Artwork

Um Menino com um Esquilo-Voador (Henry Pelham)

Um Menino com um Esquilo-Voador (Henry Pelham) is an oil painting by the Rococo painting artist John Singleton Copley. It dates from 1765 and is held in the collection of the Museum of Fine Arts Boston.

About this work

Visão Geral

Um Menino com um Esquilo-Voador (Henry Pelham) é um retrato a óleo sobre tela de 1765, do pintor nascido nos Estados Unidos John Singleton Copley.

Um Menino com um Esquilo-Voador (Henry Pelham) é um retrato a óleo sobre tela de 1765, do pintor nascido nos Estados Unidos John Singleton Copley. Medindo 77,15 por 63,82 cm, a obra retrata Henry Pelham, meio-irmão adolescente de Copley, sentado em uma mesa polida com um esquilo-voador de estimação preso por uma corrente dourada. Atualmente mantido pelo Museum of Fine Arts, Boston, o trabalho ocupa uma posição pivotal tanto na carreira de Copley quanto na história mais ampla da arte americana. Pintado em Boston como um teste deliberado da capacidade de Copley de atender aos padrões europeus, foi enviado a Londres para a exposição de 1766 da Society of Artists of Great Britain, onde recebeu atenção crítica significativa e ajudou a estabelecer a reputação internacional de Copley.

Tema e Significado

O retratado, Henry Pelham, nasceu em 1749, filho da mãe viúva de Copley e de seu segundo marido, Peter Pelham. Sob a tutela de Copley, Pelham tornou-se pintor, gravador e gerente de negócios e assistente de seu meio-irmão. O próprio esquilo-voador carrega significados em camadas. Na pintura de retratos colonial americana, esquilos acorrentados segurados por mulheres e crianças eram símbolos convencionais de refinamento e educação; a domesticação bem-sucedida de tal criatura demonstrava a capacidade do proprietário de civilizar a natureza. A presença do esquilo, portanto, sinaliza o status social e o caráter cultivado de Pelham. Detalhes iconográficos adicionais reforçam essa leitura: o esquilo é mostrado quebrando uma noz, um gesto que na arte colonial americana simbolizava paciência e perseverança. Um pequeno cartão de jogo, o cinco de ouros, aparece no canto inferior direito da cortina, embora seu significado específico permaneça aberto à interpretação. A corrente dourada que prende o esquilo à mão de Pelham reforça ainda mais as afirmações de superioridade social, enquanto o copo de vidro transparente de água ao lado da corrente contribui para o cenário de domesticidade cultivada.

Técnica e Estilo

Copley executou o retrato a óleo sobre tela, empregando uma paleta centrada em carmesim saturado, azul profundo, amarelo quente e rosa sobre marrons escuros. A luz entra da esquerda, iluminando o rosto, as mãos e o esquilo, enquanto projeta sombras suaves. A pincelada é suave e refinada, com atenção cuidadosa às texturas de tecido, pelagem e grão de madeira. O artista renderizou a cortina vermelha em dobras profundas atrás da figura, a mesa de mogno altamente polida e os reflexos delicados no copo de água com precisão particular. Atenção especial foi dada ao esquilo, notadamente na representação meticulosa de seus olhos e membrana de voo. Copley adaptou seu estilo para agradar aos espectadores ingleses, idealizando o rosto do retratado enquanto mantinha realismo preciso para detalhes materiais. Exames técnicos revelaram que o artista ajustou cuidadosamente as proporções e modificou certos elementos, incluindo a mesa e os braços, para alcançar o equilíbrio composicional.

História e Procedência

Copley concluiu a pintura no início do outono de 1765 em Boston, destinando-a a um público londrino. Consciente dos riscos do transporte transatlântico, ele havia perdido anteriormente pastéis em um naufrágio naquela primavera. Para esta obra, reuniu uma equipe profissional para garantir uma passagem segura; a pintura cruzou como parte da bagagem do Sr. Roger Hale. Hale a entregou ao Capitão R. G. Bruce em Londres, que a levou ao estúdio de Sir Joshua Reynolds. Benjamin West a examinou antes e, apesar da atribuição perdida, deduziu sua origem americana a partir do suporte de pinho americano. Uma carta de Copley eventualmente confirmou a autoria, embora a obra ainda fosse rotulada incorretamente como de "Sr. William Copley, de Boston, Nova Inglaterra" na exposição da Society of Artists em 1766. Após a exposição, a Sociedade elegeu Copley como membro e o incentivou a vir a Londres para treinamento. A pintura posteriormente entrou na coleção do Museum of Fine Arts, Boston, onde permanece. Também foi exibida na National Gallery of Art.

Contexto

Em 1765, Copley já havia se estabelecido como o principal retratista da elite mercantil de Boston, mas permanecia em grande parte autodidata e nunca havia deixado a Nova Inglaterra. Ele aspirava tornar-se um pintor de história no estilo europeu e usou esta obra para testar se sua arte atendia aos padrões ingleses. A pintura pertence a uma tradição colonial americana mais ampla de limners, marcada pelo que a historiadora da arte Barbara Novak descreveu como uma preocupação "primitiva" com a exatidão combinada com um desejo "arcaico" de penetrar no mistério da pintura de corte britânica. Copley não estava sozinho em seu motivo de esquilo: apenas em 1765, ele produziu outras duas pinturas de esquilos, Sra. Theodore Atkinson e Menino com um Esquilo, John Bee Holmes, e mais tarde incluiu um esquilo em seu retrato de 1771 de Daniel C. Verplanck. Segundo o crítico Henry Theodore Tuckerman, Copley estava intimamente familiarizado com a história natural do esquilo-voador e mantinha vários esquilos-voadores de estimação. O historiador da arte Alfred Neumeyer situou a convenção da criança com animal dentro da prática europeia desde o século XVII, notando sua função na representação de sujeitos envolvidos em atividades de lazer habituais.

Legado

A recepção londrina de 1766 provou ser decisiva para a carreira de Copley. Joshua Reynolds elogiou a obra como uma "Performance muito maravilhosa", ao mesmo tempo que notava "um pouco de dureza no desenho, frieza nas sombras, um excesso de minúcia". Reynolds aconselhou que Copley precisava de treinamento adequado antes que seu "Método e Gosto" fossem corrompidos ou fixados trabalhando de "sua pequena maneira em Boston". Apesar dessa crítica qualificada, o elogio geral de Reynolds e contemporâneos como Benjamin West, que exclamou "Que coloração deliciosa! digna do próprio Ticiano!", confirmou o potencial internacional de Copley. Historiadores e críticos posteriores avaliaram a pintura como um ponto de virada na carreira de Copley e um marco na história da arte americana. A obra atraiu atenção acadêmica sustentada, incluindo observações da historiadora Jennifer Rogers sobre os ecos formais sutis entre a orelha do menino, a membrana do esquilo, o espaçamento dos dedos, o copo de água e as dobras da cortina. O neurologista Geoffrey Schott também examinou essas correspondências percebidas, embora seu status intencional permaneça debatido.