catlins dokumentarischem Projekt, als er aus dem Gedächtnis und früheren Skizzen arbeitete, anstatt aus direkter Beobachtung. Das spätere Leben des Gemäldes wurde durch seine Aufnahme in bedeutende institutionelle Sammlungen und seine Rolle bei der Verbreitung von Catlins Bildsprache vor einem breiten Publikum durch das Leihprogramm der National Gallery of Art geprägt. Das Werk verkörpert die Spannungen in Catlins Vermächtnis: sein aufrichtiges Engagement für die Bewahrung visueller Aufzeichnungen indigener Kulturen und die problematische Rahmung dieser Kulturen als verschwindend oder zum Untergang verurteilt. Das Gemälde dient weiterhin als primäre Quelle zum Verständnis der siouxischen zeremoniellen Praxis im 19. Jahrhundert und Catlins spezifischer Form ethnografischer Kunst, auch wenn Wissenschaftler die kolonialen Rahmenbedingungen hinterfragen, innerhalb derer es entstanden und zunächst rezipiert wurde. Seine polierte, illustrative Qualität und seine spezifischen dokumentarischen Ansprüche machen es zu einem Bezugspunkt für Diskussionen über visuelle Anthropologie, amerikanische Kunst und die Darstellung indigener Völker im 19. Jahrhundert.