Santa Caterina

L'opera è eseguita a olio su tela con la pennellata sciolta e visibile caratteristica della tarda maniera di El Greco. La superficie pittorica varia tra passaggi più sottili e aree più densamente lavorate, con riflessi luminosi sulla corona e sul ramo di palma. La luce proviene dall'alto a sinistra, illuminando il volto, le mani e le pieghe delle vesti, mentre profonde ombre si accumulano nel tessuto e nello sfondo. La tavolozza è dominata da blu e grigi freddi contrastati da rosa, rossi e oro caldi. La santa indossa un mantello azzurro pallido sopra un abito color rosa con ombre rosso scuro; la tunica rosa è resa con brillanti riflessi bianchi e il blu pallido del mantello richiama la raffinatezza cromatica degli ultimi Apostolados di El Greco. Nell'angolo in basso a sinistra, l'artista ha lasciato visibile un fondo rossastro tipico del suo periodo finale. La pennellata è composta da tratti allungati e fluidi che distorcono le proporzioni naturali e creano un senso di movimento irrequieto, con forme definite attraverso il colore e il tono piuttosto che attraverso un contorno preciso. Una firma illeggibile e frammentaria in grandi lettere greche corsive appare sulla ruota.

La proprietà documentata del dipinto inizia con il Marchese de Alós al Castillo de Balsareny, dove rimase fino al 1936. Passò quindi attraverso il mercante londinese Thomas Harris, poi a Pinakos & Knoedler a New York e successivamente alla signora Charles S. Payson di Manhasset. Dopo essere stato restituito a Pinakos & Knoedler, fu acquisito da William A. Coolidge, la cui donazione lo portò al Museum of Fine Arts di Boston, dove è ora conservato presso la Coolidge Estate. L'opera è catalogata da Harold Wethey con il numero 201 e da Tiziana Frati con il numero 165. Negli inventari postumi compilati dal figlio di El Greco, Jorge Manuel Theotocópuli, è menzionato un dipinto di questo soggetto, che potrebbe corrispondere all'opera attuale; è inoltre registrata una Santa Caterina da Siena, ma è andata perduta.

Il soggetto di Santa Caterina è insolito all'interno dell'opera pittorica di El Greco. Sebbene l'artista producesse abitualmente più versioni delle sue composizioni, è nota la sopravvivenza di questa singola opera autografa di Caterina d'Alessandria. La catalogazione accademica riflette alcune incertezze sulla datazione precisa: la Wikipedia francese suggerisce un ampio intervallo intorno al 1600-1614, mentre la Wikipedia spagnola e Wethey favoriscono una data intorno al 1610-1614, con il corpus Wikidata che specifica il 1610. L'opera appartiene al periodo finale di El Greco, quando il suo stile era diventato sempre più manierato, con proporzioni allungate e una pennellata espressiva, quasi astratta, che privilegiava l'intensità spirituale rispetto alla descrizione naturalistica. Lo sguardo diretto verso l'esterno della versione di Boston la distingue da altre varianti note: una versione in una collezione privata di New York mostra la santa che volge lo sguardo a sinistra con un'espressione più calma e malinconica, mentre una versione precedente al Musée Cau Ferrat la raffigura in una modalità penitenziale affine a Maria Maddalena, con la mano premuta sul petto e uno sguardo supplichevole. Il Museo Nazionale Svedese conserva una copia di un seguace, datata da Wethey al 1625-1650, che egli ha collegato dal punto di vista compositivo al tipo di Maddalena penitente di El Greco.

Lo status singolare di questo dipinto, in quanto unica Santa Caterina autografa sopravvissuta di El Greco, lo ha reso un'opera chiave per comprendere sia la sua iconografia devozionale sia il suo sviluppo stilistico tardo. La sua provenienza attraverso importanti mercanti e collezionisti del ventesimo secolo, tra cui Knoedler e William A. Coolidge, testimonia il suo riconoscimento continuato come opera importante. L'esistenza di più versioni e copie, inclusa la copia di un seguace ora a Stoccolma e la variante in una collezione privata di New York, indica che la composizione aveva una certa diffusione, anche se il soggetto stesso non era uno di quelli che El Greco ripeteva con la stessa frequenza di altri nel suo repertorio. Il dipinto rimane presso il Museum of Fine Arts di Boston, come parte della donazione Coolidge, dove continua a essere studiato come esempio definitorio della tarda maniera religiosa dell'artista.