About this work

Sujet et signification

Mena Marqués, spécialiste de Goya, l'artiste ici "quitte le domaine du folklore et décrit l'éternel jeu de la séduction féminine.

Le tableau représente une jeune femme assise sur le sol tenant un éventail fermé, un petit chien blotti dans son giron, tandis qu'un jeune homme se tient derrière elle et lui abrite le visage avec un parasol. La femme porte une robe de style français de l'époque en satin bleu et jaune, alors que le jeune homme est habillé en majo, les cheveux rassemblés dans un filet et une ceinture de soie colorée, signes de sa condition populaire. L'association d'une maja et d'un majo dans un échange amoureux innocent était un thème en vogue à l'époque.

Selon Manuela B. Mena Marqués, spécialiste de Goya, l'artiste ici "quitte le domaine du folklore et décrit l'éternel jeu de la séduction féminine." La composition s'interprète comme un agencement pyramidal, le parasol filtrant une lumière teintée de vert sur le visage de la femme, lui-même éclairé par en dessous par le reflet de sa robe jaune. Les deux figures ont été modelées sur les divinités Voltumna et Pomona, traditionnellement représentées en couple, évoquant le tableau de Jean Ranc Vertumne et Pomone.

L'œuvre irradie une chaleur paisible contrebalancée par des nuages sombres et des arbres penchés qui laissent présager un orage approchant, tandis que la posture triomphante de l'homme suggère qu'il protège héroïquement sa compagne. Sa luminosité et sa palette joyeuse ont été interprétées comme une allusion au règne éclairé de Charles III d'Espagne.

Technique et style

Exécutée en 1777, l'œuvre est une huile sur toile mesurant 104 × 152 cm. La composition s'organise selon un agencement pyramidal qui concentre l'attention sur la femme assise, dont le visage est doucement modelé par la lumière filtrée à travers le parasol vert au-dessus. La palette emploie des teintes vives et résonnantes, un satin bleu et jaune saturé pour la robe de la femme, un parasol vert et un petit chien noir, sur un arrière-plan peu profond de feuillage agité par le vent sous un ciel orageux. Le traitement de Goya est fluide et direct, avec de larges champs colorés lumineux et une touche légère qui confère spontanéité plutôt qu'une finition méticuleuse. La chaleur paisible de la scène est contrastée par l'agitation venteuse des arbres, mais les figures restent posées dans un cadrage contrôlé, presque théâtral, qui anticipe le placement prévu de la tapisserie haut sur un mur.

Histoire et provenance

Peint par Francisco Goya en 1777, Le Parasol (El Quitasol) fut créé comme carton pour tapisserie destinée à la salle à manger du Prince et de la Princesse des Asturies au Palais Royal du Pardo. Goya exécuta l'œuvre entre le 3 mars et le 12 août 1777, livrant la toile à la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara à Madrid à cette dernière date. Bien qu'originellement destinée à la salle à manger de San Lorenzo de El Escorial, la série de tapisseries fut finalement installée au palais du Pardo. Le tableau fut considéré comme perdu jusqu'en 1869, date à laquelle il fut redécouvert dans les sous-sols du Palais Royal de Madrid par Gregorio Cruzada Villaamil. Il entra officiellement dans les collections du Museo del Prado en 1870 suite à des ordonnances royales émises en janvier et février de cette année. Le Parasol fait partie des collections du Museo del Prado à Madrid depuis 1870. Avant cette acquisition, le tableau fut stocké dans la cave du Palais Royal de Madrid durant 1856 et 1857 avant d'être redécouvert en 1869. Il fut formellement transféré au musée par ordonnances émises en janvier et février 1870 et apparu pour la première fois dans le catalogue du musée en 1876. Au sein du Prado, l'œuvre est exposée dans la Salle 086 (également référencée comme Salle 85). Concernant son historique d'exposition, le tableau fut présenté dans "Goya Prophet der Moderne," qui voyagea de l'Alte Nationalgalerie de Berlin au Kunsthistorisches Museum de Vienne entre 2005 et 2006. Il fut également inclus dans l'exposition "Goya en Madrid. Cartones para tapices 1775-1794," tenue au Museo del Prado de fin 2014 à mai 2015.

Contexte

Peint entre le 3 mars et le 12 août 1777, date de sa livraison à la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, Le Parasol appartient à la seconde série de cartons pour tapisseries que Goya produisit pour la salle à manger du Prince et de la Princesse des Asturies au Palais Royal du Pardo. Le tableau fut sous-évalué à l'époque, recevant une rémunération modeste probablement en raison de son nombre limité de figures et de son paysage épuré. Considéré comme perdu, il fut redécouvert en 1869 par Gregorio Cruzada Villaamil dans les sous-sols du Palais Royal de Madrid et entra au Museo del Prado en 1870, apparaissant dans son catalogue dès 1876. Les spécialistes situent l'œuvre dans la période formative des cartons pour tapisseries de Goya (1775-1792), qui aiguisa son observation de la vie quotidienne et lança sa carrière de cour, conduisant à son élection à l'Académie royale de San Fernando en 1780. Manuela B. Mena Marqués lit le tableau comme transcendant le folklore pour dépeindre "l'éternel jeu de la séduction féminine," tandis que les commentateurs italiens soulignent sa composition pyramidale et le traitement spontané du pigment rouge pur, qualités qui le lient à la palette italianisante de Corrado Giaquinto et préfigurent les pratiques romantiques et même impressionnistes ultérieures.

Postérité

Le Parasol est célébré comme une pierre de touche de la première maturité de Goya et un exemple définiant de sa pratique des cartons pour tapisseries, ancrant sa réputation de modernisateur de la peinture de genre espagnole. Après son transfert au Museo del Prado en 1870, l'œuvre entra dans les galeries permanentes du musée et a depuis été présentée dans les grandes rétrospectives Goya, incluant "Goya Prophet der Moderne" (2005) à Berlin et Vienne et "Goya en Madrid. Cartones para tapices 1775-1794" (2014-15) au Prado, renforçant son statut canonique au sein de l'art espagnol du XVIIIe siècle. Les critiques ont souligné à maintes reprises sa lumière magistrale, sa couleur saturée et son subtil jeu social entre maja et majo, éléments qui préfigurent les réalisations ultérieures de Goya dans le portrait et la critique sociale.