Holy Women at Christ's Tomb

Carracci employa un fort chiaroscuro, éclairant les figures depuis le haut gauche pour créer des contrastes dramatiques sur fond de végétation sombre et d'un ciel gris lointain, dans une atmosphère crépusculaire. La palette est dominée par des bleus profonds, des rouges cramoisi et des ors chauds sur fond d'ombres brunes, le blanc éclatant des vêtements de l'ange venant interrompre la semi-obscurité de la scène. Le traitement de la peinture est lisse et fondé dans les carnations, tandis qu'une texture plus visible définit les plis des draperies. Les figures occupent un espace peu profond, scénique, leurs poses et gestes statuaires créant un équilibre rythmé de poids et de contrepoids qui suspend le moment de l'annonce. Le tombeau en raccourci et la grande dalle de pierre inclinée au premier plan à droite accentuent la profondeur spatiale, tandis qu'un paysage sur la gauche referme la composition. La finition d'ensemble est polie, avec une attention particulière aux textures des étoffes et au détail anatomique.

Le tableau fut commandité par Lelio Pasqualini, originaire de Bologne et chanoine de Santa Maria Maggiore à Rome, dont l'eminent cabinet d'antiquités est cité dans diverses sources du XVIIe siècle. Après la mort de Pasqualini, l'oeuvre passa par héritage à Monseigneur Agucchi, puis au cardinal Filomarino, archevêque de Naples. Carlo Cesare Malvasia nota dans sa Felsina Pittrice de 1678 que le tableau se trouvait alors à Naples chez le duc della Torre, neveu du cardinal, qui refusa célèbrement une offre du roi d'Angleterre visant à l'échanger contre trois tapisseries de chambre. Les ducs vendirent ensuite l'oeuvre, qui passa par plusieurs collections, dont celle de Lucien Bonaparte, avant que le musée de l'Ermitage ne l'acquière en 1836.

L'oeuvre est considérée comme l'un des plus grands accomplissements de l'assimilation par Carracci des stimuli artistiques romains, reflétant le même développement visible dans ses célèbres fresques de la voûte de la Galleria Farnese. Les références directes dans cette toile sont la sculpture classique et l'art de Raphaël, en particulier les cartons de ce dernier pour les tapisseries du Vatican. Bien que typique du style romain mature de Carracci, le tableau conserve un lien avec ses débuts. La robe rouge et or portée par Marie Madeleine est presque identique à la figure de Bonne Fortune ou Félité dans son Allégorie de la Vérité et du Temps à Hampton Court, peinte environ quinze ans auparavant.

La désignation du tableau par Malvasia comme une oeuvre sans équivalent souligne sa notoriété précoce et son haute estime. Son influence ultérieure est confirmée par de nombreuses gravures, copies et dérivations, dont un est notable de l'graveur français Jean-Louis Roullet. Une version peinte par Francesco Albani, élève de Carracci, également conservée au musée de l'Ermitage, démontre davantage l'impact immédiat de l'oeuvre et l'appréciation durable de ses innovations compositionnelles et stylistiques au sein de la tradition baroque.