Madonna and Child

Lorenzo di Credi a employé la peinture à l'huile sur panneau de peuplier, utilisant un médium permettant un travail de pinceau lisse et fondu ainsi qu'un rendu fin des détails dans les cheveux et les plis des draperies. La palette présente des rouges profonds, des bleus sombres, des tons de chair chauds, et des verts et bruns atténues dans le fond. La lumière tombe uniformément depuis la gauche, modelant les formes arrondies des figures. La Vierge porte une robe bleu foncé par-dessus une robe rouge, complétée par un voile translucide couvrant ses cheveux. Certaines versions de l'atelier adoptent la première palette de couleurs de Leonardo da Vinci, avec des tons de bleu clair délicat, de rouge et de violet pâle pour les vêtements. Le fond intègre deux traditions paysagères distinctes : un côté présente un paysage dérivé des œuvres de Credi lui-même, tandis que l'autre copie un paysage avec un moulin à eau provenant d'un tableau de Hans Memling, reflétant les peintures de paysage d'Europe du Nord importées à Florence à cette époque. La surface peinte de la version de Berlin présente de nombreuses fissures verticales et quelques pertes, en particulier sur le visage et l'auréole de la Vierge.

L'histoire des compositions de Lorenzo di Credi intitulées La Vierge à l'Enfant implique plusieurs versions aux provenances complexes. Une version notable mesurant 16.5 par 13.4 cm a été achetée en Angleterre par Gustave Dreyfus à Paris vers 1908, contredisant des affirmations antérieures d'une vente en 1872. Les héritiers Dreyfus ont vendu l'ensemble de la collection à Duveen Brothers en 1930, qui l'ont ensuite revendue à la Samuel H. Kress Foundation en 1951, laquelle l'a offerte à la National Gallery of Art en 1952. Une autre version, La Vierge à l'Enfant avec le jeune saint Jean-Baptiste, a passé par les collections du comte de Dudley et d'Edward Steinkopff à Londres avant d'être acquise par le Nelson-Atkins Museum of Art en 1939. Une troisième version, actuellement à la Galleria Borghese, provient de la collection Salviati à Florence vers 1612 à 1613 et est entrée dans la collection Borghese d'ici 1859, avant d'être finalement achetée par l'État italien en 1902.

Lorenzo di Credi a développé ses compositions de La Vierge à l'Enfant au sein du milieu artistique de l'atelier d'Andrea del Verrocchio, où il a reçu sa formation aux côtés de Leonardo da Vinci. Dans le cadre de leur apprentissage, les jeunes artistes copiaient et imitaient les modèles de leur maître. La peinture originale ou le carton de Credi était étroitement lié à sa Vierge à l'Enfant de Strasbourg datant d'environ 1490. Des chercheurs, dont Bernard Berenson et Gigetta Dalli Regoli, ont noté l'influence profonde de Leonardo sur l'œuvre de Credi, en particulier dans les schémas de couleurs léonardesques et les paysages atmosphériques comportant des ruisseaux sinueux et des rochers acérés. Berenson a daté la version Borghese d'après 1490, notant un changement dans l'art florentin où les artistes ont commencé à représenter l'enfant Jésus bénissant Jean-Baptiste, une théorie soutenue par Dalli Regoli et partiellement acceptée par Raimond van Marle, qui a restreint la date de création à environ 1493. Les répliques de l'atelier, comme celle de l'Accademia Carrara, et les adaptations par des apprentis tels qu'Antonio Sogliani, démontrent le caractère collaboratif du grand atelier de Credi.

Les compositions de La Vierge à l'Enfant de Lorenzo di Credi ont généré un héritage substantiel grâce à de nombreuses répliques et dérivations. La popularité de sa représentation florentine s'est largement répandue, devenant une image standard utilisée par les institutions religieuses. Les modèles originaux du maître ont été adaptés par des apprentis et des compagnons de l'atelier, conduisant à des versions documentées dans des collections telles que la Gemäldegalerie Alte Meister à Dresde, le Wallraf-Richartz Museum à Cologne, le Rijksmuseum à Amsterdam, la National Gallery of Scotland à Édimbourg, et le Museo Civico Ala Ponzone à Crémone. La composition a également été adaptée par des disciples identifiés de manière provisoire comme Antonio Sogliani pour un tondo au Capitole à Rome. La reproduction durable des modèles de Credi souligne le rôle significatif que son atelier a joué dans la standardisation et la diffusion de l'iconographie dévotionnelle florentine durant la Renaissance.