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Notre-Dame avec l'Enfant Jésus chevauchant un Agneau

Notre-Dame avec l'Enfant Jésus chevauchant un Agneau is an ink painting by the British Romanticist artist William Blake. It dates from 1800 and is held in the collection of the Victoria and Albert Museum.

About this work

Aperçu

La peinture est conservée au Victoria and Albert Museum, à Londres, sous le numéro d'inventaire P.

Notre-Dame avec l'Enfant Jésus chevauchant un Agneau avec saint Jean est une peinture à la détrempe et à la plume sur toile réalisée par l'artiste et poète anglais William Blake, datée de 1800. Mesurant 27,3 sur 38,7 cm, l'œuvre représente la Vierge Marie soutenant l'Enfant Jésus alors qu'il est assis sur un agneau, tandis que le jeune saint Jean-Baptiste se tient à proximité, tenant des branches feuillues. La peinture est conservée au Victoria and Albert Museum, à Londres, sous le numéro d'inventaire P.26-1953, ayant été acquise par le musée en 1953. Elle fait partie des nombreuses œuvres que Blake a produites pour son principal mécène, le clerc Thomas Butts, et illustre la fusion distinctive de Blake entre dévotion religieuse et symbolisme pastoral durant une période charnière de sa carrière.

Sujet et signification

Le sujet s'inscrit dans la tradition de la Vierge à l'Enfant avec le jeune saint Jean-Baptiste, un thème qui a émergé pour la première fois dans les années 1470. La composition de Blake présente une femme de grande taille vêtue d'une longue robe pâle, debout à côté d'un agneau, soutenant un enfant nu assis sur le dos de l'animal. À gauche, un petit enfant nu, identifié comme saint Jean, tient des branches feuillues vers l'agneau. La scène se déroule dans un paysage encadré par deux arbres élancés aux branches retombantes, avec une rivière serpentant à travers une terre verte plate vers des collines lointaines. L'agneau porte une signification à plusieurs niveaux : il évoque l'agneau pascal d'Israël sacrifié pour la libération d'Israël, et plus centralement, le Christ en tant qu'Agneau de Dieu qui enlève les péchés du monde. En plaçant l'Enfant Jésus sur l'agneau, Blake investit la scène pastorale d'une signification préfigurative, symbolisant le sacrifice ultérieur de Jésus. La présence du jeune saint Jean renforce le thème de l'innocence enfantine que Blake associait constamment aux états spirituels authentiques.

Technique et style

Le support est la détrempe et la plume sur toile, une combinaison qui permet à la fois une précision linéaire et des couleurs mates et lumineuses. La palette est atténuée, composée de verts doux, de jaunes et de tons pâles, avec des troncs d'arbres plus sombres se détachant sur un ciel jaune-gris. La surface révèle un travail de pinceau linéaire fin et une finition sèche et délicate avec une texture visible partout. La lumière semble diffuse, avec des ombres douces sous les figures. De petites plantes et des herbes remplissent le premier plan, contribuant à l'échelle intime et à l'atmosphère pastorale. Le traitement démontre la clarté linéaire caractéristique de Blake et une composition aplatie, avec des contours audacieux créant une qualité visionnaire qui transcende l'illustration religieuse conventionnelle. L'effet global est une luminosité paisible, le medium de la détrempe permettant une surface mate, presque semblable à une fresque, qui renforce la qualité éthérée de la scène.

Histoire et provenance

La peinture a été créée en 1800 comme l'une des nombreuses œuvres que Blake a produites pour Thomas Butts, son principal mécène. La provenance remonte de Thomas Butts à son fils Thomas Butts junior, puis à Sir William Stirling Maxwell, suivi du général Archibald Stirling. Elle a ensuite été vendue au Victoria and Albert Museum par le lieutenant-colonel William Stirling de Kier. Le musée a acquis la peinture par achat en 1953, lui attribuant le numéro d'inventaire P.26-1953. Aucune histoire d'exposition n'est enregistrée dans les sources disponibles.

Contexte

Le symbolisme religieux personnel de Blake trouvait constamment dans l'innocence enfantine et la simplicité naturelle l'état spirituel authentique dont l'expérience adulte du monde constituait une chute. Cette peinture émerge de ce cadre philosophique, combinant la tradition de la Sainte Famille avec le symbolisme pastoral d'une manière caractéristique de l'approche visionnaire de Blake. L'œuvre appartient à une période où Blake produisait de nombreuses peintures pour Thomas Butts, créant un corpus substantiel d'imagerie religieuse qui le soutenait financièrement tout en lui permettant d'explorer ses idées théologiques idiosyncrasiques. Les racines du sujet dans l'art italien du XVe siècle démontrent l'engagement de Blake avec les traditions de la Renaissance, même si son traitement les transforme à travers son esthétique distinctive.

Héritage

La peinture reste dans la collection du Victoria and Albert Museum, accessible aux chercheurs et au public comme exemple représentatif des petites détrempe religieuses de Blake. Son acquisition par un grand musée national en 1953 a assuré sa place au sein du cadre institutionnel de l'histoire de l'art britannique. L'œuvre continue d'être reproduite et étudiée dans le cadre de l'exploration plus large de Blake de l'iconographie chrétienne à travers le prisme de sa mythologie personnelle.