The Last of England

Die Komposition nutzt ein fast kreisförmiges, vertikales Ovalformat, das an Renaissance-Tondi erinnert und die Instabilität der Reise sowie den komprimierten, verkürzten Raum der Passagiere im Hintergrund betont. Der Kunsthistoriker Nicholas Penny schlägt vor, die Szene werde so betrachtet, als sähe man durch ein Fernrohr, was die Rührung und Dringlichkeit verstärkt. Die Farbpalette konzentriert sich auf tiefes Rot und Braun, kontrastiert mit Grün und blassblau, wobei die leuchtend magentafarbenen Bänder der Frauenmütze einen markanten Kontrast bilden. Das Licht fällt stark auf Gesichter und Hände und lässt andere Bereiche im Schatten. Um seine naturalistische Detailgenauigkeit zu erreichen, malte Brown en plein air an kalten, trüben Tagen, und seine Frau posierte im Winter im Freien, um die wahre Blässe ihrer Haut und die violette Färbung der Hände des Mannes einzufangen. Der Pinselstrich zeigt präzise Details in Gesichtern und Stoffen, während die Behandlung von Wasser und Hintergrund lockerer ist, was zu einer glatten, fertigen Oberfläche ohne sichtbaren Impasto führt.

Brown begann das Gemälde 1852, inspiriert durch die Abreise seines Freundes Thomas Woolner nach Australien. Brown selbst erwog eine Auswanderung nach Indien, blieb jedoch in Hampstead und arbeitete an dem Gemälde in seinem Garten und Atelier über einem Porzellangeschäft in der 33 High Street. Die ursprüngliche Leinwand von 1855 war Browns erster großer künstlerischer Erfolg und wurde sofort für 150 Pfund verkauft, den höchsten Betrag, den er bisher verdient hatte. Im März 1859 wurde das Gemälde, damals noch als The Last Sight of England bekannt, von Benjamin Windus an Ernest Gambart für 325 Guineen verkauft. Die Fitzwilliam-Version von 1860 wurde aufgrund des Erfolgs des Originals als Replik in Auftrag gegeben. Ihre Provenienz umfasst Colonel W.J. Gillum und Miss Mary Slater, von denen sie 1917 mit Mitteln des Marlay Fund erworben wurde. Eine verkleinerte Aquarellreplik, die zwischen 1864 und 1866 gemalt wurde und an der Browns Tochter Catherine wahrscheinlich mitwirkte, befindet sich heute in der Tate Britain.

Entstanden während des Höhepunkts der Auswanderungskrise Mitte des 19. Jahrhunderts, spiegelt das Werk die wirtschaftlichen Schwierigkeiten der 1850er Jahre wider, als über 350.000 Menschen England verließen, um ein besseres Leben zu suchen. Obwohl Brown nie formelles Mitglied der Präraffaeliten-Bruderschaft war, zeigt das Gemälde die Merkmale der Bewegung, darunter leuchtende Farben, minutiöse naturalistische Details und eine Stilreinheit, die an die italienische Kunst des 15. Jahrhunderts erinnert. Das blasse, traurige Gesicht der Frau und ihre mittig gescheitelten Haare evozieren italienische Madonnen, was durch den himmlischen Bogen ihrer Mütze noch verstärkt wird. Brown verfasste ein kurzes Gedicht für das Gemälde, das die Frau beschreibt, wie sie durch regenbogenfarbene Tränen auf einen sonnigeren Schein blickt. Trotz des persönlichen Elends, das seine Entstehung nährte, erhielt das Gemälde allgemeine Anerkennung und markierte einen Wendepunkt in Browns beruflicher Rezeption.

The Last of England hat sich als kraftvolles Symbol der viktorianischen Auswanderung und der emotionalen Wirkung des Verlassens der Heimat erwiesen. Bis zur Fertigstellung des Originals im Jahr 1855 war Woolner bereits nach England zurückgekehrt, ohne besser dazustehen, was der Erzählung von Hoffnung und Verlust des Gemäldes eine retrospektive Ironie verleiht. Die kulturelle Resonanz des Werks hat bis in die Moderne hinein angehalten. Es wurde in einer Umfrage von BBC Radio 4 zum achten Lieblingsbild Großbritanniens gewählt und später von der britischen Öffentlichkeit für die Ausstellung Art Everywhere im Jahr 2013 ausgewählt, wobei es unter 57 aus nationalen Sammlungen gewählten Gemälden den 32. Platz belegte. Die Existenz mehrerer Versionen und Repliken zeugt zudem von der hohen Wertschätzung, der die Komposition bei Browns Zeitgenossen und nachfolgenden Sammlern genoss.