Green Stripe

Exécuté à l'huile sur toile, Green Stripe mesure 40.5 × 32.5 cm et présente un portrait en buste d'Amélie Matisse-Parayre dans une forme simplifiée et plane. La composition est structurée par de larges champs de couleur unie, rose, jaune, bleu, orange et vert, agencés pour indiquer la lumière et l'ombre plutôt que pour un modelé naturaliste. Une bande verticale verte proéminente divise le visage, séparant le côté éclairé (rose avec des accents orange et rouge) du côté en demi-teinte (jaune). L'arrière-plan se scinde en zones de couleur opposées : rose et orange d'un côté, turquoise de l'autre. Le traitement de Matisse privilégie des zones plates et nettement définies plutôt que des transitions progressives, les contours délimitant nettement les traits et la bande verte fonctionnant comme un dispositif formel décisif. L'intensité de la palette et la stylisation de l'œuvre s'alignent sur les objectifs fauvistes, rejetant la couleur locale et le clair-obscur au profit de la couleur en tant que force expressive.

Henri Matisse a achevé Green Stripe en 1905, le peignant durant l'été de cette année à Collioure aux côtés d'André Derain et l'ayant probablement terminé à l'automne après son retour à Paris. L'œuvre représente son épouse Amélie Matisse-Parayre. Ses premiers propriétaires connus furent les collectionneurs américains Michael et Sarah Stein, qui l'exposèrent de manière proéminente dans leur demeure. Après la Première Guerre mondiale, le tableau passa au businessman danois Christian Tetzen, qui le conserva jusqu'à sa mort en 1936 ; par la suite, il entra dans la collection du Statens Museum for Kunst à Copenhague, où il se trouve toujours.

Henri Matisse a peint Green Stripe en 1905, représentant son épouse Amélie Noellie Matisse-Parayre dans un portrait en buste. L'œuvre mesure 40.5 cm sur 32.5 cm et est conservée dans la collection du Statens Museum for Kunst à Copenhague, au Danemark, sous un numéro d'inventaire qui l'identifie comme faisant partie des collections du musée. Elle est entrée dans la collection du musée en 1936 après avoir appartenu à Michael et Sarah Stein puis à Christian Tetzen. Le tableau a été exposé au Statens Museum for Kunst et est documenté dans de nombreuses publications muséales et registres d'exposition.

La Bande verte est une œuvre fondatrice du fauvisme, produite durant l'été 1905 à Collioure, où Matisse travailla aux côtés d'André Derain en explorant le rôle expressif de la couleur indépendamment de la description naturaliste. Le tableau fut réalisé peu après Femme au chapeau et est communément lu en dialogue avec ce portrait antérieur d'Amélie, marquant un glissement vers des contours plus durs et un traitement plus austère, en forme de masque, du modèle. Ses blocs de couleur pure reflètent l'influence de Gauguin et de Van Gogh alors que Matisse s'éloignait de l'impressionnisme.

L'œuvre suscita des réactions polarisées. Critiques et amis furent déstabilisés par ce qu'ils perçurent comme un manque d'humanité dans le portrait : un ami des propriétaires originaux Michael et Sarah Stein l'appela « une caricature démente d'un portrait », et en 1910 Gelett Burgess écrivit que le tableau était la « punition » de Matisse infligée à Amélie, contraignant le spectateur « à voir en elle un aspect étrange et terrible ». L'historien de l'art John Klein a relié le caractère impersonnel du portrait aux tensions dans le mariage des Matisse. Le tableau est discuté dans des travaux universitaires incluant Matisse portraits (2001) de John Klein et le catalogue Vertigo of Color: Matisse, Derain, and the Origins of Fauvism (2023).

La Bande verte est rapidement devenue une pierre de touche du fauvisme et reste emblématique de la réinvention radicale par Matisse de la couleur en tant que force expressive plutôt qu'outil descriptif. Ses teintes audacieuses et non modifiées ainsi que la bande verte titulaire divisant le visage polarisèrent les critiques contemporains ; l'étiquette « fauves » pour le cercle de Matisse et Derain cristallisa autour d'œuvres telles que celle-ci, consolidant la réputation du mouvement pour avoir libéré la couleur du naturalisme. Dès les années 1930, le tableau était entré au Statens Museum for Kunst, où il a depuis ancré les récits de la rupture du modernisme précoce avec la tradition.

Les universitaires ont débattu de la charge psychologique du portrait, certains lisant la simplification en forme de masque comme une réponse codée aux tensions conjugales et d'autres soulignant son ambition purement optique. Son association avec Femme au chapeau lors des expositions de 1905 cristallisa un dialogue qui redéfinisit la capacité du portrait à l'abstraction, influençant des mouvements ultérieurs de l'expressionnisme allemand à la peinture Color Field.