Artwork

The Swing

The Swing is an oil painting by the Rococo painting artist Francisco de Goya. It dates from 1790 and is held in the collection of the Museo del Prado.

About this work

Cette peinture fut d'abord conçue comme modèle pour une tapisserie destinée à une chambre royale.

Cette peinture fut d'abord conçue comme modèle pour une tapisserie destinée à une chambre royale. Francisco Goya la peignit à l'huile sur toile vers 1779. Elle devait être suspendue au palais du Pardo.

Goya élabora d'abord la scène, puis la peignit en grand format. L'œuvre était une décoration, non une œuvre d'art autonome. Elle montre un moment de jeu de lumière et de mouvement.
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Sujet et signification

La Balançoire représente des enfants aristocratiques dans un cadre champêtre idyllique, leurs somptueux habits les désignant comme membres de l'élite. Trois servantes les entourent, l'une balançant un enfant tandis qu'une autre tient le plus jeune, tandis qu'une calèche apparaît sous forme de formes floues en arrière-plan et que trois bergers avec leurs troupeaux complètent le paysage. La scène est illuminée par le crépuscule, mettant en valeur les enfants et leurs vêtements, et Goya utilise des coups de pinceau rapides qui inspireront plus tard ses Peintures noires. Des influences de Rembrandt et Velázquez sont notées, et la femme retenant la petite fille n'est pas représentée comme une servante mais comme une courtisane, peut-être une riche aristocrate vêtue à la mode de la maja. Les descriptions contemporaines présentent l'œuvre comme une sortie familiale à la campagne, et certains chercheurs l'interprètent comme une allégorie des trois âges de la vie, l'enfance, la jeunesse et la vieillesse, tandis que d'autres y voient un rendez-vous ambigu entre nourrices et bergers reflété dans les regards des figures.

Technique et style

La Balançoire est une peinture à l'huile sur toile, classée comme scène de genre et fonctionnant comme carton de tapisserie. Elle mesure 260 cm de hauteur sur 165 cm de largeur. Goya a appliqué une facture rapide et tache-like, l'illumination crépusculaire se concentrant sur les habits des enfants pour accentuer l'effet de tache, un traitement qui préfigure ses Peintures noires ultérieures. La calèche en arrière-plan est rendue par des touches floues et peu définies, tandis que l'atmosphère générale reste calme et sereine. Sur le plan stylistique, l'œuvre s'inscrit dans la tradition rococo de Boucher et Fragonard, dont le motif de la balançoire portait généralement des connotations érotiques, mais Goya élimina ces connotations au profit d'une scène paisible et domestique. Ses maîtres reconnus, Rembrandt et Velázquez, exercèrent la plus forte influence stylistique sur la composition.

Histoire et provenance

Francisco de Goya peignit La Balançoire en 1779 dans le cadre de sa troisième série de cartons de tapisserie, commandée pour la chambre des Princes des Asturies, futurs Charles IV et Marie Louise de Parme, au palais du Pardo. L'œuvre fut livrée à la Manufacture royale de tapisseries le 21 juillet 1779, où elle servit de modèle pour une tapisserie destinée à décorer l'antichambre de la résidence royale. La peinture fut considérée comme perdue jusqu'en 1869, date à laquelle elle fut redécouverte dans les sous-sols du palais royal de Madrid par Gregorio Cruzada Villaamil. Elle entra au Museo del Prado en 1870 par décrets royaux datés du 19 janvier et du 9 février de cette même année, où elle est restée dans les collections depuis sa première apparition dans le catalogue du musée en 1876. La Balançoire (El columpio) est conservée au Museo del Prado, Madrid, sous le numéro d'inventaire P00749. Elle entra au musée en 1870 suite à sa redécouverte dans les sous-sols du palais royal de Madrid par Gregorio Cruzada Villaamil et son transfert par décret royal les 19 janvier et 9 février 1870. L'œuvre fut pour la première fois répertoriée dans le catalogue du Prado en 1876 et est actuellement exposée dans la galerie 91.

Contexte

La Balançoire est reconnue comme une œuvre charnière dans la série de cartons de tapisserie de Goya, conçue pour la chambre des Princes des Asturies au palais du Pardo et peinte en 1779 (SOURCE 1, SOURCE 2, SOURCE 3, SOURCE 4, SOURCE 5). La critique souligne son rôle comme premier de treize cartons commandés pour la production de tapisseries, reflétant l'engagement de Goya avec les traditions rococo tout en subvertissant leurs conventions érotiques; la peinture transforme un sujet potentiellement suggestif en une scène domestique sereine et aristocratique, l'illumination se concentrant sur les somptueux habits des enfants comme marqueurs de statut social (SOURCE 3, SOURCE 4, SOURCE 5). Ses innovations stylistiques, telles que la facture rapide créant un effet de tache qui préfigurait les Peintures noires, et ses influences évidentes de Rembrandt et Velázquez, ses maîtres, soulignent son importance dans la transition vers l'art moderne (SOURCE 3). L'analyse historique de l'art la situe dans le contexte plus large du mécénat courtisan et de la conception de tapisseries de Goya, mettant en lumière son symbolisme ambigu, incluant des interprétations allégoriques possibles des trois âges de la vie ou d'un rendez-vous entre nourrices et bergers, ainsi que son reflet de la mode aristocratique espagnole contemporaine comme la maja (SOURCE 3, SOURCE 4, SOURCE 5).

Postérité

Le coup de pinceau rapide et l'effet tache-like que Goya employa dans la peinture servit plus tard de genèse pour ses Peintures noires. D'abord considérée comme perdue, la toile fut redécouverte dans les sous-sols du palais royal de Madrid en 1869 par Gregorio Cruzada Villaamil. Suite à sa redécouverte, elle fut transférée au Museo del Prado en 1870, où elle fut officiellement cataloguée à partir de 1876 et où elle demeure exposée aujourd'hui.