Artwork
Madonna of Saint George
Madonna of Saint George is an oil painting by the Early Baroque Italian artist Antonio da Correggio. It dates from 1529 and is held in the collection of the Staatliche Kunstsammlungen Dresden.
About this work
Sujet et signification
Saint Georges se dresse dans une armure classique, le pied sur la tête tranchée du dragon, ses armes tenues par des putti, symbolisant la victoire sur le mal.
Le tableau représente une Sainte Conversation centrée sur la Vierge à l'Enfant assise sur un trône, encadrée par quatre saints. L'Enfant tend la main vers une petite maquette de Modène tenue par saint Geminien, patron de la ville, tandis que des chérubins assistent à la scène. Saint Georges se dresse dans une armure classique, le pied sur la tête tranchée du dragon, ses armes tenues par des putti, symbolisant la victoire sur le mal. Saint Pierre Martyr, patron de la confrérie commanditaire, porte l'habit dominicain et lève les yeux, dissimulant l'iconographie violente de son martyre (un glaive dans la tête et un poignard dans la poitrine). Jean-Baptiste apparaît dans la jeunesse, distingué par sa croix de pèlerin et son manteau de peau de chameau. La composition est encadrée par un pavillon à arcades fleuries rappelant la *Madonna della Vittoria* de Mantegna, soulignant la fusion tardive de Correggio entre une monumentalité sereine et une rhétorique spatiale et émotionnelle sophistiquée. Le traitement de Correggio élève le thème traditionnel en un tableau harmonieux mais dynamique, où les gestes et les regards guident l'œil du spectateur à travers des points focaux opposés. La signification de l'œuvre mêle la fierté civique, incarnée par la maquette de Modène et son saint, à la victoire théologique sur le péché, incarnée par l'iconographie de saint Georges et le martyre apaisé de Pierre Martyr.
Technique et style
La *Madone de saint Georges* est exécutée à l'huile sur panneau, mesurant 285 × 190 cm. La maîtrise de Correggio met en valeur une palette lumineuse et des effets matériels raffinés, allant des reflets polis sur l'armure de saint Georges et la poignée dorée de son épée à la rendu tactile de la peau de chèvre portée par Jean-Baptiste et à la texture moelleuse du manteau bleu de la Vierge. La composition est structurée comme une Sainte Conversation sous un pavillon à dôme végétal, évoquant la *Madonna della Vittoria* de Mantegna tout en transformant sa logique perspective en une expansion spatiale balayante, presque convexe, qui élève la Vierge et l'Enfant centraux. Les gestes et les regards sont chorégraphiés pour guider l'œil du spectateur à travers plusieurs points focaux, la Vierge et l'Enfant Jésus dirigeant l'attention dans des directions divergentes afin d'articuler une expérience de vision dynamique et multi-angulaire.
Histoire et provenance
La *Madone de saint Georges* fut commandée pour le maître-autel de l'oratoire de la confrérie de San Pietro Martire à Modène et achevée par Antonio da Correggio vers 1530, probablement la dernière œuvre religieuse de l'artiste.
En 1649, François Ier d'Este acquit le tableau pour sa galerie de Modène, dédommageant la confrérie par une copie de Guercino et un don princier. Après son entrée dans la collection d'Este, il fut loué par des contemporains tels que le père Ottonelli et Francesco Scannelli. En 1746, François III d'Este le vendit, avec plus d'une centaine d'œuvres, à Frédéric-Auguste II, le transférant à la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, où il se trouve toujours.
La *Madone de saint Georges* est conservée à la Gemäldegalerie Alte Meister, faisant partie des Staatliche Kunstsammlungen Dresden en Allemagne. L'œuvre entra dans la collection en 1746 lorsque l'électeur Frédéric-Auguste II l'acheta à François III d'Este dans le cadre d'une acquisition plus vaste de plus d'une centaine de tableaux provenant de la galerie ducale de Modène. Avant ce transfert, le retable avait été acquis en 1649 par François Ier d'Este, qui remplaça l'original dans son oratoire de Modène par une copie de Guercino. Bien que le tableau soit un élément fixe de la collection de Dresde depuis le milieu du XVIIIe siècle, les sources fournies ne listent pas de dates d'exposition spécifiques ni d'historique de prêts temporaires pour l'œuvre.
Contexte
La *Madone de saint Georges* fut peinte par Antonio da Correggio vers 1530 pour le maître-autel de l'oratoire de la confrérie de San Pietro Martire à Modène, ce qui en fait probablement sa dernière œuvre religieuse, achevée en même temps que ses dernières contributions à la voûte de la cathédrale de Parme. Le tableau entra dans la collection de François Ier d'Este en 1649, qui le remplaça par une copie de Guercino, avant d'être vendu plus tard par François III d'Este en 1746 à Frédéric-Auguste II, intégrant ainsi la collection de Dresde. Son iconographie comprend la Vierge et l'Enfant au centre, saint Georges avec la tête du dragon sous son pied, saint Pierre Martyr tenant une maquette de la ville, saint Georges, et saint Jean-Baptiste, rendus dans un style qui fait le pont entre les approches de la Haute Renaissance et du maniérisme par une perspective dramatique et une retenue émotionnelle. L'œuvre illustre la maîtrise de Correggio du geste et de la complexité spatiale, mêlant récit sacré et détails raffinés dans des matériaux tels que le manteau bleu de la Vierge et la tête sanglante du dragon.
Héritage
La *Madone de saint Georges* a façonné la pratique artistique ultérieure par ses stratégies compositionnelles innovantes et son rôle de point de référence pour les artistes subséquents. Rubens étudia le tableau dans un croquis à la craie rouge et loua son audace spatiale, tandis que des copies du XVIe siècle par Girolamo Conti et Bartolomeo Passerotti témoignent de son impact immédiat sur les peintres contemporains. La transition de l'œuvre, d'un retable pour la confrérie de San Pietro Martire à une pièce maîtresse de la Gemäldegalerie de Dresde, illustre son évolution de réputation, passant d'une image dévotionnelle locale à un exemple canonique de la Sainte Conversation de la fin de la Renaissance, influençant le développement de la rhétorique visuelle maniériste. Son iconographie complexe, notamment le traitement de saint Georges et du jeune saint Jean-Baptiste, a été citée dans la littérature d'histoire de l'art comme une étude de cas clé pour comprendre le glissement vers une expression accrue et une expérimentation spatiale dans les années 1520-1530.
Artist & collection
Artist
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