Lexington Battle Monument

Ausgeführt in Öl auf Leinwand, verwendet das Gemälde gesättigte Grüntöne, Blautöne und Weißtöne, die durch Akzente in Rot und Gelb unterbrochen werden. Der Künstler setzt flache, stilisierte Formen mit minimalem Modellierung, glatter Pinseltechnik und ohne tiefe Schatten ein, was zu einem gleichmäßigen, dekorativen Effekt über die gesamte horizontale Landschaft führt. Die Komposition ist um kontrastierende vertikale und horizontale Elemente strukturiert: Der zentrale Obelisk steht zwischen zwei üppig grünen Bäumen, während weiße Picketzäune und Holzzäune sich durch den Mittelgrund und Vordergrund erstrecken. Die Leinwandoberfläche weist im gesamten Bereich sichtbare Risse auf. Das Werk bleibt un signiert.

Das Werk wird als aus Massachusetts stammend verzeichnet. Edgar William und Bernice Chrysler Garbisch erwarben das Gemälde 1948 und schenkten es 1953 der National Gallery of Art. Nach seiner Aufnahme in die Sammlung wurde das Gemälde 1954 und 1955 in frühen Ausstellungen der Garbisch-Sammlung gezeigt. Später diente es als langfristige Leihgabe an verschiedene Regierungsstellen, darunter das US-Justizministerium von 1961 bis 1973, die US-Botschaft in Brunei von 1990 bis 1991, das US-Energieministerium von 1999 bis 2001 sowie das US-Amt für Veteranenangelegenheiten in den Jahren 2007 und 2008. Zudem wurde es von 1976 bis 1982 an das Utah Museum of Fine Arts verliehen, 1985 im Terra Museum of American Art ausgestellt und von 2015 bis 2017 in einer bedeutenden internationalen Ausstellung über archaische Unschuld in Venedig und Paris gezeigt.

Das Gemälde wird der Tradition der amerikanischen naiven Malerei zugeordnet, eine Klassifizierung, die durch seine Aufnahme in den systematischen Katalog der National Gallery of Art über amerikanische naive Malerei sowie durch seine Präsentation in der Ausstellung Two Centuries of Naive Painting im Terra Museum of American Art im Jahr 1985 gestützt wird. Seine flache Stilistik, die dekorative Farbpalette und das Fehlen einer akademischen Perspektive entsprechen den volkskünstlerischen Praktiken der Epoche. Die spätere Einbeziehung in die Ausstellung Le Douanier Rousseau: L'innocence archaique in Venedig und Paris von 2015 bis 2017 verortet das Werk zudem im weiteren kunsthistorischen Kontext archaischer und autodidaktischer Kunsttraditionen und zieht Parallelen zwischen der amerikanischen naiven Malerei und europäischen Primitiven.