Autorretrato

Rembrandt empleó una técnica pictórica sofisticada para modelar el rostro envejecido, aplicando más pintura en los rasgos faciales que en cualquier otra parte del lienzo. Utilizó reflejos que parecen gotas de pintura en la punta de su nariz y aplicó trazos gruesos, casi esculpidos, alrededor de los ojos para crear sombras y las hendiduras en su mejilla, sugiriendo maravillosamente las texturas y la suavidad de la carne. La pincelada en el rostro es suave y difuminada, con un modelado sutil de las formas, mientras que el fondo permanece en gran parte indefinido y atmosférico. La paleta general está dominada por marrones profundos y negros, con tonos de carne cálidos y apagados. La superficie del lienzo muestra una extensa craqueladura en toda su extensión.

Pintada en 1660, la obra finalmente llegó a la colección de George Brudenell, el 4.º conde de Cardigan y más tarde duque de Montagu, en Londres, con pruebas firmes de su propiedad que datan de un mezzotinto de 1767 realizado según la pintura. Pasó por sucesión a los duques de Buccleuch y Queensberry hasta que el 7.º duque la vendió en 1928 a P. & D. Colnaghi & Co. y M. Knoedler & Co., quienes actuaron en cuenta conjunta. Los comerciantes la vendieron a Andrew W. Mellon en enero de 1929. Mellon la donó a la A.W. Mellon Educational and Charitable Trust en 1934, la cual la donó a la National Gallery of Art de Washington, D.C. en 1937. Sin embargo, la pintura reside actualmente en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York como parte del legado de Benjamin Altman, con el número de objeto 14.40.618. La obra tiene una extensa historia expositiva, incluyendo presentaciones en la Royal Academy of Arts de Londres en 1872 y 1899, en el Rijksmuseum de Ámsterdam en 1935, y en la Feria Mundial de Nueva York en 1939.

Rembrandt se distingue de todos los demás artistas por la gran cantidad de autorretratos que produjo, los cuales suman más de cuarenta pinturas, treinta y una aguafuertes y varios bocetos. Esta producción representó aproximadamente el diez por ciento de su obra pintada y grabada, una proporción masiva en comparación con contemporáneos como Rubens, quien solo pintó siete autorretratos. Aunque estas obras fueron interpretadas anteriormente como meros vehículos para la autoexaminación personal y psicológica, la erudición moderna, destacando los trabajos de Ernst van de Wetering, ha propuesto que también fueron pintadas específicamente para responder a una gran demanda del mercado. Cortes y coleccionistas de toda Europa buscaban imágenes de hombres famosos, incluidos filósofos, escritores y artistas, convirtiendo un autorretrato maduro de Rembrandt en un artículo altamente coleccionable. La reflexión y la franqueza que los mecenas esperaban de Rembrandt estaban, por tanto, entrelazadas con su propio estudio persistente y riguroso de sí mismo.

Los autorretratos de Rembrandt han moldeado profundamente la historia del arte, sirviendo como un diario visual sin parangón de la vida del artista y como un hito del realismo psicológico. Su manipulación de la pintura, mediante pinceladas libres y enérgicas y la modificación de la textura mediante el raspado o el uso de la espátula, estableció un estilo completamente nuevo y distintivo. Este enfoque trascendió la ingeniosidad de maestros anteriores como Tiziano y Velázquez, convirtiendo la propia pintura en un sujeto de la obra tan importante como el modelo. Estas innovaciones técnicas y conceptuales impactaron significativamente a grupos futuros de artistas. Además, los autorretratos establecieron un estándar para el género, demostrando cómo un artista podía estudiarse a sí mismo sin vanidad y con una candidez sensible, un enfoque que continúa definiendo el potencial de la autorrepresentación en el arte occidental.