The Assumption of the Virgin

Das Gemälde stellt die Himmelfahrt Mariä dar, ein Sujet, das auf apokryphen Schriften des 3. und 4. Jahrhunderts beruht und nicht auf dem Neuen Testament. Bis zum 12. Jahrhundert hatte es sich zu einem beliebten Thema in der westlichen christlichen Kunst entwickelt, das insbesondere vom Zisterzienserorden und von Bernhard von Clairvaux gefördert wurde. El Greco teilt die Komposition in zwei Zonen: Oben steigt die Jungfrau mit ausgebreiteten Armen empor, gestützt von einem Halbmond und umgeben von Engeln inmitten leuchtender Wolken; unten versammeln sich die Apostel um ihren leeren steinernen Sarkophag, ihre Körper in Gesten des Erstaunens und der Besorgnis verdreht. Der ernste Gesichtsausdruck der Jungfrau und ihre offenen Arme deuten ihre Rolle als Mit-Erlöserin der Menschheit an, während ihr schwebender Aufstieg die Reinheit symbolisiert. Zu den spezifischen Figuren gehören der heilige Jakobus der Ältere, der rechts kniet, der heilige Paulus mit erhobenem rechten Arm in dunkelgoldbraunen Gewändern, der heilige Petrus in Blaugrau und Gelb sowie der junge Evangelist Johannes links mit seiner charakteristischen Geste der offenen Hand zum Himmel, ein Motiv, das El Greco wiederholt verwenden sollte, um die göttliche Präsenz zu kennzeichnen. Die emotionale Bandbreite der Szene und das Fehlen direkter Interaktion zwischen den Aposteln, die stattdessen durch ästhetische statt menschliche Verbindungen verknüpft sind, spiegeln den einzigartigen Ansatz des Künstlers zur heiligen Erzählung wider.

Die Himmelfahrt Mariä ist in Öl auf Leinwand gemalt. Eine technische Untersuchung ergab, dass an jeder Seite Streifen von Leinwand mit einer Breite von etwa 15 Zentimetern hinzugefügt wurden. Die Komposition weist oben einen Rundbogen mit dunklen Spangen auf, und die Oberfläche zeigt eine polierte Finish-Oberfläche neben Bereichen dünner, skizzenhafter Anwendung. Die Palette wird von gesättigten Blautönen, Karmesinrot und goldenem Gelb vor hellgrauen Wolken dominiert, wobei die irdische Zone intensive Grüntöne aufweist und die himmlische Zone zartere Farben verwendet. El Grecos Pinselstrich ist locker und expressiv, mit sichtbaren energiegeladenen Strichen, verlängerten Proportionen und dramatischen Verkürzungen, die Bewegung und spirituelle Ekstase über naturalistische Details stellen. Die Technik und der großzügige Einsatz weißer Lichtakzente stammen von Tizian und der venezianischen Schule, während die aufgeregten Figuren und die komprimierte räumliche Tiefe manieristische Tendenzen zeigen. Gelehrte haben das Horror vacui in der Komposition bemerkt, mit maximalen Figuren und minimalem leerem Raum, sowie die Verwendung von lebenden Modellen sowohl für Engel als auch für Apostel, die mit einer reichen Vielfalt an Haltungen, Verkürzungen und Nuancen dargestellt sind. Die unteren Figuren sind größer als lebensgroß, was vielleicht den Wunsch nach typologischer Lebendigkeit statt natürlicher Skala widerspiegelt.

Das Gemälde wurde 1577 von Don Diego de Castilla für die Kirche des Klosters Santo Domingo el Antiguo in Toledo in Auftrag gegeben, wo es als zentrales Element des Hauptaltars diente. Es blieb über zwei Jahrhunderte lang in der Kirche, bis es um 1830 an den Infanten Don Sebastián Gabriel de Borbón y Braganza in Madrid verkauft und durch eine Kopie des neoklassizistischen Malers José Aparicio ersetzt wurde. 1835 beschlagnahmte die spanische Regierung das Werk und installierte es im Museo Nacional de Trinidad in Madrid, doch es wurde 1861 an Don Sebastián zurückgegeben. Nach seinem Tod im Jahr 1875 begannen seine Erben, die Sammlung zu zerstreuen; das Gemälde ging an seine Witwe, die Infantin María Cristina de Borbón, bis zu ihrem Tod im Jahr 1902. Von 1902 bis 1904 wurde es an das Museo del Prado ausgeliehen. 1904 überzeugte die amerikanische Malerin Mary Cassatt den Pariser Händler Paul Durand-Ruel, das Werk zu kaufen, finanziert von H. O. Havemeyer. Das Art Institute of Chicago erwarb es 1906. Das Gemälde wurde im September 1876 in den Salons des ehemaligen Asile de Pau ausgestellt; 1902 im Museo Nacional de Pintura y Escultura in Madrid; 1933 und 1934 im Art Institute of Chicago im Rahmen der Ausstellung A Century of Progress; 2019-2020 im Grand Palais in Paris im Rahmen der El-Greco-Ausstellung; und erneut 2020 im Art Institute im Rahmen der Ausstellung El Greco: Ambition and Defiance.

Die Himmelfahrt Mariä markiert El Grecos Ankunft in Toledo und den Beginn seiner 37-jährigen Karriere in Spanien. In diesem frühen Stadium war er noch tief von seiner italienischen Ausbildung, insbesondere unter Michelangelo, beeinflusst, und das Werk wurde als im Wesentlichen italienisch im Charakter beschrieben, mit naturalistischem Stil, monumentalen Figuren und einer Palette der römischen Schule. Die Komposition ähnelt am meisten Tizians Himmelfahrt in der Basilica dei Frari in Venedig, wobei sie die helikale Bewegung der Jungfrau und die bipartite Aufteilung zwischen himmlischem und irdischem Reich teilt. Gelehrte warnen jedoch davor, dass Tizians Werk eher als Vorläufer denn als direktes Modell fungiert, wobei die Beziehung hauptsächlich auf diesen strukturellen Elementen beschränkt ist. Das Gemälde war das erste von neun Aufträgen, die El Greco für Santo Domingo el Antiguo ausführte, und etablierte das Muster wichtiger Altaraufträge, die seine Karriere stützen sollten. Harold Wethey, der Spezialist für El Grecos Œuvre, katalogisierte es als Nummer 1 in seinem raisonné. Das Werk nimmt eine Schlüsselposition in der Kunstgeschichte ein als Brücke zwischen der italienischen Ausbildung des Künstlers und seiner einzigartigen spanischen Manier und zeigt, wie El Greco venezianische Farbe, Michelangelosche Monumentalität und seine eigene aufkommende spirituelle Intensität zu einer kohärenten und einflussreichen Bildsprache synthetisierte.

Die Himmelfahrt Mariä hat grundlegende Bedeutung für El Grecos Vermächtnis als das inaugurierte Werk seiner spanischen Periode und als Katalysator für seine dauerhafte Verbindung mit Toledo. Sein Erwerb durch das Art Institute of Chicago im Jahr 1906 stellt einen bedeutenden Moment in der internationalen Anerkennung der spanischen Malerei dar, ermöglicht durch das Zusammenkommen amerikanischer Sammlerambitionen, Händlerexpertise und Künstlerförderung durch Mary Cassatts Intervention. Die Präsenz des Gemäldes in Chicago hat es zu einem Eckpfeiler der Sammlung alter Meister des Museums und zu einem regelmäßigen Bestandteil großer Ausstellungen gemacht, einschließlich der Ausstellung El Greco: Ambition and Defiance im Jahr 2020. Innerhalb von El Grecos eigener Entwicklung etablierte das Werk kompositorische und ikonografische Lösungen, wie die Geste der offenen Hand des heiligen Johannes und die expressive Behandlung der Gesichter der Apostel, die der Künstler im Laufe seiner Karriere wieder aufgreifen und verfeinern sollte. Das Gemälde verkörpert auch die breitere kulturelle Funktion des Sujets der Himmelfahrt in der nachreformatorischen katholischen Kunst und dient als Bestätigung von Lehren, die vom Protestantismus abgelehnt wurden. Sein Überleben und seine Prominenz in einer amerikanischen Museumsammlung unterstreichen die globale Umverteilung des europäischen künstlerischen Erbes im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert.