The Last of England

La composizione adotta un formato verticale quasi circolare, ovale, che ricorda i tondi rinascimentali, enfatizzando l'instabilità del viaggio e lo spazio compresso e in prospettiva dei passeggeri sullo sfondo. Lo storico dell'arte Nicholas Penny suggerisce che la scena sia vista come attraverso un cannocchiale, aggiungendo pathos e urgenza. La tavolozza ruota attorno a rossi profondi e marroni, contrastati da verdi e azzurri pallidi, con i nastri vivaci del cappello magenta della donna che offrono un contrasto striking. La luce cade intensamente sui volti e sulle mani, lasciando altre aree in ombra. Per ottenere il suo dettaglio naturalistico, Brown dipinse en plein air in giornate fredde e grigie, e sua moglie posò all'aperto in inverno per catturare il vero pallore della loro pelle e la colorazione viola delle mani dell'uomo. La pennellata presenta dettagli precisi nei volti e nei tessuti, con una gestione più libera nell'acqua e sullo sfondo, risultando in una superficie liscia e finita senza impasto visibile.

Brown iniziò il dipinto nel 1852, ispirato dalla partenza del suo amico Thomas Woolner per l'Australia. Lo stesso Brown considerò l'emigrazione in India ma rimase a Hampstead, lavorando al dipinto nel suo giardino e nello studio sopra un negozio di porcellane al numero 33 di High Street. La tela originale del 1855 fu il primo grande successo artistico di Brown, venduta immediatamente per 150 sterline, la somma più alta che avesse mai guadagnato fino a quel momento. Nel marzo 1859, il dipinto, allora noto come The Last Sight of England, fu venduto da Benjamin Windus a Ernest Gambart per 325 ghinee. La versione del 1860 del Fitzwilliam fu commissionata come replica a causa del successo dell'originale. La sua provenienza include il colonnello W.J. Gillum e la signorina Mary Slater, da cui fu acquistata nel 1917 utilizzando il Marlay Fund. Una replica ridotta ad acquerello dipinta tra il 1864 e il 1866, su cui probabilmente lavorò anche la figlia di Brown, Catherine, si trova ora alla Tate Britain.

Creato durante il picco della crisi dell'emigrazione di metà XIX secolo, l'opera riflette le difficoltà economiche degli anni 1850, quando oltre 350.000 persone lasciarono l'Inghilterra alla ricerca di una vita migliore. Sebbene Brown non fosse mai stato un membro formale della Confraternita Preraffaellita, il dipinto presenta le caratteristiche del movimento, tra cui colori luminosi, dettagli naturalistici minuti e una purezza di stile affine all'arte italiana del XV secolo. Il volto pallido e triste della donna e i capelli divisi al centro evocano le Madonne italiane, rafforzati dall'arco simile a un'aureola del suo cappello. Brown compose una breve poesia per il dipinto, descrivendo la donna che guarda attraverso lacrime arcobaleno verso un bagliore più soleggiato. Nonostante la sofferenza personale che ne alimentò la creazione, il dipinto ricevette elogi generali, segnando un punto di svolta nella ricezione professionale di Brown.

The Last of England è sopravvissuto come potente simbolo dell'emigrazione vittoriana e dell'impatto emotivo di lasciare la propria patria. Al momento del completamento dell'originale nel 1855, Woolner era già tornato in Inghilterra senza essere in condizioni migliori, conferendo un'ironia retrospettiva alla narrazione del dipinto di speranza e perdita. La risonanza culturale dell'opera è persistita fino all'era moderna. È stata votata come l'ottava immagine preferita della Gran Bretagna in un sondaggio della BBC Radio 4 e in seguito è stata selezionata dal pubblico britannico per la mostra Art Everywhere del 2013, classificandosi 32ª su 57 dipinti scelti dalle collezioni nazionali. L'esistenza di più versioni e repliche testimonia ulteriormente l'alto riguardo in cui la composizione era tenuta dai contemporanei di Brown e dai collezionisti successivi.