Nesso e Deianira

Eseguito a olio su tela, il dipinto adotta una composizione verticale che colloca le due figure intrecciate contro uno sfondo scuro e indefinito, con una debole luce atmosferica in alto a sinistra. La nuda Deianira presenta una pelle chiara e capelli biondi raccolti verso l'alto da un velo traslucido verdastro. Il suo corpo si torce allontanandosi dal muscoloso e barbuto Nesso, che è inginocchiato sul ginocchio destro e preme il viso contro il suo fianco mentre le afferra la vita. Deianira tira un panno bianco tra di loro e una drapperia rossa cade alle sue spalle. La tavolozza si basa su toni caldi della carne, marroni profondi e verdi spenti, con la figura maschile resa in tonalità arancio-marrone calde. Un forte chiaroscuro modella le forme mentre la luce proviene da sinistra. La pennellata è visibile e fluida nei tessuti e nello sfondo, in contrasto con una finitura liscia e levigata sulla pelle, tratti distintivi dello stile barocco della bottega di Rubens.

La catena esatta di proprietà del dipinto dell'Ermitage rimane non specificata nei registri disponibili, sebbene la sua attribuzione alla scuola di Rubens collochi la sua creazione ad Anversa intorno al 1630. Una bozza a olio autografa strettamente correlata di Rubens, il Rapimento di Deianira da parte di Nesso, offre un parallelo di provenienza. Tale bozza su tavola di quercia passò attraverso la nobiltà spagnola, apparendo nell'inventario postumo del 1737 del sesto duca di Pastrana. Entrò successivamente nella collezione di George Augustus Wallis in Spagna prima di passare attraverso una vendita di beni a Berlino nel 1895. Acquistata da un collezionista privato, passò a Hope Taylor, che la vendette da Sotheby's nel 2000. Jordan e Thomas A. Saunders III la acquisirono, prestandola a mostre presso il Bruce Museum, il Berkeley Art Museum, il Cincinnati Art Museum e il Virginia Museum of Fine Arts tra il 2004 e il 2025.

La composizione esemplifica l'enfasi del movimento barocco sul movimento, il colore e la sensualità, che Rubens sostenne fondendo il realismo fiammingo con le tradizioni del Rinascimento italiano. Raffigurare questo mito poneva sfide compositive distinte per gli artisti, principalmente su come disporre il centauro, la rapita e il lontano Eracle all'interno di uno spazio coerente. Il dipinto di bottega dell'Ermitage risolve questo problema adottando un punto di vista dalla riva di Eracle, girando il centauro in modo che corra attraverso il piano pittorico così che il suo petto rimanga esposto alla freccia in arrivo. Questo approccio contrasta con le trattazioni precedenti di Veronese e Reni, che faticavano con la profondità spaziale o le traiettorie delle frecce. La soluzione di Rubens fornì un modello dinamico e formalmente risolto che navigava i vincoli narrativi che avevano turbato i pittori precedenti.