Eve Tempted by the Serpent

Blake eseguì l'opera utilizzando una tempera a colla combinata con oro su pannello di rame. La tavolozza è dominata da blu profondi, gialli dorati, marroni e verdi. La tecnica di Blake presenta pennellate visibili con una finitura piuttosto ruvida e testurizzata, e il corpo del serpente mostra variazioni di colore patternate lungo la sua lunghezza. L'artista scelse deliberatamente la tempera invece della pittura a olio per ottenere colori chiari e non offuscati e linee ferme e determinate, non interrotte dalle ombre, rifiutando le pratiche delle successive scuole italiane e fiamminghe. Questa tecnica sperimentale, tuttavia, risultò in una scarsa adesione tra la pittura a colla e il supporto in rame, causando un grave sfaldamento della superficie nel tempo. L'intera superficie ora presenta una qualità crepata e invecchiata in tutta la sua estensione.

Il dipinto fu commissionato da Thomas Butts, un importante mecenate delle opere di Blake, e fu probabilmente dipinto in Gran Bretagna tra il 1799 e il 1800. L'opera è firmata con il monogramma di Blake, WB inv, nell'angolo in basso a sinistra. Alla fine entrò nel mercato dell'arte e fu acquistato dal Victoria and Albert Museum nel 1953, dove rimane oggi con il numero di inventario P.28-1953. Il dipinto è esposto nella galleria di pittura, sala 82, sulla parete sud.

Il dipinto riflette il profondo impegno di William Blake con le scritture bibliche e il Paradise Lost di John Milton, una fonte letteraria che reinterpretò continuamente lungo tutta la sua carriera. L'Adamo addormentato nella composizione è stato paragonato all'Albione addormentato nell'epica poema successivo di Blake, Gerusalemme, collocando questa scena edenica all'interno della più ampia mitologia personale dell'artista. La scelta del mezzo da parte di Blake era legata alla sua posizione teorica sull'arte, che articolò nel suo Descriptive Catalogue del 1809. Egli sosteneva colori chiari e linee definite rispetto alle tecniche ricche di ombre delle tradizioni rinascimentali e barocche, un principio che applicò attivamente in quest'opera nonostante i fallimenti strutturali dei materiali da lui scelti.

L'eredità dell'opera è in gran parte definita dalla sua vulnerabilità materiale, fungendo da esempio prominente delle sfide di conservazione inerenti ai metodi pittorici sperimentali di Blake. Il grave sfaldamento della tempera dal supporto in rame evidenzia i rischi che egli corse per raggiungere la sua estetica desiderata di forme chiare e non sfocate. Come interpretazione visiva della narrazione della Genesi, il dipinto rimane un esempio notevole della sintesi unica di Blake tra temi biblici e letterari, filtrati attraverso il suo linguaggio simbolico personale riguardo alla caduta e all'emergere della materialità.