About this work

Tema y Significado

Su luminosidad y paleta alegre han sido interpretadas como una alusión al reinado ilustrado de Carlos III de España.

La pintura representa a una joven sentada en el suelo sosteniendo un abanico cerrado, con un pequeño perro acurrucado en su regazo, mientras un joven se encuentra detrás de ella protegiéndole el rostro con un quitasol. La mujer viste un traje de estilo francés de la época en satén azul y amarillo, mientras que el joven aparece estilizado como un majo, con el cabello recogido en una red y un cinturón de seda colorido, lo que señala su identidad de clase baja. El emparejamiento de una maja y un majo en un intercambio amoroso inocente fue un tema popular de la época.

Según la especialista en Goya, Manuela B. Mena Marqués, el artista aquí "abandona el campo del folclore y describe el juego eterno de la seducción femenina". La composición se interpreta como una disposición piramidal, con el quitasol filtrando una luz de tono verde sobre el rostro de la mujer, el cual se ilumina desde abajo por el reflejo de su vestido amarillo. Las dos figuras fueron modeladas a partir de las deidades Voltumna y Pomona, tradicionalmente representadas como pareja, recordando la pintura de Jean Ranc Vertumne et Pomone.

La obra irradia una calidez serena contrarrestada por nubes oscuras y árboles inclinados que sugieren una tormenta inminente, mientras que la postura triunfal del hombre indica que protege heroicamente a su compañera. Su luminosidad y paleta alegre han sido interpretadas como una alusión al reinado ilustrado de Carlos III de España.

Técnica y Estilo

Ejecutada en 1777, la obra es un óleo sobre lienzo de 104 × 152 cm. La composición se organiza en una disposición piramidal que centra la atención en la mujer sentada, cuyo rostro está suavemente modelado por la luz filtrada que atraviesa el quitasol verde situado encima. La paleta emplea tonos brillantes y resonantes: satén azul y amarillo saturado para el vestido de la mujer, un quitasol verde y un pequeño perro negro, todo ello sobre un fondo escaso de follaje agitado por el viento bajo un cielo cargado de tormenta. La ejecución de Goya es fluida y directa, con amplios campos de color luminosos y un toque ligero que transmite espontaneidad en lugar de un acabado minucioso. La calidez serena de la escena contrasta con la agitación brumosa de los árboles, aunque las figuras permanecen equilibradas dentro de un encuadre controlado, casi teatral, que anticipa la colocación prevista del tapiz en lo alto de una pared.

Historia y Procedencia

Pintada por Francisco Goya en 1777, El Quitasol fue creada como cartón para un tapiz destinado al comedor del Príncipe y la Princesa de Asturias en el Palacio Real de El Pardo. Goya ejecutó la obra entre el 3 de marzo y el 12 de agosto de 1777, entregando el lienzo a la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara en Madrid en esta última fecha. Aunque originalmente designado para el comedor de San Lorenzo de El Escorial, la serie de tapices se instaló finalmente en el palacio de El Pardo. La pintura se consideró perdida hasta 1869, cuando fue redescubierta en el sótano del Palacio Real de Madrid por Gregorio Cruzada Villaamil. Entró oficialmente en la colección del Museo del Prado en 1870 tras las órdenes reales emitidas en enero y febrero de ese año. El Quitasol ha formado parte de la colección del Museo del Prado en Madrid desde 1870. Antes de esta adquisición, la pintura se almacenó en la bodega del Palacio Real de Madrid durante 1856 y 1857 antes de ser redescubierta en 1869. Fue transferida formalmente al museo mediante órdenes emitidas en enero y febrero de 1870 y apareció por primera vez en el catálogo del museo en 1876. Dentro del Prado, la obra se exhibe en la Sala 086 (también referida como Sala 85). En cuanto a su historia expositiva, la pintura fue presentada en "Goya Prophet der Moderne", que viajó desde la Alte Nationalgalerie de Berlín hasta el Kunsthistorisches Museum de Viena entre 2005 y 2006. También se incluyó en la exposición "Goya en Madrid. Cartones para tapices 1775-1794", celebrada en el Museo del Prado desde finales de 2014 hasta mayo de 2015.

Contexto

Pintada entre el 3 de marzo y el 12 de agosto de 1777, fecha en que fue entregada a la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, El Quitasol pertenece a la segunda serie de cartones para tapices que Goya produjo para el comedor del Príncipe y la Princesa de Asturias en el Palacio Real de El Pardo. La pintura fue subestimada en su momento, recibiendo un pago modesto probablemente debido a su limitado elenco de figuras y su paisaje escaso. Considerada perdida, fue redescubierta en 1869 por Gregorio Cruzada Villaamil en el sótano del Palacio Real de Madrid e ingresó en el Museo del Prado en 1870, apareciendo en su catálogo para 1876. Los estudiosos sitúan la obra dentro del periodo formativo de Goya dedicado a los cartones para tapices (1775-1792), que perfeccionó su observación de la vida cotidiana e impulsó su carrera cortesana, lo que llevó a su elección en la Real Academia de San Fernando en 1780. Manuela B. Mena Marqués interpreta la pintura como una obra que trasciende el folclore para representar el "juego eterno de la seducción femenina", mientras que comentaristas italianos destacan su composición piramidal y la ejecución espontánea del pigmento rojo puro, cualidades que la vinculan con la paleta italianizante de Corrado Giaquinto y prefiguran prácticas posteriores del Romanticismo e incluso del Impresionismo.

Legado

El Quitasol ha sido celebrado como una piedra angular de la madurez temprana de Goya y un ejemplo definitorio de su práctica de cartones para tapices, cimentando su reputación como modernizador de la pintura de género española. Tras su transferencia al Museo del Prado en 1870, la obra ingresó en las salas permanentes del museo y desde entonces ha sido presentada en importantes retrospectivas de Goya, incluidas "Goya Prophet der Moderne" (2005) en Berlín y Viena, y "Goya en Madrid. Cartones para tapices 1775-1794" (2014-15) en el Prado, reforzando su estatus canónico dentro del arte español del siglo XVIII. Los críticos han subrayado repetidamente su magistral manejo de la luz, su color saturado y el sutil juego social entre la maja y el majo, elementos que prefiguran los logros posteriores de Goya en el retrato y la crítica social.