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Aperçu

Autoportrait est une peinture à l'huile sur toile du maître hollandais Rembrandt van Rijn, réalisée en 1660 alors que l'artiste avait cinquante-quatre ans.

Autoportrait est une peinture à l'huile sur toile du maître hollandais Rembrandt van Rijn, réalisée en 1660 alors que l'artiste avait cinquante-quatre ans. Mesurant 80,3 par 67,3 cm, l'œuvre représente le buste de l'artiste surgissant d'un fond sombre et atmosphérique, vêtu d'un habit foncé orné d'un large col clair. Elle est actuellement conservée au Metropolitan Museum of Art de New York, ayant intégré la collection grâce au legs de Benjamin Altman en 1913. Ce tableau compte parmi plus de quarante autoportraits peints que Rembrandt a produits au cours de sa carrière, un corpus qui se distingue dans l'histoire de l'art par son examen de soi intense et persistant.

Sujet et signification

La peinture capture l'artiste dans ses dernières années, son visage illuminé par une lumière forte et directionnelle venant de la gauche tandis que le côté droit s'enfonce dans l'ombre. Ses sourcils sont froncés, ses joues creuses, et de profondes rides se concentrent sur son front et autour de ses yeux, traduisant une anxiété et un malaise. Un léger manque de focalisation et une disparité entre ses deux yeux lui donnent un air distrait et inquiet. Cette représentation sans concession du vieillissement et de la détresse reflète les tragédies personnelles et la ruine financière que Rembrandt a vécues durant cette période, ayant récemment perdu son épouse et un enfant, et ayant été contraint de déclarer faillite. Malgré ces épreuves, le portrait communique une profonde réflexion et une franchise, affichant la dignité et le talent que ses créanciers n'ont pu lui arracher.

Technique et style

Rembrandt a employé une technique picturale sophistiquée pour modeler le visage vieillissant, investissant davantage de peinture dans les traits du visage que partout ailleurs sur la toile. Il a utilisé des rehauts qui semblent posés comme des gouttes de peinture sur le bout de son nez et appliqué des traits épais, presque sculptés, autour des yeux pour créer des ombres et les creux de sa joue, suggérant merveilleusement les textures et la douceur de la chair. Le travail de la brosse sur le visage est lisse et fondu, avec un modelé subtil des formes, tandis que le fond reste largement indéfini et atmosphérique. La palette globale est dominée par des bruns profonds et des noirs, avec des tons de chair chauds et atténués. La surface de la toile présente une extensive craquelure sur l'ensemble de l'œuvre.

Histoire et provenance

Peint en 1660, l'œuvre a fini par intégrer la collection de George Brudenell, le 4e comte de Cardigan et plus tard duc de Montagu, à Londres, avec des preuves solides de sa propriété datant d'une mézzotinte de 1767 d'après le tableau. Elle a été transmise aux ducs de Buccleuch et de Queensberry jusqu'à ce que le 7e duc la vende en 1928 à P. & D. Colnaghi & Co. et M. Knoedler & Co., qui ont agi sur compte conjoint. Les marchands l'ont vendue à Andrew W. Mellon en janvier 1929. Mellon l'a cédée à la A.W. Mellon Educational and Charitable Trust en 1934, qui l'a offerte à la National Gallery of Art de Washington, D.C. en 1937. Toutefois, le tableau réside actuellement au Metropolitan Museum of Art de New York dans le cadre du legs de Benjamin Altman, sous le numéro d'inventaire 14.40.618. L'œuvre possède une riche histoire d'expositions, incluant des présentations à la Royal Academy of Arts de Londres en 1872 et 1899, au Rijksmuseum d'Amsterdam en 1935, et à la New York World's Fair en 1939.

Contexte

Rembrandt se distingue de tous les autres artistes par le volume considérable d'autoportraits qu'il a produits, soit plus de quarante peintures, trente-et-une estampes et plusieurs esquisses. Cette production représentait environ dix pour cent de son œuvre peinte et gravée, une proportion massive comparée à ses contemporains comme Rubens, qui n'a peint que sept autoportraits. Si ces œuvres étaient autrefois interprétées purement comme des véhicules d'examen personnel et psychologique, la recherche moderne, notamment celle d'Ernst van de Wetering, a proposé qu'elles aient également été peintes spécifiquement pour répondre à une forte demande du marché. Les cours et les collectionneurs à travers l'Europe recherchaient des images d'hommes célèbres, y compris des philosophes, des écrivains et des artistes, rendant un autoportrait mature de Rembrandt un objet très convoité. La réflexion et la franchise que les mécènes attendaient de Rembrandt étaient ainsi indissociables de son propre examen de soi persistant et rigoureux.

Héritage

Les autoportraits de Rembrandt ont profondément façonné l'histoire de l'art, servant de journal visuel sans égal de la vie de l'artiste et de jalon du réalisme psychologique. Sa manipulation de la peinture, utilisant des coups de pinceau libres et vigoureux et modifiant la texture par grattage ou l'emploi d'une spatule, a établi un style emblématique entièrement nouveau. Cette approche a transcendé l'ingéniosité des maîtres précédents comme Titien et Vélasquez, faisant de la peinture elle-même un sujet de l'œuvre au même titre que le modèle. Ces innovations techniques et conceptuelles ont significativement influencé les groupes d'artistes futurs. De plus, les autoportraits ont établi une norme pour le genre, démontrant comment un artiste pouvait s'étudier sans vanité et avec une candeur sensible, une approche qui continue de définir le potentiel de l'auto-représentation dans l'art occidental.