Artwork

A Boy with a Flying Squirrel (Henry Pelham)

A Boy with a Flying Squirrel (Henry Pelham) is an oil painting by the Rococo painting artist John Singleton Copley. It dates from 1765 and is held in the collection of the Museum of Fine Arts Boston.

About this work

Visión general

A Boy with a Flying Squirrel (Henry Pelham) es un retrato al óleo sobre lienzo de 1765 realizado por el pintor de origen estadounidense John Singleton Copley.

A Boy with a Flying Squirrel (Henry Pelham) es un retrato al óleo sobre lienzo de 1765 realizado por el pintor de origen estadounidense John Singleton Copley. Con unas dimensiones de 77.15 por 63.82 cm, la obra representa a Henry Pelham, medio hermano adolescente de Copley, sentado ante una mesa pulida con una ardilla voladora mascota sujeta por una cadena de oro. Actualmente custodiada por el Museum of Fine Arts, Boston, la pieza ocupa una posición pivotal tanto en la trayectoria de Copley como en la historia más amplia del arte estadounidense. Pintada en Boston como una prueba deliberada de la capacidad de Copley para cumplir con los estándares europeos, fue enviada a Londres para la exposición de 1766 de la Society of Artists of Great Britain, donde atrajo una atención crítica significativa y ayudó a consolidar la reputación internacional de Copley.

Sujeto y significado

El modelo, Henry Pelham, nació en 1749, hijo de la madre viuda de Copley y de su segundo esposo, Peter Pelham. Bajo la tutela de Copley, Pelham se convirtió en pintor, grabador y en el administrador y asistente de negocios de su medio hermano. La propia ardilla voladora posee un significado estratificado. En el retrato colonial estadounidense, las ardillas encadenadas sostenidas por mujeres y niños eran símbolos convencionales de refinamiento y educación; la domesticación exitosa de tal criatura demostraba la capacidad del propietario para civilizar la naturaleza. La presencia de la ardilla señala, por tanto, el estatus social y el carácter cultivado de Pelham. Detalles iconográficos adicionales refuerzan esta interpretación: la ardilla se muestra rompiendo una nuez, un gesto que en el arte colonial estadounidense simbolizaba la paciencia y la perseverancia. Una pequeña carta de juego, el cinco de diamantes, aparece en la esquina inferior derecha de los pliegues del drapeado, aunque su significado específico sigue abierto a la interpretación. La cadena de oro que une a la ardilla con la mano de Pelham subraya aún más las afirmaciones de superioridad social, mientras que el vaso de vidrio transparente con agua junto a la cadena añade al cuadro de la domesticidad cultivada.

Técnica y estilo

Copley ejecutó el retrato al óleo sobre lienzo, empleando una paleta centrada en el carmesí saturado, el azul profundo, el amarillo cálido y el rosa sobre marrones oscuros. La luz entra desde la izquierda, iluminando el rostro, las manos y la ardilla, mientras proyecta sombras suaves. La pincelada es suave y refinada, con una atención cuidadosa a las texturas de la tela, el pelaje y la veta de la madera. El artista representó el drapeado rojo en pliegues profundos detrás de la figura, la mesa de caoba altamente pulida y los delicados reflejos en el vaso de agua con una precisión particular. Se prestó una atención especial a la ardilla, notablemente en la portrayal meticulosa de sus ojos y la membrana de planeo. Copley adaptó su estilo para atraer a los espectadores ingleses idealizando el rostro del modelo mientras mantenía un realismo preciso para los detalles materiales. El examen técnico ha revelado que el artista ajustó cuidadosamente las proporciones y modificó ciertos elementos, incluida la mesa y los brazos, para lograr un equilibrio compositivo.

Historia y procedencia

Copley completó la pintura a principios del otoño de 1765 en Boston, con la intención de dirigirla a un público londinense. Consciente de los riesgos del transporte transatlántico, había perdido previamente pasteles en un naufragio esa misma primavera. Para esta obra, reunió un equipo profesional para garantizar un paso seguro; la pintura cruzó como parte del equipaje del señor Roger Hale. Hale la entregó al capitán R. G. Bruce en Londres, quien la llevó al estudio de Sir Joshua Reynolds. Benjamin West la examinó con antelación y, a pesar de la atribución perdida, dedujo su origen estadounidense por el bastidor de pino americano. Una carta de Copley confirmó finalmente la autoría, aunque la obra aún fue etiquetada erróneamente como de "el señor William Copley, de Boston, Nueva Inglaterra" en la exposición de la Society of Artists en 1766. Tras la exposición, la Sociedad eligió a Copley como miembro y lo animó a viajar a Londres para su formación. La pintura ingresó posteriormente en la colección del Museum of Fine Arts, Boston, donde permanece. También ha sido exhibida en la National Gallery of Art.

Contexto

Para 1765, Copley se había establecido como el principal retratista de la élite mercantil de Boston, aunque seguía siendo en gran parte autodidacta y nunca había salido de Nueva Inglaterra. Aspiraba a convertirse en un pintor de historia al estilo europeo y utilizó esta obra para probar si su arte cumplía con los estándares ingleses. La pintura pertenece a una tradición colonial estadounidense más amplia de limners, marcada por lo que la historiadora del arte Barbara Novak ha descrito como una preocupación "primitiva" por la exactitud combinada con un deseo "arcaico" de penetrar el misterio de la pintura de la corte británica. Copley no estaba solo en su motivo de la ardilla: solo en 1765 produjo otras dos pinturas de ardillas, Mrs. Theodore Atkinson y Boy with a Squirrel, John Bee Holmes, y más tarde incluyó una ardilla en su retrato de 1771 de Daniel C. Verplanck. Según el crítico Henry Theodore Tuckerman, Copley conocía íntimamente la historia natural de la ardilla voladora y mantenía varias ardillas voladoras como mascotas. El historiador del arte Alfred Neumeyer situó la convención del niño con un animal dentro de la práctica europea desde el siglo XVII, señalando su función para representar a sujetos dedicados a actividades de ocio habituales.

Legado

La recepción londinense de 1766 resultó decisiva para la carrera de Copley. Joshua Reynolds elogió la obra como una "very wonderfull Performance", aunque señaló "a little Hardness in the Drawing, Coldness in the Shades, An over minuteness". Reynolds aconsejó que Copley necesitaba una formación adecuada antes de que su "Manner and Taste" se corrompieran o fijaran trabajando de "[su] little way at Boston". A pesar de esta crítica calificada, los elogios generales de Reynolds y contemporáneos como Benjamin West, quien exclamó "What delicious coloring! worthy of Titian himself!", confirmaron el potencial internacional de Copley. Posteriormente, historiadores y críticos han evaluado la pintura como un punto de inflexión en la carrera de Copley y un hito en la historia del arte estadounidense. La obra ha atraído una atención académica sostenida, incluidas observaciones de la historiadora Jennifer Rogers sobre los sutiles ecos formales entre la oreja del niño, la membrana de la ardilla, el espaciado de los dedos, el vaso de agua y los pliegues del drapeado. El neurólogo Geoffrey Schott también ha examinado estas correspondencias percibidas, aunque su carácter intencional sigue siendo debatido.