Artwork

The Holy Family with the Mayfly

The Holy Family with the Mayfly is an ink print by the Northern Renaissance artist Albrecht Dürer. It dates from 1496 and is held in the collection of the National Gallery of Art.

Inscription: Inscribed:in plate, bottom center: Ad [artist's monogram]; verso, lower center, in graphite by a later hand: B 44

About this work

Sujet et signification

La gravure représente la Sainte Famille aux côtés de la Sainte Trinité, la Vierge Marie assise sur un banc de gazon tenant l'enfant Jésus, Joseph endormi sur le sol à leurs côtés, et Dieu le Père ainsi que le Saint-Esprit sous la forme d'une colombe apparaissant dans les nuages au-dessus d'eux. Un petit insecte dans le coin inférieur droit est diversement identifié comme une éphémère, une libellule, une sauterelle ou un papillon, les spécialistes suggérant qu'il symbolise la résurrection et la rédemption en raison de son cycle de vie transformateur, en particulier en lien avec le Christ enfant. L'œuvre combine des iconographies établies du repos pendant la Fuite en Égypte et de la Vierge au jardin clos (hortus conclusus), reflétant la synthèse opérée par Dürer entre influences septentrionales et italiennes. Ses détails complexes, particulièrement dans les drapés et le paysage, témoignent de sa maîtrise de la gravure, tandis que la résonance symbolique de l'insecte fait le pont entre les sphères célestes et terrestres, soulignant les thèmes de la connexion divine et de la transformation spirituelle.

Technique et style

L'œuvre est une gravure imprimée sur papier vergé, mesurant 23,7 cm sur 18,5 cm et créée à Nuremberg vers 1495.

L'œuvre est une gravure imprimée sur papier vergé, mesurant 23,7 cm sur 18,5 cm et créée à Nuremberg vers 1495. Dürer employa de fines lignes de burin pour rendre des textures complexes dans le paysage et un traitement délicat des étoffes, démontrant sa maîtrise précoce du médium. La composition associe la Sainte Famille à la Sainte Trinité dans un espace délimité par un mur qui sert de symbole marial de l'hortus conclusus, la Vierge étant assise sur un banc de gazon tenant l'enfant Jésus tandis que Joseph dort en contrebas; Dieu le Père et le Saint-Esprit apparaissent sous la forme d'une colombe dans les nuages. Un insecte dans le coin inférieur droit est diversement interprété comme une libellule, une éphémère, une sauterelle ou un papillon, les spécialistes soulignant sa résonance symbolique comme motif de résurrection et de rédemption lié à l'enfant Christ. Le tirage est remarquable pour ses textures richement détaillées et l'intégration profonde des figures avec un paysage lointain, reliant les sphères célestes et terrestres.

Histoire et provenance

L'œuvre intitulée The Holy Family with the Mayfly fut créée par Albrecht Dürer vers 1495 à Nuremberg. C'est une gravure sur papier vergé mesurant 23,7 cm sur 18,5 cm, représentant la Sainte Famille aux côtés d'éléments symboliques incluant la Sainte Trinité et un insecte. Dürer plaça son monogramme sur ce tirage, marquant la première fois qu'il signa une œuvre de cette manière et affirmant sa paternité, une pratique qui n'empêcha pas la copie généralisée de l'image en Italie et en Allemagne dès 1500. La pièce fut probablement produite peu après le voyage de Dürer à Venise en 1494 et reflète les influences de Martin Schongauer et du « Maître du Cabinet d'Amsterdam ». Elle fut mise à disposition du public par la vente commerciale, acquise par des collectionneurs et reproduite par des marchands ambulants pour usage dévotionnel. L'œuvre entra dans la collection de Richard H. Zinser à Forest Hills, NY, fut acquise par Lessing J. Rosenwald, et fut donnée à la National Gallery of Art de Washington, D.C., en 1941.

La National Gallery of Art de Washington, D.C. conserve un tirage de la gravure provenant de la Rosenwald Collection. Selon le registre de provenance, il fut acheté par Lessing J. Rosenwald en 1940 auprès de Richard H. Zinser de Forest Hills, New York, et donné à la NGA en 1941. L'œuvre fut identifiée sous le titre « The Holy Family with the Mayfly » à la NGA, où l'insecte est lu comme une éphémère (Ephemeroptera) signifiant la nature éphémère de la vie humaine.

Des épreuves de la gravure sont largement distribuées dans les grandes collections de gravures. Wikidata répertorie des fonds à la Chester Beatty Library, au Cleveland Museum of Art, au Städel Museum, au Metropolitan Museum of Art et aux Staatliche Museen zu Berlin, entre autres. L'Indianapolis Museum of Art, le Rijksmuseum d'Amsterdam (numéro d'inventaire RP-P-OB-1204) et la Royal Collection britannique conservent également des épreuves, et la popularité du tirage entraîna des copies par d'autres graveurs dans les cinq ans suivant sa création, circulant en Italie et en Allemagne dès 1500.

Contexte

Les spécialistes débattent depuis longtemps de l'identité et du sens symbolique de l'insecte dans le coin inférieur droit, qui a généré les multiples titres de l'œuvre. Alors qu'elle est traditionnellement appelée libellule (Odonata), Kate Heard et Lucy Whitaker ont suggéré que Dürer avait peut-être voulu représenter un papillon (Lepidoptera), dont la métamorphose symbolisait la résurrection et la rédemption en lien avec l'Enfant Jésus. L'insecte a également été interprété comme une sauterelle, une mante religieuse ou une éphémère, cette dernière lecture, adoptée par la National Gallery of Art, évoquant l'éphémérité de la vie humaine. La gravure occupe une position pivot dans le développement précoce de Dürer. Datée d'environ 1495 suite à son premier voyage en Italie, elle représente sa première utilisation de son monogramme, marquant une assertion significative de la paternité artistique dans une ère d'anonymat, et son premier traitement gravé de la Vierge et l'Enfant dans un paysage, thème qu'il revisitera à maintes reprises. Erwin Panofsky caractérisa l'œuvre comme une synthèse entre le Maître du Cabinet d'Amsterdam et Martin Schongauer, reflétant les influences septentrionales sur le jeune artiste. Sa popularité fut immédiate: des copies circulèrent en Italie et en Allemagne dès 1500, et l'image fut largement diffusée comme objet dévotionnel. Les critiques Larry Silver et Pamela H. Smith ont souligné sa résonance cosmique, notant comment la composition crée un lien explicite entre le ciel et la terre, le sacré et le profane.

Postérité

Créée vers 1495, cette gravure connut une popularité immédiate et généralisée, inspirant des copies non autorisées par d'autres graveurs dans les cinq ans suivant sa publication. Dès 1500, des versions piratées circulèrent extensivement en Italie et en Allemagne, témoignant de la renommée internationale naissante de Dürer comme génie artistique. L'œuvre établit un précédent significatif dans la carrière de Dürer comme premier tirage à porter son monogramme, marquant un changement pivot vers la revendication de la paternité dans une ère de production anonyme. Sa composition devint un leitmotiv pour l'artiste, qui produisit par la suite au moins onze gravures supplémentaires sur le thème de la Vierge et l'Enfant dans un paysage. Le détail complexe de l'image et sa représentation humanisée de la Sainte Famille en firent un objet dévotionnel prisé, largement vendu par des colporteurs et collectionné pour être inséré dans des livres ou exposé sur les murs.