The Last of England

构图采用近乎圆形的垂直椭圆形格式，令人联想到文艺复兴时期的圆形画，强调了航行的不稳定性以及背景中乘客空间的压缩与透视缩短效果。艺术史学家尼古拉斯·彭尼指出，场景仿佛是通过望远镜观看，增添了 poignant 与紧迫感。调色以深红与棕色为主，与绿色及淡蓝色形成对比，女子鲜艳的洋红色帽带则提供了鲜明的视觉 relief。光线强烈地照射在面部与手部，其余区域则处于阴影之中。为实现自然主义的细节，布朗在寒冷阴沉的户外写生，其妻子也在冬季户外摆姿势，以捕捉他们肌肤真实的苍白色调以及男子手部的紫色色泽。笔触在面部与织物上极为精细，而在水面与背景处则较为松散，最终形成光滑、完成度高的表面，无可见的厚涂肌理。

布朗于1852年开始创作此画，灵感来自其朋友托马斯·伍尔纳启程前往澳大利亚。布朗本人曾考虑移民印度，但最终留在汉普斯特德，在其位于高街33号瓷器店上方的花园与画室中继续创作。1855年的原作是布朗首次获得重大艺术成功，立即以150英镑售出，这是他当时所得的最高金额。1859年3月，当时名为《英格兰的最后一瞥》的画作由本杰明·温达斯以325几尼的价格售予欧内斯特·甘巴特。1860年菲茨威廉博物馆版本因原作成功而受委托作为复制品。其来源包括W.J.吉卢姆上校与玛丽·斯莱特小姐，该版本于1917年通过马拉伊基金购得。一幅创作于1864至1866年间的缩小版水彩复制品，很可能由布朗的女儿凯瑟琳参与绘制，现藏于泰特英国美术馆。

该作品创作于19世纪中叶移民危机的高峰期，反映了1850年代的经济困境，当时超过35万人离开英格兰寻求更好的生活。尽管布朗从未正式加入拉斐尔前派兄弟会，但该画作展现了该运动的特征，包括 luminous 的色彩、极尽精细的自然主义细节，以及类似于15世纪意大利艺术的纯粹风格。女子苍白而忧伤的面容与中分发型唤起了意大利圣母像的意象，其帽檐形成的光环状弧线进一步强化了这一联想。布朗为此画创作了一段短诗，描述女子透过彩虹般的泪水望向更明亮的阳光。尽管创作源于个人的痛苦，该画作仍获得普遍赞誉，标志着布朗职业生涯中接受度的转折点。

《英格兰的最后一瞥》已成为维多利亚时代移民及离开故土情感冲击的有力象征。至1855年原作完成时，伍尔纳已返回英格兰且境况未改，这为画作中关于希望与失落的故事增添了 retrospective 的讽刺意味。该作品的文化共鸣延续至现代。在BBC Radio 4的一项民意调查中，它被评为英国第八喜爱的画作；随后，它被英国公众选入2013年“无处不在的艺术”展览，在从国家馆藏中选出的57幅画作中排名第32位。多个版本与复制品的存在进一步证明了该构图在布朗同时代人及后世收藏家心中享有的崇高地位。