Eve Tempted by the Serpent

Blake a réalisé l'œuvre en utilisant une détrempe à base de colle combinée à de l'or sur un panneau de cuivre. La palette est dominée par des bleus profonds, des jaunes dorés, des bruns et des verts. Le traitement de Blake présente des touches de pinceau visibles avec une finition quelque peu rugueuse et texturée, et le corps du serpent montre une variation de couleur structurée le long de sa longueur. L'artiste a délibérément choisi la détrempe plutôt que la peinture à l'huile pour obtenir des couleurs claires et non troubles, ainsi que des linéaments fermes et déterminés, non interrompus par des ombres, rejetant les pratiques des écoles italiennes et flamandes ultérieures. Cette technique expérimentale a cependant entraîné une mauvaise adhérence entre la peinture à base de colle et le support en cuivre, provoquant un écaillage important de la surface au fil du temps. La surface globale présente désormais une qualité craquelée et vieillie dans l'ensemble.

La peinture a été commandée par Thomas Butts, un mécène important de l'œuvre de Blake, et a probablement été peinte en Grande-Bretagne entre 1799 et 1800. L'œuvre est signée du monogramme de Blake, WB inv, dans le coin inférieur gauche. Elle a fini par entrer sur le marché de l'art et a été achetée par le Victoria and Albert Museum en 1953, où elle reste aujourd'hui sous le numéro d'inventaire P.28-1953. La peinture est exposée dans la galerie de peintures, salle 82, sur le mur sud.

La peinture reflète l'engagement profond de William Blake avec les Écritures bibliques et le Paradise Lost de John Milton, une source littéraire qu'il a continuellement réinterprétée tout au long de sa carrière. L'Adam endormi dans la composition a été comparé à l'Albion endormi dans le poème épique ultérieur de Blake, Jérusalem, situant cette scène édénique au sein de la mythologie personnelle plus large de l'artiste. Le choix du médium par Blake était lié à sa position théorique sur l'art, qu'il a articulée dans son catalogue descriptif de 1809. Il prônait des couleurs claires et des linéaments définis plutôt que les techniques lourdes d'ombres des traditions de la Renaissance et du baroque, un principe qu'il a activement appliqué dans cette œuvre malgré les défaillances structurelles des matériaux choisis.

L'héritage de l'œuvre est largement défini par sa vulnérabilité matérielle, servant d'exemple emblématique des défis de conservation inhérents aux méthodes de peinture expérimentales de Blake. L'écaillage sévère de la détrempe du support en cuivre met en lumière les risques qu'il a pris pour atteindre son esthétique désirée de formes claires et non floues. En tant qu'interprétation visuelle du récit de la Genèse, la peinture reste un exemple notable de la synthèse unique de Blake des thèmes bibliques et littéraires, filtrés à travers son langage symbolique personnel concernant la chute et l'émergence de la matérialité.