Nessus and Dejanira

Exécutée à l'huile sur toile, la peinture emploie une composition verticale qui place les deux figures entrelacées sur un fond sombre et indéfini, avec une lueur atmosphérique diffuse dans le coin supérieur gauche. La nude Déjanire présente une peau claire et des cheveux dorés relevés par un voile translucide verdâtre. Son corps se tord pour s'éloigner du musculeux et barbu Nessus, qui s'agenouille sur son genou droit et presse son visage contre son flanc tout en lui enserrant la taille. Déjanire tire un drap blanc entre eux, et une draperie rouge tombe derrière elle. La palette repose sur des tons chair chauds, des bruns profonds et des verts atténués, la figure masculine étant rendue dans des teintes orangées-brun chaudes. Un fort chiaroscuro modèle les formes alors que la lumière tombe de la gauche. Le traitement de la peinture est visible et fluide dans les étoffes et le fond, contrastant avec une finition lisse et polie sur la peau, marques distinctives du style baroque de l'atelier de Rubens.

La chaîne exacte de propriétaires du tableau de l'Ermitage reste non spécifiée dans les documents disponibles, bien que son attribution à l'atelier de Rubens place sa création à Anvers vers 1630. Une esquisse autographe à l'huile étroitement liée, réalisée par Rubens, l'Abduction of Dejanira by Nessus, offre un parallèle de provenance. Cette esquisse sur panneau de chêne passa par descendance dans la noblesse espagnole, apparaissant dans l'inventaire posthume de 1737 du 6e duc de Pastrana. Elle entra ensuite dans la collection de George Augustus Wallis en Espagne avant de passer par une vente de succession à Berlin en 1895. Acquise par un collectionneur privé, elle descendit à Hope Taylor, qui la vendit chez Sotheby's en 2000. Jordan et Thomas A. Saunders III l'acquirent, la prêtant à des expositions au Bruce Museum, au Berkeley Art Museum, au Cincinnati Art Museum et au Virginia Museum of Fine Arts entre 2004 et 2025.

La composition illustre l'accent mis par le mouvement baroque sur le mouvement, la couleur et la sensualité, que Rubens défendit en fusionnant le réalisme flamand avec les traditions de la Renaissance italienne. La représentation de ce mythe posait des défis compositionnels distincts aux artistes, principalement comment agencer le centaure, la femme enlevée et l'éloigné Héraclès dans un espace cohérent. Le tableau d'atelier de l'Ermitage résout cette difficulté en adoptant un point de vue depuis la rive d'Héraclès, faisant courir le centaure à travers le plan pictural de sorte que sa poitrine reste exposée à la flèche imminente. Cette approche contraste avec les traitements antérieurs de Véronèse et du Reni, qui peinaient avec la profondeur spatiale ou les trajectoires des flèches. La solution de Rubens offrit un modèle dynamique et formellement résolu qui surmonta les contrConstraint narrative qui avaient troublé les peintres précédents.