The Last of England

A composição emprega um formato vertical oval quase circular, reminiscente dos tondos renascentistas, o que enfatiza a instabilidade da viagem e o espaço comprimido e encurtado dos passageiros ao fundo. O historiador de arte Nicholas Penny sugere que a cena é vista como se através de um telescópio, adicionando pungência e urgência. A paleta centra-se em vermelhos profundos e marrons contrastados com verdes e azuis pálidos, com as fitas vivas do boné magenta da mulher proporcionando um alívio marcante. A luz incide fortemente sobre os rostos e as mãos, deixando outras áreas em sombra. Para alcançar seu detalhe naturalista, Brown pintou en plein air em dias frios e cinzentos, e sua esposa posou ao ar livre no inverno para capturar a verdadeira palidez de sua pele e a coloração roxa das mãos do homem. A pincelada apresenta detalhe preciso em rostos e tecidos, com tratamento mais solto na água e no fundo, resultando em uma superfície lisa e acabada, sem impasto visível.

Brown começou a pintura em 1852, inspirado pela partida de seu amigo Thomas Woolner para a Austrália. O próprio Brown considerou emigrar para a Índia, mas permaneceu em Hampstead, trabalhando na pintura em seu jardim e estúdio acima de uma loja de porcelana na 33 High Street. A tela original de 1855 foi o primeiro grande sucesso artístico de Brown, vendida imediatamente por 150 libras, a maior quantia que havia ganho até então. Em março de 1859, a pintura, então conhecida como The Last Sight of England, foi vendida por Benjamin Windus a Ernest Gambart por 325 guinéus. A versão de 1860 do Fitzwilliam foi encomendada como uma réplica devido ao sucesso da original. Sua procedência inclui o Coronel W.J. Gillum e a Srta. Mary Slater, da qual foi comprada em 1917 usando o Marlay Fund. Uma réplica reduzida em aquarela pintada entre 1864 e 1866, na qual a filha de Brown, Catherine, provavelmente trabalhou, encontra-se agora na Tate Britain.

Criada no auge da crise de emigração de meados do século XIX, a obra reflete as dificuldades econômicas da década de 1850, quando mais de 350.000 pessoas deixaram a Inglaterra em busca de melhores vidas. Embora Brown nunca tenha sido membro formal da Irmandade Pré-Rafaelita, a pintura exibe as características do movimento, incluindo cor luminosa, detalhe naturalista minucioso e uma pureza de estilo semelhante à arte italiana do século XV. O rosto pálido e triste da mulher e o cabelo partido ao centro evocam Madonas italianas, reforçado pelo arco semelhante a um halo de seu boné. Brown compôs um verso curto para a pintura, descrevendo a mulher olhando através de lágrimas de arco-íris em direção a um brilho mais ensolarado. Apesar da miséria pessoal que alimentou sua criação, a pintura recebeu elogios gerais, marcando um ponto de virada na recepção profissional de Brown.

The Last of England perdura como um poderoso símbolo da emigração vitoriana e do impacto emocional de deixar a própria terra natal. Quando a original foi concluída em 1855, Woolner já havia retornado à Inglaterra sem estar em melhor situação, emprestando uma ironia retrospectiva à narrativa de esperança e perda da pintura. A ressonância cultural da obra persistiu na era moderna. Foi votada como a oitava pintura favorita da Grã-Bretanha em uma pesquisa da BBC Radio 4 e posteriormente selecionada pelo público britânico para a exposição Art Everywhere de 2013, ocupando a 32ª posição entre 57 pinturas escolhidas de coleções nacionais. A existência de múltiplas versões e réplicas atesta ainda mais a alta consideração em que a composição era tida pelos contemporâneos de Brown e colecionadores subsequentes.