The Assumption of the Virgin

Il dipinto raffigura l'Assunzione della Vergine Maria, un soggetto tratto dalla letteratura apocrifa dei secoli III e IV piuttosto che dal Nuovo Testamento. Entro il XII secolo era diventato un tema popolare nell'arte cristiana occidentale, promosso in particolare dall'Ordine cistercense e da San Bernardo di Chiaravalle. El Greco divide la composizione in due zone: nella parte superiore, la Vergine ascende con le braccia distese, sostenuta da una luna crescente e circondata da angeli tra nuvole luminose; nella parte inferiore, gli apostoli si radunano attorno al suo sarcofago di pietra vuoto, i loro corpi contorti in gesti di stupore e preoccupazione. L'espressione grave della Vergine e le braccia aperte indicano il suo ruolo di co-redentrice dell'umanità, mentre la sua levitazione verso l'alto simboleggia la purezza. Figure specifiche includono San Giacomo Maggiore inginocchiato a destra, San Paolo con il braccio destro alzato e vestito di toni dorato-bruni scuri, San Pietro in blu-grigio e giallo, e il giovane San Giovanni Evangelista a sinistra con il suo caratteristico gesto della mano aperta verso il cielo, un motivo che El Greco avrebbe ripreso per indicare la presenza divina. La gamma emotiva della scena e la mancanza di interazione diretta tra gli apostoli, collegati invece attraverso un legame estetico piuttosto che umano, riflettono l'approccio distintivo dell'artista alla narrazione sacra.

L'Assunzione della Vergine è dipinta a olio su tela; un'indagine tecnica ha rivelato che sono state aggiunte strisce di tela larghe circa 15 centimetri su ciascun lato. La composizione presenta un arco a tutto sesto nella parte superiore con pennacchi scuri, e la superficie mostra una finitura levigata accanto ad aree di applicazione sottile e schizzata. La tavolozza è dominata da blu saturi, cremisi e gialli dorati su nuvole grigio pallido, con la zona terrestre che presenta verdi intensi e la zona celeste che impiega colori più delicati. La pennellata di El Greco è libera ed espressiva, con tratti energetici visibili, proporzioni allungate e accorciamenti drammatici che enfatizzano il movimento e l'estasi spirituale piuttosto che i dettagli naturalistici. La tecnica e l'abbondante uso di luci bianche derivano da Tiziano e dalla scuola veneziana, mentre le figure agitate e la profondità spaziale compressa mostrano tendenze manieriste. Gli studiosi hanno notato l'horror vacui nella composizione, con il massimo numero di figure e il minimo spazio vuoto, e l'uso di modelli dal vivo sia per gli angeli che per gli apostoli, resi con una ricca varietà di atteggiamenti, accorciamenti e inflessioni. Le figure inferiori sono più grandi del vero, forse a riflettere un desiderio di vividezza tipologica piuttosto che di scala naturale.

Il dipinto fu commissionato nel 1577 da Don Diego de Castilla per la chiesa del convento di Santo Domingo el Antiguo a Toledo, dove servì come elemento centrale dell'altare maggiore. Rimase nella chiesa per oltre due secoli fino al 1830 circa, quando fu venduto all'Infante Don Sebastián Gabriel de Borbón y Braganza a Madrid e sostituito da una copia eseguita dal pittore neoclassico José Aparicio. Nel 1835 il governo spagnolo confiscò l'opera e la installò nel Museo Nacional de Trinidad a Madrid, ma fu restituita a Don Sebastián nel 1861. Dopo la sua morte nel 1875, gli eredi iniziarono a disperdere la collezione; il dipinto passò alla sua vedova, l'Infanta María Cristina de Borbón, fino alla sua morte nel 1902. Fu poi prestato al Museo del Prado dal 1902 al 1904. Nel 1904 la pittrice americana Mary Cassatt persuase il mercante parigino Paul Durand-Ruel ad acquistare l'opera, con il finanziamento di H. O. Havemeyer. L'Art Institute of Chicago lo acquisì nel 1906. Il dipinto è stato esposto ai Saloni del precedente Asile de Pau nel settembre 1876; al Museo Nacional de Pintura y Escultura di Madrid nel 1902; all'Art Institute of Chicago per la mostra A Century of Progress nel 1933 e nel 1934; al Grand Palais di Parigi per la mostra su Greco del 2019-2020; e nuovamente all'Art Institute per la mostra El Greco: Ambition and Defiance nel 2020.

L'Assunzione della Vergine segna l'arrivo di El Greco a Toledo e l'inizio della sua carriera di 37 anni in Spagna. In questa fase iniziale, rimase profondamente influenzato dalla sua formazione italiana, in particolare da Michelangelo, e l'opera è stata descritta come essenzialmente italiana nel carattere, con uno stile naturalistico, figure monumentali e una tavolozza della scuola romana. La composizione assomiglia più da vicino all'Assunzione di Tiziano nella Basilica dei Frari a Venezia, condividendo il movimento elicoidale della Vergine e la divisione bipartita tra regni celeste e terrestre. Tuttavia, gli studiosi avvertono che l'opera di Tiziano funge più da antecedente che da modello diretto, con la relazione limitata principalmente a questi elementi strutturali. Il dipinto fu la prima delle nove commissioni che El Greco eseguì per Santo Domingo el Antiguo, stabilendo il modello delle grandi commissioni per altari che avrebbero sostenuto la sua carriera. Harold Wethey, lo specialista dell'opera di El Greco, la catalogò come numero 1 nel suo catalogo ragionato. L'opera occupa una posizione cardine nella storia dell'arte come ponte tra la formazione italiana dell'artista e il suo distintivo stile spagnolo, dimostrando come El Greco abbia sintetizzato il colore veneziano, la monumentalità michelangiolesca e la propria crescente intensità spirituale in un linguaggio visivo coerente e influente.

L'Assunzione della Vergine riveste un'importanza fondamentale nell'eredità di El Greco come opera inaugurale del suo periodo spagnolo e catalizzatore della sua duratura associazione con Toledo. La sua acquisizione da parte dell'Art Institute of Chicago nel 1906 rappresenta un momento significativo nel riconoscimento internazionale della pittura spagnola, facilitato dalla convergenza dell'ambizione collezionistica americana, dell'expertise dei mercanti e della difesa dell'artista attraverso l'intervento di Mary Cassatt. La presenza del dipinto a Chicago lo ha reso una pietra angolare delle collezioni di maestri antichi del museo e una presenza regolare nelle principali mostre, inclusa quella del 2020 El Greco: Ambition and Defiance. Nell'ambito dello sviluppo personale di El Greco, l'opera stabilì soluzioni compositive e iconografiche, come il gesto della mano aperta di San Giovanni e il trattamento espressivo dei volti degli apostoli, che l'artista avrebbe rivisitato e raffinato lungo tutta la sua carriera. Il dipinto esemplifica anche la più ampia funzione culturale del soggetto dell'Assunzione nell'arte cattolica post-riformata, servendo come affermazione di posizioni dottrinali respinte dal protestantesimo. La sua sopravvivenza e prominente posizione in una collezione museale americana sottolineano la ridistribuzione globale del patrimonio artistico europeo tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.