The Assumption of the Virgin

La peinture représente l'Assomption de la Vierge Marie, un sujet tiré de la littérature apocryphe des IIIe et IVe siècles plutôt que du Nouveau Testament. Dès le XIIe siècle, ce thème était devenu populaire dans l'art chrétien occidental, notamment promu par l'ordre cistercien et saint Bernard de Clairvaux. El Greco divise la composition en deux zones : en haut, la Vierge s'élève, les bras écartés, soutenue par un croissant de lune et entourée d'anges au milieu de nuages lumineux ; en bas, les apôtres se rassemblent autour de son sarcophage en pierre vide, leurs corps tordus dans des gestes d'émerveillement et d'inquiétude. L'expression grave de la Vierge et ses bras ouverts indiquent son rôle de corédemptrice de l'humanité, tandis que sa flottaison vers le haut symbolise la pureté. Parmi les figures spécifiques figurent saint Jacques le Majeur agenouillé à droite, saint Paul avec le bras droit levé, vêtu de robes brun doré foncé, saint Pierre en bleu-gris et jaune, et le jeune saint Jean l'Évangéliste à gauche, avec son geste caractéristique de la main ouverte vers le ciel, un motif qu'El Greco réutiliserait pour signifier la présence divine. La gamme émotionnelle de la scène et le manque d'interaction directe entre les apôtres, liés plutôt par une connexion esthétique que humaine, reflètent l'approche distinctive de l'artiste dans la narration sacrée.

L'Assomption de la Vierge est peinte à l'huile sur toile, une investigation technique révélant que des bandes de toile d'environ 15 centimètres de large ont été ajoutées de chaque côté. La composition présente une arche arrondie en haut avec des écoinçons sombres, et la surface affiche une finition polie ainsi que des zones d'application fine et esquissée. La palette est dominée par des bleus saturés, des cramoisis et des jaunes dorés sur fond de nuages gris pâle, la zone terrestre affichant des verts intenses tandis que la zone céleste emploie des couleurs plus délicates. Le trait d'El Greco est lâche et expressif, avec des coups de pinceau énergiques visibles, des proportions allongées et des raccourcis dramatiques qui mettent l'accent sur le mouvement et l'extase spirituelle plutôt que sur le détail naturaliste. La technique et l'usage généreux de rehauts blancs dérivent de Titien et de l'école vénitienne, tandis que les figures agitées et la profondeur spatiale comprimée révèlent des tendances maniéristes. Les spécialistes ont noté l'horror vacui dans la composition, avec un maximum de figures et un espace vide minimal, ainsi que l'utilisation de modèles vivants pour les anges et les apôtres, rendus avec une riche variété d'attitudes, de raccourcis et d'inflexions. Les figures inférieures sont plus grandes que nature, reflétant peut-être un désir de vivacité typologique plutôt que d'échelle naturelle.

La peinture fut commandée en 1577 par Don Diego de Castilla pour l'église du couvent de Santo Domingo el Antiguo à Tolède, où elle servit d'élément central du retable principal. Elle resta dans l'église pendant plus de deux siècles jusqu'en 1830 environ, date à laquelle elle fut vendue à l'infant Don Sebastián Gabriel de Borbón y Braganza à Madrid et remplacée par une copie exécutée par le peintre néoclassique José Aparicio. En 1835, le gouvernement espagnol confisqua l'œuvre et l'installa au Museo Nacional de Trinidad à Madrid, mais elle fut rendue à Don Sebastián en 1861. Après sa mort en 1875, ses héritiers commencèrent à disperser la collection ; la peinture passa à sa veuve, l'infante María Cristina de Borbón, jusqu'à sa mort en 1902. Elle fut ensuite prêtée au Museo del Prado de 1902 à 1904. En 1904, la peintre américaine Mary Cassatt persuada le marchand parisien Paul Durand-Ruel d'acheter l'œuvre, avec le financement de H. O. Havemeyer. L'Art Institute of Chicago l'acquît en 1906. La peinture a été exposée aux Salons de l'ancien Asile de Pau en septembre 1876 ; au Museo Nacional de Pintura y Escultura à Madrid en 1902 ; à l'Art Institute of Chicago pour le Century of Progress en 1933 et 1934 ; au Grand Palais à Paris pour l'exposition Greco de 2019-2020 ; et à nouveau à l'Art Institute pour l'exposition El Greco: Ambition and Defiance en 2020.

L'Assomption de la Vierge marque l'arrivée d'El Greco à Tolède et le début de sa carrière de 37 ans en Espagne. À ce stade précoce, il resta profondément influencé par sa formation italienne, notamment sous Michel-Ange, et l'œuvre a été décrite comme essentiellement italienne dans son caractère, avec un style naturaliste, des figures monumentales et une palette de l'école romaine. La composition ressemble le plus à l'Assomption de Titien dans la basilique dei Frari à Venise, partageant son mouvement hélicoïdal de la Vierge et la division bipartite entre les royaumes céleste et terrestre. Cependant, les spécialistes mettent en garde contre le fait que l'œuvre de Titien fonctionne davantage comme un antécédent que comme un modèle direct, la relation se limitant principalement à ces éléments structurels. La peinture fut la première des neuf commandes qu'El Greco exécuta pour Santo Domingo el Antiguo, établissant le modèle des grandes commandes de retables qui soutiendraient sa carrière. Harold Wethey, spécialiste de l'œuvre d'El Greco, l'a cataloguée sous le numéro 1 dans son catalogue raisonné. L'œuvre occupe une position pivot dans l'histoire de l'art en tant que pont entre la formation italienne de l'artiste et sa manière espagnole distinctive, démontrant comment El Greco synthétisa la couleur vénitienne, la monumentalité michelangelesque et son propre intensité spirituelle émergente en un langage visuel cohérent et influent.

L'Assomption de la Vierge revêt une importance fondamentale dans l'héritage d'El Greco en tant qu'œuvre inaugurale de sa période espagnole et catalyseur de son association durable avec Tolède. Son acquisition par l'Art Institute of Chicago en 1906 représente un moment significatif dans la reconnaissance internationale de la peinture espagnole, facilitée par la convergence de l'ambition de collection des Américains, de l'expertise des marchands et du plaidoyer artistique grâce à l'intervention de Mary Cassatt. La présence de la peinture à Chicago en a fait une pierre angulaire des collections de maîtres anciens du musée et un élément régulier des grandes expositions, notamment l'exposition El Greco: Ambition and Defiance de 2020. Dans le développement propre d'El Greco, l'œuvre établit des solutions compositionnelles et iconographiques, telles que le geste de la main ouverte de saint Jean et le traitement expressif des visages des apôtres, que l'artiste revisiterait et affinerait tout au long de sa carrière. La peinture illustre également la fonction culturelle plus large du sujet de l'Assomption dans l'art catholique post-réforme, servant d'affirmation des positions doctrinales rejetées par le protestantisme. Sa survie et sa prééminence dans une collection muséale américaine soulignent la redistribution mondiale du patrimoine artistique européen à la fin du XIXe et au début du XXe siècle.