The Last of England

La composición emplea un formato casi circular, un óvalo vertical, reminiscente de los tondos del Renacimiento, que subraya la inestabilidad del viaje y el espacio comprimido y acortado de los pasajeros del fondo. El historiador del arte Nicholas Penny sugiere que la escena se ve como si a través de un telescopio, añadiendo poignancia y urgencia. La paleta se centra en rojos profundos y marrones contrastados con verdes y azules pálidos, con las cintas magenta vibrantes del sombrero de la mujer proporcionando un relieve striking. La luz incide con fuerza sobre los rostros y las manos, dejando otras áreas en sombra. Para lograr su detalle naturalista, Brown pintó al aire libre en días fríos y grises, y su esposa posó al exterior en invierno para capturar el verdadero palor de su piel y la coloración morada de las manos del hombre. La pincelada presenta un detalle preciso en rostros y telas, con un manejo más suelto en el agua y el fondo, resultando en una superficie lisa y terminada sin impasto visible.

Brown comenzó la pintura en 1852, inspirado por la partida de su amigo Thomas Woolner hacia Australia. El propio Brown consideró emigrar a la India pero permaneció en Hampstead, trabajando en la pintura en su jardín y estudio sobre una tienda de porcelanas en el número 33 de High Street. El lienzo original de 1855 fue el primer gran éxito artístico de Brown, vendiéndose inmediatamente por 150 libras, la mayor suma que había ganado hasta la fecha. En marzo de 1859, la pintura, entonces conocida como The Last Sight of England, fue vendida por Benjamin Windus a Ernest Gambart por 325 guineas. La versión de 1860 del Fitzwilliam fue encargada como réplica debido al éxito de la original. Su procedencia incluye al coronel W.J. Gillum y a la señorita Mary Slater, de quienes fue comprada en 1917 utilizando el Marlay Fund. Una réplica reducida en acuarela pintada entre 1864 y 1866, en la que probablemente trabajó la hija de Brown, Catherine, se encuentra actualmente en Tate Britain.

Creada durante el punto álgido de la crisis de emigración de mediados del siglo XIX, la obra refleja las dificultades económicas de la década de 1850, cuando más de 350.000 personas abandonaron Inglaterra en busca de mejores vidas. Aunque Brown nunca fue miembro formal de la Hermandad Prerrafaelita, la pintura exhibe las características del movimiento, incluyendo colores luminosos, detalles naturalistas minuciosos y una pureza de estilo afín al arte italiano del siglo XV. El rostro pálido y triste de la mujer y su cabello partido en el centro evocan a las Vírgenes italianas, reforzado por el arco similar a un halo de su sombrero. Brown compuso un breve verso para la pintura, describiendo a la mujer mirando a través de lágrimas arcoíris hacia un destello más soleado. A pesar de la miseria personal que alimentó su creación, la pintura recibió elogios generales, marcando un punto de inflexión en la recepción profesional de Brown.

The Last of England ha perdurado como un poderoso símbolo de la emigración victoriana y el impacto emocional de abandonar la tierra natal. Para cuando la original se terminó en 1855, Woolner ya había regresado a Inglaterra sin estar mejor, lo que otorga una ironía retrospectiva a la narrativa de esperanza y pérdida de la pintura. La resonancia cultural de la obra ha persistido hasta la era moderna. Fue votada como la octava pintura favorita de Gran Bretaña en una encuesta de BBC Radio 4 y más tarde fue seleccionada por el público británico para la exposición Art Everywhere de 2013, ocupando el puesto 32 de 57 pinturas elegidas de colecciones nacionales. La existencia de múltiples versiones y réplicas atestigua además la alta consideración en que la composición fue tenida por los contemporáneos de Brown y los coleccionistas posteriores.