Madonna con San Francesco

Eseguito a olio su tavola, il dipinto mostra la pennellata liscia e fusa e le graduali transizioni tonali caratteristiche della prima maniera di Correggio. La tavolozza è dominata da rossi profondi, blu, marroni caldi e verdi spenti, con una luce atmosferica morbida che si diffonde da dietro le figure centrali. La composizione è organizzata secondo un triangolo isoscele, con la base del trono che forma il lato inferiore e la testa della Madonna che ne costituisce l'apice, conferendo all'insieme un equilibrio monumentale. Colonne classiche scanalate con capitelli ionici incorniciano la scena, sormontate da un arco tagliato dal bordo del quadro, che evoca un arco trionfale antico inserito in un paesaggio aperto. Correggio impiega la tecnica dello sfumato di Leonardo da Vinci, creando un movimento impercettibile e un ritmo circolare attorno alla Vergine. Le figure mostrano particolari moti dell'animo, movimenti dell'anima, in cui lo stato psicologico di ogni santo è espresso attraverso il gesto corporeo e l'espressione facciale. Degna di nota è la mano sospesa della Vergine, che sembra calmare la delicata polifonia di gesti, e il velo quasi impercettibile che collega il putto destro senza ali alla spada di Santa Caterina, un passaggio di singolare virtuosismo. La collocazione provvisoria del trono direttamente sull'erba, piuttosto che all'interno di una chiesa elaborata, è stata interpretata come un riferimento all'ideale francescano di povertà.

Il contratto per questa pala d'altare fu firmato da Correggio il 30 agosto 1514, con il consenso del padre e del frate Girolamo Cattania, guardiano del convento francescano a Correggio, in Emilia-Romagna, la cui chiesa era dedicata a San Francesco. Il pagamento fu registrato il 4 aprile 1515, dimostrando la rapida esecuzione dell'artista. Il dipinto era probabilmente destinato come pala d'altare maggiore per la chiesa del convento, che ospitava la tomba della famiglia Da Correggio. Poco prima del 1638, Francesco I d'Este confiscò l'opera e la trasferì al Palazzo Ducale di Modena, dove fu appesa insieme ad altre cinque opere di Correggio sequestrate dal territorio ducale. Nel 1746, Francesco III d'Este, in difficoltà economiche, vendette le cento opere più celebrate della Galleria Estense, inclusi tutti e sei i Correggio, ad Augusto III di Sassonia, un episodio considerato una delle più significative depredazioni dell'arte italiana. Il dipinto è rimasto a Dresda da allora, ora nella Gemäldegalerie Alte Meister. La firma dell'artista, Antonivs de Alegri F.[ecit], appare sulla ruota del martirio di Santa Caterina.

Questa commissione nacque quando Correggio aveva circa venticinque anni ed era ancora sotto la tutela paterna, segnando il suo ingresso nell'attività artistica documentata. L'opera rivela un profondo coinvolgimento con le innovazioni teoriche e pratiche di Leonardo da Vinci, sia attraverso contatti diretti che indiretti, e raggiunge risultati paragonabili ai modelli più celebri di Raffaello, come la Madonna di Foligno e la Madonna Sistina, nonché alle pale d'altare contemporanee di Andrea del Sarto, in particolare la Madonna delle Arpie. Gli studiosi hanno dibattuto quali capolavori Correggio avrebbe potuto incontrare entro quella data, con alcuni che considerano la Madonna della Vittoria di Andrea Mantegna del 1495, ora al Louvre, come un possibile precedente compositivo. Il significato del dipinto si estende oltre il successo personale alla storia istituzionale, poiché la promozione dell'intercessione mariana da parte dell'ordine francescano trovò una espressione visiva che avrebbe influenzato le convenzioni successive delle pale d'altare. La discussione critica continua riguardo all'estensione dell'esposizione di Correggio ai maestri dell'Italia centrale, con il dipinto che funge da prova per valutare la sua conoscenza di Leonardo, Raffaello e altri principali artisti del Cinquecento.

Madonna con San Francesco stabilì la reputazione di Correggio e tracciò la traiettoria del suo successivo sviluppo, dimostrando la sua capacità di sintetizzare le tradizioni regionali emiliane con le più ampie innovazioni del Rinascimento italiano. Le qualità proto-barocche del dipinto, in particolare la morbidezza atmosferica, la disposizione dinamica delle figure e l'immediatezza emotiva, anticiparono sviluppi che sarebbero fioriti più pienamente nel secolo successivo. La sua confisca e rimozione a Modena negli anni 1630, seguita dal trasferimento a Dresda nel 1746, riflettono i modelli più ampi di spostamento artistico durante il periodo moderno iniziale, quando le opere divennero strumenti di prestigio dinastico e scambio diplomatico. La vendita del 1746 alla Sassonia rappresenta una spartiacque nella dispersione dei capolavori del Rinascimento italiano verso le collezioni dell'Europa settentrionale, contribuendo alla formazione della Gemäldegalerie Alte Meister come una delle più importanti collezioni di pittura d'Europa. L'opera rimane un punto di riferimento per comprendere l'evoluzione del formato della sacra conversazione e il passaggio dall'equilibrio dell'Alto Rinascimento verso immagini religiose più emotivamente risonanti e spazialmente dinamiche.