Selbstbildnis

Rembrandt setzte eine ausgefeilte Maltechnik ein, um das gealterte Gesicht zu modellieren, wobei er mehr Farbe in die Gesichtszüge investierte als überall sonst auf der Leinwand. Er verwendete Lichtakzente, die wie Farbtupfer auf der Nasenspitze sitzen, und trug dicke, fast gehauene Farbstriche um die Augen auf, um Schatten und die Vertiefungen in seiner Wange zu erzeugen, was wunderbar Texturen und die Weichheit des Fleisches suggeriert. Die Pinselstriche im Gesicht sind glatt und verblendet, mit subtiler Formmodellierung, während der Hintergrund weitgehend undefiniert und atmosphärisch bleibt. Die gesamte Farbpalette wird von tiefen Brauntönen und Schwarztönen dominiert, ergänzt durch warme, gedämpfte Fleischfarben. Die Leinwandoberfläche zeigt ein umfangreiches Rissmuster (Craquelé) über das gesamte Bild.

Gemalt im Jahr 1660, gelangte das Kunstwerk schließlich in die Sammlung von George Brudenell, dem 4. Earl of Cardigan und späteren Duke of Montagu, in London, wobei feste Belege für sein Eigentum auf eine Mezzotinto von 1767 nach dem Gemälde zurückgehen. Es ging durch die Dukes of Buccleuch und Queensberry über, bis der 7. Duke es 1928 an P. & D. Colnaghi & Co. und M. Knoedler & Co. verkaufte, die im gemeinsamen Auftrag handelten. Die Händler verkauften es im Januar 1929 an Andrew W. Mellon. Mellon übertrug es 1934 dem A.W. Mellon Educational and Charitable Trust, das es 1937 der National Gallery of Art in Washington, D.C. schenkte. Das Gemälde befindet sich jedoch derzeit im Metropolitan Museum of Art in New York als Teil des Vermächtnisses von Benjamin Altman, Inventarnummer 14.40.618. Das Werk weist eine umfangreiche Ausstellungsgeschichte auf, darunter Präsentationen an der Royal Academy of Arts in London in den Jahren 1872 und 1899, im Rijksmuseum in Amsterdam im Jahr 1935 sowie auf der New York World's Fair im Jahr 1939.

Rembrandt hebt sich von allen anderen Künstlern durch die schiere Menge der von ihm geschaffenen Selbstporträts ab, die mehr als vierzig Gemälde, einunddreißig Radierungen und mehrere Skizzen umfassen. Dieser Output machte etwa zehn Prozent seines gemalten und gestochenen Werks aus, ein enormer Anteil im Vergleich zu Zeitgenossen wie Rubens, der nur sieben Selbstporträts malte. Während diese Werke früher ausschließlich als Vehikel für persönliche und psychologische Selbstbefragung interpretiert wurden, hat die moderne Forschung, insbesondere durch Ernst van de Wetering, vorgeschlagen, dass sie auch speziell gemalt wurden, um eine große Marktnachfrage zu befriedigen. Höfe und Sammler in ganz Europa suchten nach Bildern berühmter Männer, darunter Philosophen, Schriftsteller und Künstler, was ein reifes Selbstporträt von Rembrandt zu einem hochbegehrten Sammlerstück machte. Die Nachdenklichkeit und Direktheit, die Auftraggeber von Rembrandt erwarteten, waren somit eng mit seiner eigenen beharrlichen und rigorosen Selbststudie verflochten.

Rembrandts Selbstporträts haben die Kunstgeschichte tiefgreifend geprägt und dienen als unvergleichliches visuelles Tagebuch des Lebens des Künstlers sowie als Meilenstein des psychologischen Realismus. Seine Manipulation der Farbe, bei der er freie und harte Pinselstriche einsetzte und die Textur durch Abkratzen oder den Einsatz eines Spachtels modifizierte, etablierte einen völlig neuen Stil. Dieser Ansatz ging über die Einfallsreichtum früherer Meister wie Tizian und Velazquez hinaus und machte die Farbe selbst zu einem ebenso wichtigen Sujet des Werkes wie das Modell. Diese technischen und konzeptionellen Innovationen beeinflussten zukünftige Künstlergruppen erheblich. Darüber hinaus etablierten die Selbstporträts einen Standard für das Genre und zeigten, wie ein Künstler sich ohne Eitelkeit und mit sensibler Offenheit studieren konnte, ein Ansatz, der bis heute das Potenzial der Selbstdarstellung in der westlichen Kunst definiert.