The Last of England

구성은 르네상스 시대 톤도 작품을 연상시키는 거의 원형의 세로 타원 형식을 사용하여 항해의 불안정성과 배경 승객들의 압축되고 단축된 공간을 강조한다. 미술사학자 니콜라스 페니는 이 장면이 망원경을 통해 내려다보는 것처럼 묘사되어 애절함과 긴박감을 더한다고 제안한다. 색조는 짙은 붉은색과 갈색을 중심으로 녹색과 연한 파란색과 대비되며, 여자의 생생한 마젠타색 모자 리본이 강렬한 대비를 이룬다. 빛은 얼굴과 손에 강하게 비추고 나머지 부분은 그림자에 가려져 있다. 자연주의적 세부 묘사를 달성하기 위해 브라운은 춥고 흐린 날에 야외에서 그림을 그렸으며, 그의 아내는 겨울에 야외에서 포즈를 취하여 그들의 피부의 실제 창백함과 남자의 손의 보라색 색조를 포착했다. 붓터치는 얼굴과 직물에서 정밀한 세부 묘사를 보이며, 물과 배경에서는 더 느슨한 처리를 보여 impasto 가 보이지 않는 매끄럽고 완성된 표면을 만들어낸다.

브라운은 1852 년 친구 토머스 울너가 호주로 떠나는 것에 영감을 받아 이 그림을 시작했다. 브라운 자신도 인도 이민을 고려했지만 햄프스테드에 머물며 33 하이스트리트에 있는 도자기 가게 위 작업실과 정원에서 그림을 그렸다. 1855 년 원본 캔버스는 브라운의 첫 번째 주요 예술적 성공으로, 당시 그가 지금까지 번 돈 중 가장 큰 금액인 150 파운드에 즉시 판매되었다. 1859 년 3 월, 당시 The Last Sight of England 로 불리던 이 그림은 벤저민 윈더스가 어니스트 감바르트에게 325 기니에 팔았다. 1860 년 피츠윌리엄 버전은 원본의 성공으로 인해 복제품으로 의뢰되었다. 이 작품의 소장 내력에는 콜로넬 W.J. 길럼과 메리 슬레이터 미스가 포함되며, 1917 년 마레이 기금을 사용하여 이들에게서 구입되었다. 1864 년에서 1866 년 사이에 그려진 축소된 수채화 복제품은 브라운의 딸 캐서린이 아마도 작업에 참여했을 것으로 보이며, 현재 테이트 브리튼에 소장되어 있다.

19 세기 중반 이민 위기의 정점에 제작된 이 작품은 35 만 명이 넘는 사람들이 더 나은 삶을 찾아 영국을 떠났던 1850 년대의 경제적 어려움을 반영한다. 브라운은 라파엘 전파 형제단의 공식 회원은 아니었지만, 이 그림은 빛나는 색채, 미세한 자연주의적 세부 묘사, 15 세기 이탈리아 예술과 유사한 순수한 양식 등 운동의 특징을 보여준다. 여자의 창백하고 슬픈 얼굴과 중앙으로 갈라진 머리카락은 그녀의 모자 아치로 강화된 이탈리아 마돈나들을 연상시킨다. 브라운은 이 그림을 위해 짧은 시를 지었는데, 그 시에서 여자는 무지개 같은 눈물을 통해 더 밝은 빛을 바라본다고 묘사한다. 창작을 부추긴 개인적인 비극에도 불구하고 이 그림은 일반적인 찬사를 받았으며, 브라운의 전문적 수용에 있어 전환점이 되었다.

The Last of England은 빅토리아 시대 이민과 조국을 떠나는 정서적 영향의 강력한 상징으로 남아 있다. 원본이 1855 년 완성되었을 때, 울너는 이미 영국으로 돌아와 더 나아지지 않은 상태였는데, 이는 희망과 상실의 내러티브에 대한 사후적 아이러니를 더한다. 이 작품의 문화적 공명은 현대까지 지속되었다. BBC 라디오 4 의 투표에서 영국의 여덟 번째로 인기 있는 그림으로 선정되었으며, 이후 2013 년 Art Everywhere 전시회에서 영국 국민에 의해 선정되어 전국 소장품 중 57 점의 그림 중 32 위를 차지했다. 여러 버전과 복제본의 존재는 브라운의 동시대인과 후대 수집가들이 이 구도를 얼마나 높이 평가했는지를 더욱 입증한다.