About this work

Aperçu

Autoportrait avec sa première épouse au clavecin est une peinture à l'huile sur toile du peintre allemand Johann Heinrich Tischbein l'Ancien (1722-1789), exécutée en 1756. Mesurant 48 sur 34 centimètres, ce double portrait intime représente le jeune marié et sa première épouse, Marie Sophie Robert (1726-1759), dans un intérieur domestique. L'œuvre est conservée à la Gemäldegalerie Berlin (numéro d'inventaire 1697) et constitue un exemple significatif du portrait allemand du milieu du XVIIIe siècle, alliant récit personnel et construction professionnelle de soi. Sa petite échelle et son observation minutieuse la distinguent dans l'œuvre de Tischbein, offrant un aperçu de la vie d'un peintre de cour qui venait d'obtenir à la fois reconnaissance professionnelle et bonheur conjugal.

Sujet et signification

La peinture présente Marie Sophie assise au clavecin, les mains sur les touches, vêtue d'une robe bleu pâle ornée d'un châle et d'un bonnet en dentelle blanche.

La peinture présente Marie Sophie assise au clavecin, les mains sur les touches, vêtue d'une robe bleu pâle ornée d'un châle et d'un bonnet en dentelle blanche. Derrière elle se tient Tischbein lui-même, tenant une palette de peintre et un pinceau, appuyé sur un bâton de pinceau. À sa droite repose une grande toile sur un chevalet, affichant une figure partiellement peinte. La scène se déroule dans un intérieur sombre aux murs foncés et au sol carrelé, où un petit chien noir se tient au premier plan et un chat blanc est assis sur une chaise à gauche. Près de la fenêtre pend une cage à oiseaux contenant un bouvreuil, et une partition repose sur l'instrument. Une lumière chaude pénètre par la gauche, illuminant les figures et créant de profondes ombres. La composition équilibre les arts sœurs de la peinture et de la musique, bien que les spécialistes débattent pour savoir si cela incarne des notions emblématiques des siècles précédents ou reflète simplement le plaisir narratif peu sophistiqué d'un citoyen hessois prospère. Le « tableau dans le tableau » montre des indications préparatoires pour Ménélas en combat avec Pâris, une scène mythologique que Tischbein acheva en 1757 ; le contour à peine visible de Vénus sauvant Ménélas a été interprété comme une allusion au bonheur conjugal du jeune couple.

Technique et style

Exécutée à l'huile sur toile, la peinture affiche une intensité chromatique contenue construite à partir de bruns, de bleus, de blancs et de verts atténués. La surface picturale présente une fine craquelure partout. L'arrière-plan est composé de papier peint brun orné de motifs bleus au pochoir. Sur le plan compositionnel, l'œuvre atteint un équilibre notable, les figures étant disposées pour créer une harmonie entre les sphères domestique et professionnelle. Le traitement de la lumière témoigne de la formation de Tischbein dans la peinture académique française et de son exposition aux influences vénitiennes, notamment l'œuvre de Pietro Longhi, qu'il a probablement rencontrée lors de ses études en Italie entre 1748 et 1751. L'éclairage chaud venant de la gauche qui modèle les figures et crée de profondes ombres reflète les traditions du portrait de Rigaud et de Largillière, dont Tischbein a étudié les œuvres à Paris sous la direction de Carle Vanloo. La « œuvre préliminaire » surdimensionnée sur le chevalet, disproportionnée par rapport à la composition achevée qu'elle représente, assure sa reconnaissabilité dans l'espace confiné du tableau berlinois.

Contexte

Johann Heinrich Tischbein l'Ancien est issu d'une grande famille d'artistes. Apprenti à quatorze ans chez le peintre de papier peint Zimmermann à Cassel, il obtient une promotion du comte de Stadion pour un voyage d'étude à Paris, où il entre dans l'atelier de Carle Vanloo. De 1748 à 1751, il voyage en Italie, se liant d'amitié avec Piazzetta à Venise. À son retour en Allemagne à la fin de 1751, il est nommé peintre de cour du landgrave Guillaume VIII de Hesse-Cassel, une nomination officiellement conférée le 14 avril 1753. En 1762, il devient professeur de peinture au Collegium Carolinum. L'autoportrait appartient à une période de consolidation professionnelle et de bonheur personnel, créé peu après son mariage et durant son mandat de peintre de cour. Le type pictural de l'artiste interrompu dans son travail par une compagnie domestique ou musicale a peut-être été inspiré par Pietro Longhi, dont les scènes de genre Tischbein a probablement rencontrées à Venise. L'attention des spécialistes, notamment celle de Rainer Michaelis pour la publication de 2019 de la Gemäldegalerie Berlin 200 Masterpieces of European Painting, a examiné les significations superposées de l'œuvre et sa place dans le développement de la carrière de Tischbein.

Héritage

La peinture occupe une place importante dans l'œuvre de Tischbein en tant que premier autoportrait avec sa première épouse, établissant un modèle qu'il revisiterait. Son influence s'étend à travers la gravure qu'il en a produite en 1756, qui a diffusé la composition plus largement. L'œuvre a servi de pierre de touche pour comprendre l'intersection de l'identité professionnelle et de l'intimité domestique dans l'art allemand du XVIIIe siècle. L'existence d'une variation ultérieure, autrefois dans la famille de l'artiste et vendue en 2017, atteste de la résonance continue de la composition pour Tischbein lui-même et pour les collectionneurs ultérieurs. En tant que document de l'auto-représentation d'un peintre de cour hessois au moment de son ascension vers la prospérité et le statut, la peinture offre aux historiens de l'art une étude de cas nuancée sur la manière dont les artistes de l'époque négociaient entre récit personnel et ambition professionnelle. Sa conservation à la Gemäldegalerie Berlin garantit son accessibilité pour les recherches en cours sur le portrait allemand et la vie culturelle de l'époque.