Portrait d'une femme

L'œuvre est exécutée à l'huile sur toile, un médium qui a permis à Correggio une touche lisse et fondue ainsi que des transitions imperceptibles entre lumière et ombre visibles sur toute la surface. La lumière tombe du haut à droite, illuminant le visage, la poitrine et les manches blanches de la femme, tandis que les ombres se rassemblent dans le feuillage dense derrière elle et dans les plis de son drapé sombre. Le modelé de la chair et du tissu est soigneusement traité, avec une finition polie qui correspond à l'échelle monumentale et à la fonction représentative de la peinture. À gauche, le lierre grimpe sur un tronc d'arbre, tandis que le côté droit s'ouvre sur un paysage lointain dominé par des bleus atmosphériques profonds. Le point de vue légèrement abaissé et les dispositifs perspectifs relient l'œuvre stylistiquement aux fresques de la Camera di San Paolo. Les comparaisons antérieures avec les portraits de Lorenzo Lotto et La Velata de Raphaël soulignent l'engagement de Correggio avec les conventions portraitistes contemporaines, même si sa manipulation atmosphérique douce distingue son approche.

L'histoire précoce de la peinture reste inconnue. Elle est entrée au musée de l'Ermitage en 1925, où elle se trouve toujours. L'œuvre était autrefois attribuée à Lorenzo Lotto jusqu'à la découverte de la signature de Correggio sur le tronc d'arbre à gauche, qui a modifié l'attribution. L'analyse stylistique suggère une date proche des fresques de la Camera di San Paolo, avec l'arrangement monumental, la plénitude et la liberté du modelé, ainsi que les artifices perspectifs, soutenant une datation autour de 1517 à 1520. La peinture a été comparée à la Madone des marches du Caravage et à La Velata de Raphaël. Aucune documentation concernant la commande ou la propriété précoce n'a survécu, bien que des propositions savantes aient lié le portrait à des figures et des occasions historiques spécifiques, discutées ci-dessous.

La recherche a proposé deux identifications principales pour le modèle. Veronica Gambara, veuve en 1518 à la mort de Giberto VII da Correggio, a été suggérée sur la base du laurier poétique et du contexte de perte. Plus substantiellement, Ginevra Rangoni, veuve en 1517 de Giangaleazzo da Correggio et tierce franciscaine, a été proposée. La corde nouée dans le portrait correspond à la ceinture franciscaine, et le second mariage de Ginevra avec Aloisio Gonzaga, marquis de Castel Goffredo, le 24 juillet 1519, fournit une occasion plausible pour laquelle le portrait aurait pu être commandé. Cependant, les savants mettent en garde contre l'idée que le modèle doive représenter quelqu'un ayant personnellement subi une perte. L'attribut du plat d'argent et son regard direct et complice vers le spectateur suggèrent qu'elle se présente comme Hélène offrant le népenthès, faisant du portrait un cadeau ou un message à un destinataire endeuillé. Le paysage à l'aube visible à droite renforce cette lecture, écho aux mots de Pisistrate dans l'Odyssée : « mais l'Aurore, fille de la lumière, reviendra ». La culture classique de l'œuvre, l'inscription grecque rare et l'iconographie sophistiquée la marquent comme un produit de la plus haute culture humaniste de la Renaissance émilienne.

En tant que seule peinture signée du nom latinisé de Correggio et l'un des rares portraits de la Renaissance italienne à intégrer une inscription littéraire grecque, Portrait d'une femme occupe une position singulière dans l'œuvre de l'artiste et dans le portrait du XVIe siècle plus largement. Sa qualité énigmatique, combinant représentation aristocratique et allusion classique complexe, a maintenu l'intérêt savant à travers les générations. L'histoire de l'attribution de l'œuvre, de Lorenzo Lotto à Correggio, illustre l'évolution des méthodes de connoisseurship. Sa résidence permanente à l'Ermitage depuis 1925 en a fait un élément fixe des collections de la Renaissance italienne de ce musée, bien que son histoire précoce reste opaque. Le portrait continue de susciter des débats concernant l'identité, l'occasion et la signification, témoignage du défi durable d'interpréter les portraits de la Renaissance qui déploient des programmes littéraires et symboliques sophistiqués pour des contextes privés, désormais perdus.