Coronation of the Virgin

La scena centrale raffigura Cristo che incorona sua madre, Maria, come Regina del Cielo, un tema popolare nell'Italia medievale che, pur non essendo menzionato nei Vangeli, simboleggiava la sua Assunzione e l'autorità della Chiesa. La scena è ambientata nel Paradiso, rappresentato da un arcobaleno stellato o da fasce blu punteggiate di stelle che alludono alle sfere celesti della cosmologia medievale. Cristo e la Vergine sono seduti su un trono circondati da una folla densa di figure aureolate, tra cui angeli che suonano musica e bruciano incenso, e due gruppi simmetrici di santi disposti su tre file. Il gruppo di sinistra include San Giovanni Battista, San Pietro, San Bernardo di Chiaravalle e San Benedetto, mentre il gruppo di destra presenta San Giovanni Evangelista, Sant'Andrea, San Benedetto e San Romualdo. La prominente inclusione di San Benedetto in vesti bianche e di San Romualdo riflette l'identità istituzionale dell'ordine camaldolese, una congregazione benedettina riformata. Sopra il pannello principale, le pinnacoli contengono l'Angelo dell'Annunciazione, un Cristo Benedicente tra i Cherubini e la Vergine dell'Annunciazione, mentre la predella sottostante raffigura la Natività, l'Adorazione dei Magi e episodi dalle vite di San Benedetto e San Bernardo.

Eseguita a tempera su tavola di legno, la polittica esemplifica lo stile Gotico Internazionale a Firenze. La composizione è molto affollata e in gran parte piatta, priva della prospettiva matematica che si stava sviluppando nella pittura fiorentina contemporanea, una caratteristica che condivide con opere precedenti di stile giottesco. Invece, Lorenzo Monaco fa affidamento su uno sfondo dominante di foglia d'oro e su un motivo superficiale che compete per l'attenzione con i volumi delle figure, creando persino un motivo decorativo attraverso la sovrapposizione della folla. Le figure sono allungate con un modellato delicato, e i loro abiti presentano un disegno sottile e calligrafico con pieghe di drappeggio lineari e fluide che si muovono indipendentemente dai corpi. La tavolozza è definita da toni freddi, brillanti e iridescenti, che utilizzano blu profondi, rosa, verdi e bianchi, con un'applicazione generosa di costosi lapislazzuli per il blu oltremare. Un restauro del 1990 ha recuperato questa colorazione brillante, che nel tempo era stata oscurata, e l'analisi tecnica ha rilevato che la veste della Vergine, ora apparsa bianca, era originariamente sbiadita da un rosso audace o da un malva rosato.

Un'iscrizione sulla cornice, parzialmente restaurata nel XIX secolo, riporta che l'altare fu commissionato da Zanobi di Cecco del Frasca per l'altare maggiore di Santa Maria degli Angeli, dipinto da Don Lorenzo, e datato febbraio 1413. Poiché il calendario fiorentino iniziava il nuovo anno il 25 marzo, questa data corrisponde a febbraio 1414. Lo scrittore del XVI secolo Antonio Billi menzionò l'opera, descrivendola come elaboratamente ornata. Entro la fine del XVI secolo, il dipinto era considerato antiquato e fu sostituito sull'altare da una tela di Alessandro Allori. Successivamente, l'altare subì gravi danni da acqua che rovinarono gran parte della carpenteria lignea originale. Fu riscoperto nel XIX secolo nell'abbazia camaldolese di San Pietro a Cerreto. Nel 1872, il restauratore degli Uffizi Ettore Franchi intraprese un importante restauro della cornice. Un ulteriore restauro nel 1990 rivitalizzò la superficie dipinta e rivelò il prezioso pigmento di lapislazzuli. Il dipinto si trova ora nella collezione della Galleria degli Uffizi.

Lorenzo Monaco, nato Piero di Giovanni, prese i voti nel monastero camaldolese di Santa Maria degli Angeli nel 1391, rimanendo il principale pittore di Firenze per decenni. L'Incoronazione della Vergine rappresenta la maturità del suo stile elegante, ponendo il suo linguaggio figurativo personale al servizio della spiritualità camaldolese. A differenza di altre regioni italiane, i maestri fiorentini di questo periodo evitarono in gran parte la mondanità cortigiana; Lorenzo Monaco, invece, sottolineò un profondo sentimento religioso, evidenziato dal suo persistente uso di sfondi dorati e dai volti intensi e riflessivi delle sue figure. Sebbene la composizione del pannello principale sia convenzionale e piatta, le figure mostrano una nuova fluidità nelle loro pose e nei drappeggi che suggerisce lo Stile Internazionale allora impiegato nella scultura da contemporanei come Lorenzo Ghiberti e Niccolò Lamberti. Le scene della predella, libere dallo sfondo dorato, permisero all'artista di esplorare ambientazioni più intense, originali e immaginifiche, che sono annoverate tra i suoi massimi risultati.

L'Incoronazione della Vergine si erge come una delle opere più rappresentative della pittura tardo gotica a Firenze. Il suo uso sontuoso dell'oro e del costoso blu oltremare avrebbe reso l'altare un punto focale forte nella chiesa, testimoniando la sua importanza istituzionale e l'extraordinaria generosità del donatore. La traiettoria storica dell'opera, dalla sua rimozione come superata alla fine del XVI secolo alla sua riscoperta e al successivo restauro nei secoli XIX e XX, rispecchia i più ampi cambiamenti nel gusto storico dell'arte dal classicismo rinascimentale fino a un apprezzamento del Gotico Internazionale. Il restauro del 1990, in particolare, ha recuperato i colori luminosi che erano andati perduti, permettendo agli spettatori moderni di apprezzare gli intervalli lineari sofisticati e il cromatismo brillante che originariamente definivano la visione trascendentale di Lorenzo Monaco.