Le sante donne al sepolcro di Cristo

Carracci ha impiegato un forte chiaroscuro, illuminando le figure dall'alto a sinistra per creare contrasti drammatici sullo sfondo scuro e atmosferico di fogliame scuro e un cielo grigio distante. La tavolozza è dominata da blu profondi, rossi cremisi e caldi toni d'oro, posti in contrasto con le ombre marroni, mentre il bianco brillante delle vesti dell'angelo interrompe la semi-oscurità della scena. La pennellata è liscia e sfumata nei toni della pelle, mentre una texture più visibile definisce le pieghe delle vesti. Le figure occupano uno spazio piatto, simile a un palcoscenico, e le loro pose statuarie e i gesti creano un equilibrio ritmico di pesi e contro-pesi che sospende il momento dell'annuncio. Il sepolcro in prospettiva forzata e la grande lastra di pietra inclinata in primo piano a destra accentuano la profondità spaziale, mentre un paesaggio a sinistra chiude la composizione. La finitura complessiva è levigata, con un'attenzione meticolosa alle texture dei tessuti e ai dettagli anatomici.

Il dipinto fu commissionato da Lelio Pasqualini, nativo di Bologna e canonico di Santa Maria Maggiore a Roma, la cui notevole collezione antiquaria è citata in varie fonti del diciassettesimo secolo. Dopo la morte di Pasqualini, l'opera passò per eredità al monsignor Agucchi e successivamente al cardinale Filomarino, arcivescovo di Napoli. Carlo Cesare Malvasia registrò nella sua Felsina Pittrice del 1678 che il dipinto si trovava allora a Napoli nella casa del duca della Torre, nipote del cardinale, il quale rifiutò famosamente un'offerta del re d'Inghilterra di scambiare il dipinto con tre arazzi da camera. I duchi vendettero successivamente l'opera, che passò attraverso diverse collezioni, inclusa quella di Lucien Bonaparte, prima che l'Ermitage la acquisisse nel 1836.

L'opera è considerata uno dei massimi risultati dell'assimilazione da parte di Carracci degli stimoli artistici romani, riflettendo lo stesso sviluppo visibile nei suoi celebri affreschi sulla volta della Galleria Farnese. I riferimenti diretti in questa tela sono la scultura classica e l'arte di Raffaello, in particolare i cartoni di Raffaello per gli arazzi vaticani. Nonostante sia tipica dello stile maturo romano di Carracci, il dipinto mantiene un legame con la sua opera giovanile. L'abito rosso e oro indossato da Maria Maddalena è quasi identico alla figura della Fortuna o Felicitas nella sua Allegoria della Verità e del Tempo a Hampton Court, dipinta circa quindici anni prima.

La definizione di Malvasia del dipinto come un'opera senza eguali ne sottolinea la notorietà precoce e l'alta considerazione. La sua influenza successiva è confermata da numerose incisioni, copie e derivazioni, inclusa una stampa notevole dell'incisore francese Jean-Louis Roullet. Una versione dipinta dal discepolo di Carracci, Francesco Albani, anch'essa conservata all'Ermitage, dimostra ulteriormente l'impatto immediato dell'opera e l'apprezzamento duraturo delle sue innovazioni compositive e stilistiche all'interno della tradizione barocca.