Madonna with St. Francis

Exécutée à l'huile sur panneau, la peinture affiche un travail de pinceau lisse et fondu ainsi que des transitions tonales progressives caractéristiques de la manière précoce de Correggio. La palette s'articule autour de rouges profonds, de bleus, de bruns chauds et de verts atténués, avec une lumière atmosphérique douce diffusant depuis l'arrière des figures centrales. La composition est organisée selon un triangle isocèle, la base du trône formant le fond et la tête de la Vierge l'apex, conférant à l'ensemble un équilibre monumental. Des colonnes classiques cannelées à chapiteaux ioniques encadrent la scène, surmontées d'un arc tronqué par le bord du tableau, évoquant un arc de triomphe antique installé dans un paysage ouvert. Correggio emploie la technique du sfumato de Léonard de Vinci, créant un mouvement imperceptible et un rythme circulaire autour de la Vierge. Les figures manifestent des moti dell'animo, des mouvements de l'âme, où l'état psychologique de chaque saint est transmis par le geste corporel et l'expression faciale. Il est notable de mentionner la main suspendue de la Vierge, qui semble apaiser la polyphonie délicate des gestes, ainsi que le voile presque imperceptible reliant le putto sans aile à droite à l'épée de sainte Catherine, un passage d'une virtuosité singulière. Le placement provisoire du trône directement sur l'herbe plutôt que dans un intérieur d'église élaboré a été interprété comme une référence à l'idéal franciscain de pauvreté.

Le contrat pour ce retable fut signé par Correggio le 30 août 1514, avec le consentement de son père et du frère Girolamo Cattania, gardien du couvent franciscain de Correggio, en Émilie-Romagne, dont l'église était dédiée à saint François. Le paiement fut enregistré le 4 avril 1515, témoignant de l'exécution rapide de l'artiste. Le tableau était vraisemblablement destiné à être le retable majeur de l'église du couvent, qui abritait la crypte familiale des Da Correggio. Peu avant 1638, François Ier d'Este confisqua l'œuvre et la transféra au Palazzo Ducale de Modène, où elle fut accrochée parmi cinq autres Correggio saisis sur le territoire ducal. En 1746, François III d'Este, appauvri, vendit les cent œuvres les plus célèbres de la Galleria Estense, dont les six Correggio, à Auguste III de Saxe, un épisode considéré comme l'une des plus importantes spoliations de l'art italien. Le tableau est resté à Dresde depuis, actuellement à la Gemäldegalerie Alte Meister. La signature de l'artiste, Antonivs de Alegri F.[ecit], apparaît sur la roue du martyre de sainte Catherine.

Cette commande émergea lorsque Correggio avait environ vingt-cinq ans et était encore sous la tutelle paternelle, marquant son entrée dans l'activité artistique documentée. L'œuvre révèle un engagement profond avec les innovations théoriques et pratiques de Léonard de Vinci, que ce soit par contact direct ou indirect, et atteint des résultats comparables aux modèles les plus célébrés de Raphaël, tels que la Madonna di Foligno et la Madonna Sistina, ainsi qu'aux retables contemporains d'Andrea del Sarto, notamment la Madonna delle Arpie. Les chercheurs débattent des chefs-d'œuvre que Correggio aurait pu rencontrer à cette date, certains considérant la Madonna della Vittoria de 1495 d'Andrea Mantegna, actuellement au Louvre, comme un précédent compositionnel possible. La signification du tableau dépasse la réalisation personnelle pour toucher à l'histoire institutionnelle, car la promotion par l'ordre franciscain de l'intercession mariale trouva une expression visuelle qui influencerait les conventions ultérieures des retables. La discussion critique se poursuit quant à l'étendue de l'exposition de Correggio aux maîtres de l'Italie centrale, le tableau servant de preuve pour évaluer sa connaissance de Léonard, de Raphaël et d'autres artistes majeurs du Cinquecento.

La Vierge avec saint François établit la réputation de Correggio et fixa la trajectoire de son développement ultérieur, démontrant sa capacité à synthétiser les traditions régionales émilienes avec les innovations plus larges de la Renaissance italienne. Les qualités proto-baroques du tableau, notamment sa douceur atmosphérique, son agencement dynamique des figures et son immédiateté émotionnelle, annoncèrent des développements qui s'épanouiraient plus pleinement au siècle suivant. Sa confiscation et son transfert à Modène dans les années 1630, suivis de son déplacement à Dresde en 1746, reflètent les modèles plus larges de déplacement artistique durant la période moderne précoce, où les œuvres devinrent des instruments de prestige dynastique et d'échange diplomatique. La vente de 1746 à la Saxe représente un tournant dans la dispersion des chefs-d'œuvre de la Renaissance italienne vers les collections d'Europe du Nord, contribuant à la formation de la Gemäldegalerie Alte Meister comme l'une des plus grandes collections de peintures d'Europe. L'œuvre demeure une pierre de touche pour comprendre l'évolution du format de la sacra conversazione et la transition de l'équilibre de la Haute Renaissance vers une imagerie religieuse plus émotionnellement résonnante et spatialement dynamique.