The Last of England

La composition adopte un format vertical presque circulaire, un ovale rappelant les tondos de la Renaissance, qui souligne l'instabilité du voyage et l'espace comprimé et raccourci des passagers en arrière-plan. L'historien de l'art Nicholas Penny suggère que la scène est vue comme à travers une lunette d'approche, ajoutant une poignance et une urgence particulières. La palette s'articule autour de rouges profonds et de bruns contrastés avec des verts et des bleus pâles, les rubans magenta vifs du bonnet de la femme offrant un soulagement saisissant. La lumière frappe fortement les visages et les mains, laissant d'autres zones dans l'ombre. Pour atteindre son détail naturaliste, Brown a peint en plein air par temps froid et gris, et son épouse a posé en extérieur en hiver pour capturer la vraie pâleur de leur peau et la coloration violette des mains de l'homme. Le travail de pinceau présente un détail précis dans les visages et les étoffes, avec une touche plus libre dans l'eau et l'arrière-plan, aboutissant à une surface lisse et finie sans impasto visible.

Brown a commencé la peinture en 1852, inspiré par le départ de son ami Thomas Woolner pour l'Australie. Brown lui-même envisagea d'émigrer en Inde mais resta à Hampstead, travaillant sur la peinture dans son jardin et son atelier situé au-dessus d'une boutique de porcelaine au 33 High Street. La toile originale de 1855 fut le premier grand succès artistique de Brown, vendue immédiatement 150 livres, la plus forte somme qu'il avait jamais gagnée à ce jour. En mars 1859, la peinture, alors connue sous le titre The Last Sight of England, fut vendue par Benjamin Windus à Ernest Gambart pour 325 guinées. La version Fitzwilliam de 1860 fut commandée comme réplique en raison du succès de l'originale. Sa provenance inclut le colonel W.J. Gillum et Mlle Mary Slater, dont elle fut achetée en 1917 grâce au fonds Marlay. Une réplique réduite à l'aquarelle, peinte entre 1864 et 1866 et sur laquelle la fille de Brown, Catherine, travailla probablement, se trouve aujourd'hui à la Tate Britain.

Créée au plus fort de la crise de l'émigration du milieu du XIXe siècle, l'œuvre reflète les difficultés économiques des années 1850, période où plus de 350 000 personnes quittèrent l'Angleterre à la recherche d'une vie meilleure. Bien que Brown n'ait jamais été membre officiel de la Confrérie préraphaélite, la peinture présente les caractéristiques du mouvement, notamment la luminosité des couleurs, le détail naturaliste minutieux et une pureté de style comparable à l'art italien du XVe siècle. Le visage pâle et triste de la femme et sa raie médiane évoquent les Madones italiennes, renforcées par l'arc en forme d'auréole de son bonnet. Brown composa un court poème pour la peinture, décrivant la femme regardant à travers des larmes arc-en-ciel vers une lueur plus ensoleillée. Malgré la misère personnelle qui alimenta sa création, la peinture reçut des éloges généraux, marquant un tournant dans la réception professionnelle de Brown.

The Last of England perdure comme un puissant symbole de l'émigration victorienne et de l'impact émotionnel du départ de sa patrie. Au moment où l'originale fut achevée en 1855, Woolner était déjà revenu en Angleterre sans être mieux loti, conférant une ironie rétrospective au récit de l'espoir et de la perte de la peinture. La résonance culturelle de l'œuvre s'est poursuivie jusqu'à l'époque moderne. Elle a été élue huitième tableau préféré de Grande-Bretagne lors d'un sondage de BBC Radio 4 et fut ensuite sélectionnée par le public britannique pour l'exposition Art Everywhere de 2013, se classant 32e sur 57 tableaux choisis parmi les collections nationales. L'existence de multiples versions et répliques témoigne davantage de la haute estime dans laquelle la composition était tenue par les contemporains de Brown et les collectionneurs ultérieurs.