About this work

Übersicht

Mit einer Höhe von 116 cm und einer Breite von 159,6 cm stellt das Werk eine biblische Episode dar, die in eine weite, idealisierte Naturwelt eingebettet ist.

Landschaft mit der Rast auf der Flucht nach Ägypten (Mittag) ist ein Ölgemälde auf Leinwand des französischen Barockmalers Claude Lorrain, datiert auf 1661. Mit einer Höhe von 116 cm und einer Breite von 159,6 cm stellt das Werk eine biblische Episode dar, die in eine weite, idealisierte Naturwelt eingebettet ist. Es befindet sich derzeit im Staatlichen Eremitage-Museum in Sankt Petersburg, Russland, wo es unter der Inventarnummer 1235 geführt wird. Das Gemälde ist ein bedeutendes Beispiel für Claude's reife Phase und zeigt seine Fähigkeit, religiöse Erzählung mit der klassischen Landschaftstradition zu verbinden und eine Vision der Natur zu schaffen, die sowohl intellektuell als auch poetisch ist.

Thema und Bedeutung

Das Gemälde illustriert die Rast auf der Flucht nach Ägypten, eine Erzählung aus dem Matthäusevangelium (2:13-15). Nach der Geburt Jesu erschien ein Engel Joseph im Traum und warnte ihn, mit der Jungfrau Maria und dem Christkind nach Ägypten zu fliehen, um dem Massaker an den Unschuldigen durch König Herodes zu entgehen. Im Vordergrund rechts ruht die Heilige Familie auf einem grasbewachsenen Ufer, begleitet von einem Engel in weißen Gewändern, während ihr Esel in der Nähe zwischen Schafen und Ziegen weidet. Die Landschaft selbst trägt symbolische Bedeutung und spiegelt das Konzept der idealen Landschaft wider, in der Natur als Ausdruck einer idealen, perfekten Welt und der inneren Vision des Künstlers dient. Seit dem 18. Jahrhundert wurde das Gemälde zusammen mit drei weiteren Werken der Eremitage als Die Vier Tageszeiten gruppiert und repräsentiert den Mittag. Der Forscher Doretta Cecchi hat jedoch argumentiert, dass diese Gruppierung fehlerhaft sei, da die Gemälde tatsächlich zwei separate Paare von Pendantbildern darstellen, die Jahre auseinander entstanden sind und kein gemeinsames ikonografisches Programm verfolgen, und dass Claude keine Hinweise auf spezifische Tageszeiten hinterlassen habe.

Technik und Stil

In Öl auf Leinwand ausgeführt, weist das Gemälde eine glatte Oberfläche mit sorgfältigen Farbverläufen im Himmel und im Wasser auf, ergänzt durch detaillierte Darstellungen von Blättern und Gewändern. Die Komposition wird von der Landschaft dominiert, die fast die gesamte Leinwand einnimmt. Die Palette verwendet warme Goldtöne, gedämpfte Grüntöne und sanfte Blautöne, wobei das Licht von links einfällt, um das Laub zu beleuchten und sanfte Schatten zu werfen. Das Werk gehört zu Claude's reifer Phase. In den 1660er Jahren wandte er sich von der strengen klassischen Strenge ab und entwickelte einen persönlicheren und subjektiveren Ansatz, der ein Naturkonzept widerspiegelt, das einige Forscher als vorromantisch bezeichnen. Hoch aufragende Bäume rahmen die Szene ein, während die räumliche Tiefenwirkung sorgfältig durch aufeinanderfolgende Ebenen konstruiert wird, die die Figuren im Vordergrund mit einer fernen, bergigen Horizontlinie verbinden.

Geschichte und Provenienz

Das Gemälde wurde 1661 von Henri van Halmale, einem Bürger Antwerpens, in Auftrag gegeben. Claude signierte das Werk unter der Figur der Jungfrau als CLAVDIO. IVF. ROM[AE] 1661. Er verzeichnete die Komposition als Nummer 154 in seinem Liber Veritatis, dem Aufzeichnungsbuch, das er zur Verhinderung von Fälschungen führte. Neben der Zeichnung vermerkt eine Inschrift den Auftrag aus Antwerpen für Halmale, während eine zweite Inschrift eine kleinere Kopie dokumentiert, die 1675 für den apostolischen Beamten Francesco Canseri angefertigt wurde und heute verloren ist. Bis 1738 befand sich die originale Leinwand im Besitz von Landgraf Wilhelm VIII. von Hessen-Kassel. 1806 beschlagnahmte der französische General Joseph Lagrange das Gemälde und schenkte es Kaiserin Josephine. Es ging 1814 an Zar Alexander I. von Russland über, bevor es in das Eremitage-Museum gelangte. Drei vorbereitende Zeichnungen zur Komposition sind im Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, im British Museum in London und in der Albertina-Bibliothek in Wien erhalten. Eine 1812 von Ranucci angefertigte Kopie des Gemäldes wird im Regionalmuseum Mainz aufbewahrt.

Kontext

Claude Lorrain war ein in Italien tätiger französischer Maler, der zu einer führenden Figur der barocken Landschaftsmalerei wurde, insbesondere innerhalb des Stroms des französischen Klassizismus. Er entwickelte das Konzept der idealen Landschaft, basierte seine Kompositionen auf klassischen Bezügen und präsentierte eine elaboriertere und intellektuellere Vision der Natur. Dieser Ansatz machte die Landschaft zum Hauptthema und diente als Vehikel für die Weltanschauung und poetische Interpretation des Künstlers. Das Gemälde wurde als Pendant zu Landschaft mit Tobias und dem Engel konzipiert, datiert auf 1663 und ebenfalls in der Eremitage befindlich. In diesem Jahrzehnt entwickelte sich Claude's Stil hin zu einer subjektiveren und atmosphärischeren Darstellung der natürlichen Welt, eine Eigenschaft, die seine weiten, idealisierten Szenen bei wohlhabenden Sammlern in ganz Europa hoch begehrt machte, die sie als ruhige Rückzugsorte vom städtischen Leben betrachteten.

Nachwirkung

Claude's Ansatz zur idealen Landschaft, exemplarisch an diesem Werk, beeinflusste maßgeblich den Verlauf der europäischen Landschaftsmalerei. Indem er die religiöse Erzählung der Pracht und Atmosphäre der natürlichen Welt unterordnete, etablierte er ein Modell, in dem die Natur selbst zum primären Vehikel für poetischen und intellektuellen Ausdruck wurde. Seine sorgfältige Aufzeichnung der Komposition im Liber Veritatis, ergänzt durch das Überleben vorbereitender Zeichnungen, ermöglichte es Forschern, seinen kreativen Prozess nachzuvollziehen und sein Œuvre zu authentifizieren. Dies festigte seinen Ruf und sicherte die wissenschaftliche Unterscheidung seiner echten Werke von den zahlreichen Kopien und Fälschungen, die zu seinen Lebzeiten und danach im Umlauf waren.