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Técnica y estilo

Su torso erguido y el brazo izquierdo apoyado horizontalmente conforman una composición triangular derivada de la Mona Lisa de Leonardo.

La pintura está ejecutada al óleo sobre tabla, midiendo 79 por 61 centímetros. El cardenal aparece a media figura, girado tres cuartos hacia la izquierda del espectador, sobre un fondo oscuro, casi negro. Su torso erguido y el brazo izquierdo apoyado horizontalmente conforman una composición triangular derivada de la Mona Lisa de Leonardo. Una iluminación direccional intensa aísla la figura, produciendo contrastes cromáticos nítidos entre el rojo brillante de la mozzetta y la birreta de seda, la manga blanca y los tonos pálidos de la carne del rostro. El pincelado minucioso otorga al sujeto una tridimensionalidad escultórica, reflejando el compromiso contemporáneo de Rafael con la escultura bajo la influencia de Miguel Ángel. Los pentimenti revelados por rayos X muestran que Rafael acortó el cabello y ajustó la posición de los ojos. El brillo sedoso de las vestiduras rojas se logra mediante reflejos iridiscentes cuidadosamente observados. El fondo presenta algunas señales de restauración.

Historia y procedencia

El Retrato de un cardenal se conserva en el Museo del Prado de Madrid. Su número de inventario es P00784, registrado en el catálogo del museo. La obra ingresó a la colección real española tras ser adquirida en Roma por Carlos IV de España en 1803, fue exhibida en el Palacio Real de Aranjuez y trasladada al Prado en 1818. Fue atribuida inicialmente a Antonio Moro antes de que se restableciera su autoría de Rafael. Los registros de exposición confirman su presencia en el catálogo de 1818 del Palacio Real de Aranjuez y en posteriores muestras del Prado dedicadas al retrato del Alto Renacimiento.

Contexto

Pintada durante el papado de Julio II, el retrato pertenece al primer periodo romano de Rafael, cuando produjo semblanzas de numerosos miembros de la curia papal. Su composición triangular, derivada de la Mona Lisa de Leonardo, y el tratamiento escultórico de la luz reflejan el compromiso de Rafael con Leonardo y con Miguel Ángel en la corte papal. La técnica minuciosa de la pintura llevó inicialmente a los coleccionistas españoles a atribuirla a Antonio Moro, ya que la labor de Rafael como retratista era entonces poco conocida en España; la atribución fue posteriormente reevaluada y la obra refecha a los primeros años romanos por el erudito Adolfo Venturi, una cronología aceptada posteriormente por otros críticos. El Prado considera a Francesco Alidosi el modelo más probable, mientras que otros candidatos propuestos por los estudiosos incluyen a Bernardo Dovizi da Bibbiena, Innocenzo Cybo, Scaramuccia Trivulzio, Alessandro Farnese, Ippolito d'Este, Silvio Passerini, Antonio Ciocchi, Matthäus Schiner, Luigi d'Aragona y Bandinello Sauli. El retrato se considera un punto culminante de la producción retratística de Rafael y se señala que influyó en artistas posteriores como Tiziano y otros pintores venecianos.

Legado

El enfoque distintivo de la pintura en el retrato influyó en artistas posteriores, especialmente en Tiziano y otros pintores de la escuela veneciana, quienes se inspiraron en su modelo de profundidad psicológica y composición sobria. Su técnica minuciosa, sin embargo, desconcertó inicialmente a los espectadores poco familiarizados con el rango de Rafael como retratista, lo que llevó a una larga atribución errónea a Antonio Moro antes de que la obra fuera correctamente reasignada al maestro italiano.

Conservada hoy como una de las obras más reconocidas de Rafael, la pintura ingresó a la colección real española tras ser adquirida en Roma por Carlos IV de España cuando aún era Príncipe de Asturias. Fue catalogada en el Palacio Real de Aranjuez en 1818 y posteriormente trasladada al Museo del Prado, donde sigue siendo una referencia fundamental del retrato del Alto Renacimiento.