About this work

Aperçu

Mesurant 243 par 246 centimètres, le panneau est constitué de dix planches collées verticalement renforcées par deux traverses horizontales.

L'Adoration des Mages est une peinture religieuse inachevée du maître de la Renaissance italienne Leonardo da Vinci, datée de 1482. Conçue comme un retable pour les moines augustins de San Donato in Scopeto près de Florence, l'œuvre fut abandonnée lorsque Leonardo quitta pour Milan la même année, laissant la composition largement au stade du dessin préparatoire sous-jacent. Mesurant 243 par 246 centimètres, le panneau est constitué de dix planches collées verticalement renforcées par deux traverses horizontales. La peinture entra à la Galerie des Offices à Florence vers 1670, où elle se trouve toujours, dans la Salle 15. Son écart radical par rapport aux représentations traditionnelles du sujet marque un moment pivot de l'art de la Renaissance, remplaçant les défilés processionnels par une composition dynamique et tourbillonnante centrée sur la Vierge et l'Enfant.

Sujet et signification

L'œuvre représente la Vierge Marie et l'Enfant Jésus formant une composition triangulaire stricte au centre, entourés de Mages agenouillés et d'un demi-cercle de spectateurs. Leonardo rompit avec les processions horizontales traditionnelles en plaçant les figures dans un théâtre en plein air où le mouvement spirale constamment vers le groupe central. L'arrière-plan juxtapose les mondes chrétien et païen. À gauche, des ouvriers réparent les ruines d'un édifice païen, peut-être la basilique de Maxence, que la légende médiévale affirmait s'être effondrée à la naissance du Christ. À droite, une bataille entre cavaliers fait rage, interprétée diversement comme un symbole de la folie bestiale de l'humanité, l'animosité entre les différentes patries des Mages, ou la défaite de l'ignorance et de la violence selon la doctrine augustinienne. Deux arbres proéminents séparent le premier plan de l'arrière-plan. Le palmier représente la Vierge et le triomphe du martyre, tandis que le caroubier, dont les graines servaient historiquement à mesurer les pierres précieuses, symbolise le Christ comme roi des rois et le don de la nature à l'enfant nouveau-né.

Technique et style

Exécutée sur un grand panneau de bois, l'œuvre utilise une combinaison de charbon, d'encre, d'aquarelle et de peinture à l'huile. La surface présente une apparence presque monochrome dominée par des bruns chauds, des ocres et des tons terreux atténués, avec des passages plus clairs illuminant les figures centrales sur un fond plus sombre. La touche de Leonardo varie considérablement sur la surface. Le groupe central est rendu avec une touche lisse, tandis que l'arrière-plan présente des coups de pinceau libres et gestuels. La peinture reste largement inachevée, avec des passages entièrement modelés coexistant avec des esquisses préparatoires et un dessin sous-jacent visible. De forts contrastes entre lumière et ombre créent une profondeur spatiale. La composition globale fut fortement influencée par l'Ensevelissement du Christ de Rogier van der Weyden, empruntant spécifiquement l'horizon élevé, le point de vue légèrement surélevé et le groupe figuratif central posé devant une formation rocheuse. L'accent de Leonardo sur les gestes expressifs et les mains animées reflète ses propres écrits théoriques sur la peinture, visant à révéler les intentions intérieures de ses figures.

Histoire et provenance

Leonardo reçut la commande du retable des moines de San Donato in Scopeto vers 1480 ou 1481, probablement par l'intermédiaire de son père, Ser Piero da Vinci, qui servait de notaire au couvent. Un contrat précis aux Archives d'État de Florence stipulait un délai de livraison de 24 à 30 mois. De manière unique, le peintre était tenu de payer 150 florins pour la dot d'une fille nommée Salvestro di Giovanni, avec les couleurs et l'or à ses propres frais, en échange de 300 florins et d'un tiers d'un terrain dans la Val d'Elsa. Leonardo quitta Florence pour Milan en 1482, laissant l'œuvre inachevée. Les moines commandèrent finalement un remplacement à Filippino Lippi en 1496. Le couvent lui-même fut détruit lors du siège de Florence en 1529. Giorgio Vasari nota plus tard avoir vu le panneau de Leonardo dans la collection d'Amerigo Benci. Il passa ensuite dans la collection Médicis à la Villa di Castello avant d'entrer définitivement à la Galerie des Offices vers 1670. Une restauration majeure par l'Opificio delle Pietre Dure eut lieu entre octobre 2012 et mars 2017, éliminant des siècles de saleté et de vieux vernis pour révéler le dessin sous-jacent original.

Contexte

L'Adoration des Mages représente la première grande commande de Leonardo et une réponse directe aux traitements antérieurs du thème par des contemporains comme Sandro Botticelli. En abaissant la Vierge et les Mages pour accorder à l'arrière-plan un rôle dominant, Leonardo redéfinisit les possibilités spatiales et narratives du sujet. En 2002, le diagnosticien artistique Maurizio Seracini mena une vaste enquête technique utilisant des scans numériques haute résolution, la thermographie, les ultrasons, les ultraviolets et les infrarouges, produisant plus de 2 400 enregistrements photographiques infrarouges détaillés. Seracini conclut qu'aucune des peintures visibles à la surface n'avait été appliquée par Leonardo, affirmant que seul le dessin sous-jacent est de lui, tandis qu'un artiste ultérieur inconnu ajouta la peinture et le vernis pour rendre le panneau vendable. Seracini conjectura que les moines avaient initialement rejeté le scénario sensationnel de Leonardo avec des figures émaciées et une bataille en arrière-plan, reléguant le panneau au stockage jusqu'à sa résurrection et sa surpeinture ultérieures. Malgré ce débat, la puissance de la composition fut immédiatement ressentie, influençant profondément les figures penchées et agenouillées de Raphaël dans la Dispute du Saint-Sacrement dans les Stanze du Vatican.

Héritage

La structure compositionnelle radicale du panneau exerça une influence profonde sur l'art de la Renaissance, résonnant dans les œuvres de Filippino Lippi, qui adopta son mouvement dynamique pour son propre Adoration ultérieure, et de Domenico Ghirlandaio, qui développa la composition pour son Adoration de 1488 à l'Ospedale degli Innocenti. L'esquisse préfigure également plusieurs thèmes futurs de Leonardo, avec les chevaux combattants anticipant la Bataille d'Anghiari, la Vierge annonçant la Vierge aux Rochers, et la figure levant un index contre un arbre annonçant son futur Saint Jean-Baptiste. Les variations tonales nuancées de la surface captivèrent les publics ultérieurs, certains critiques voyant dans l'œuvre un précurseur de l'utilisation de la lumière et de l'ombre par Rembrandt. Dans la culture moderne, la peinture connut une vie cinématographique, figurant de manière proéminente lors de la séquence d'ouverture du dernier film d'Andrei Tarkovsky, Le Sacrifice, accompagné du segment Erbarme dich de la Passion selon saint Matthieu de Bach.