Head of a Peasant Woman

Van Gogh a réalisé l'œuvre à l'huile sur toile tendue sur un panneau de carton-pâte, un support qu'il a fréquemment employé durant cette période de contraintes financières. La surface picturale présente une touche visible et texturée partout, avec des coups de pinceau directionnels épais sur le bonnet et une exécution plus lâche, plus fondue, sur le visage et le fond. La lumière tombe de la gauche, éclairant le côté gauche du visage et du bonnet, tandis que le côté droit s'enfonce dans l'ombre, créant un effet de clair-obscur qui modèle le volume. La palette est dominée par des bruns terreux pour la peau, des blancs et des gris pour la coiffe, et des bleu-verts profonds pour les vêtements. La touche simule efficacement la texture du bonnet et l'aspect usé des traits du modèle. La surface picturale présente quelques craquelures cohérentes avec son âge. Cette technique reflète l'engagement de Van Gogh envers le réalisme et son étude des maîtres néerlandais et français de la peinture paysanne, tout en annonçant déjà la facture expressive qui caractérisera son œuvre ultérieure.

La peinture a été réalisée en avril 1885 à Nuenen, où Van Gogh vivait avec ses parents et utilisait des voisins locaux comme modèles. L'œuvre a servi d'étude pour Les Mangeurs de pommes de terre, qu'il a achevées en mai 1885. Elle a été offerte à la Scottish National Gallery par Sir Alexander Maitland, en mémoire de son épouse Rosalind, en 1960. La peinture a retrouvé une attention particulière en 2022, lorsqu'un autoportrait caché de Van Gogh a été découvert au verso lors d'une radiographie effectuée par les National Galleries of Scotland alors qu'elles préparaient une exposition sur l'impressionnisme. L'autoportrait, qui montre un modèle barbu coiffé d'un chapeau à bord et portant un foulard, avait été dissimulé sous des couches de colle et de carton. Cette découverte a confirmé la pratique de Van Gogh consistant à réutiliser des toiles en peignant des deux côtés lorsque les fonds étaient rares, une habitude qui a conduit à ce que plusieurs œuvres au verso soient recouvertes et perdues avec le temps.

La période de Nuenen a marqué une phase cruciale dans le développement de Van Gogh. Arrivé fin 1883 après des séjours à La Haye et à Drenthe, il s'est immergé dans la représentation des tisserands et des paysans locaux. Son ambition artistique durant ces années a été façonnée par le réalisme de Jean-François Millet et de Gustave Courbet, ainsi que par les maîtres de la Renaissance allemande Albrecht Dürer et Hans Holbein, dont les portraits graves et frontaux avaient inspiré son projet antérieur Têtes du peuple de 1882. Les circonstances sociales et personnelles de l'époque étaient turbulentes : Van Gogh venait de mettre fin à une liaison désastreuse avec Margot Begemann, et l'opinion locale s'était retournée contre lui, rendant difficile la recherche de modèles. Malgré ces obstacles, ou peut-être à cause d'eux, il a produit un corpus extraordinaire d'œuvres centré sur la vie paysanne. La série d'études de têtes à laquelle appartient cette peinture représente son engagement le plus soutenu envers un sujet unique avant son départ pour Anvers plus tard en 1885 et son déménagement subséquent à Paris.

La découverte en 2022 de l'autoportrait caché au verso de Tête de paysanne a considérablement enrichi la compréhension savante et publique des méthodes de travail de Van Gogh et de son auto-représentation durant la période de Nuenen. Cette découverte a démontré comment la nécessité financière l'a poussé à maximiser l'utilisation de ses matériaux, tout en révélant qu'il continuait à produire des autoportraits durant des périodes précédemment non associées à ce genre. L'œuvre demeure un point de repère essentiel pour comprendre le réalisme précoce de Van Gogh et son empathie envers les sujets paysans, des qualités qui ont informé son développement ultérieur, même si sa palette s'est éclaircie et sa touche est devenue plus emphatique en France. En tant que l'une des quelque quarante études de têtes de Nuenen, elle contribue à un corpus que les historiens de l'art considèrent comme essentiel pour comprendre l'arc complet de sa carrière, depuis les tonalités sombres des années néerlandaises jusqu'aux couleurs vibrantes de sa dernière période.