Un capo Puelchee e due giovani guerrieri

L'opera è eseguita a olio su cartoncino montato su cartone, un supporto caratteristico della Cartoon Collection. La superficie appare liscia con una pennellata accurata e la tavolozza è dominata da marroni terrosi, verdi spenti e tocchi di rosso e blu negli ornamenti piumati. Le ombre cadono direttamente sotto le figure, indicando un'illuminazione uniforme e diffusa dall'alto. La composizione orizzontale, incorniciata da un bordo verde con piccole etichette di carta recanti la scritta "477" al centro in alto e "A 383" in basso a sinistra, segue il formato che Catlin adottò per le opere catalogate nella sua seconda collezione. La resa è precisa piuttosto che pittorica, coerente con la funzione riproduttiva della Cartoon Collection, che Catlin basò su schizzi tratti dalle sue opere precedenti. Il catalogo della Smithsonian Institution elenca il mezzo come "olio su cartone", una lieve variazione terminologica che descrive la stessa struttura materiale.

Il dipinto è passato da George Catlin alle sue figlie, Clara Gregory Catlin, Louise Catlin Kinney ed Elizabeth Wing Catlin. Nel 1912, l'American Museum of Natural History acquistò l'opera da Elizabeth Wing Catlin, acquisendo le opere superstiti della Cartoon Collection. Il museo deaccessionò il dipinto nel 1959, vendendolo tramite Kennedy Galleries a New York al signor Paul Mellon di Upperville, in Virginia. Mellon, un importante collezionista e filantropo, donò l'opera alla National Gallery of Art nel 1965 come parte del suo dono di 351 opere dalla Cartoon Collection di Catlin. Il dipinto è stato elencato nei cataloghi della National Gallery sulla pittura americana nel 1970, 1980 e 1992.

George Catlin (1796-1872) è stato un avvocato, pittore e autore americano specializzato in ritratti di nativi americani. Dopo aver praticato brevemente la legge, si dedicò all'arte e, dopo un incontro con una delegazione tribale dal confine occidentale, si impegnò a preservare una registrazione delle usanze e degli individui nativi americani. Tra il 1830 e il 1836, visitò cinquanta tribù e produsse oltre 500 dipinti che divennero la sua prima Indian Gallery. Quando il Congresso rifiutò di acquistare questa collezione e Catlin affrontò debiti personali, fu costretto a venderla nel 1852 all'industriale Joseph Harrison. Catlin trascorse gli ultimi vent'anni della sua vita ricreando la sua collezione, producendo oltre 400 opere note come la Cartoon Collection, basate su schizzi tratti dalle sue opere precedenti. Dal 1852 al 1857, viaggiò attraverso il Sud e il Centro America, ampliando il suo soggetto per includere i popoli indigeni oltre il Nord America. Il dipinto dei Puelchee appartiene a questo periodo successivo di produzione, quando Catlin lavorava dalla memoria e da disegni esistenti piuttosto che dall'osservazione diretta. Il posto dell'opera nella storia dell'arte è complicato da questa relazione mediata con il suo soggetto, come gran parte della Cartoon Collection, eppure rimane un documento significativo del progetto etnografico, sebbene problematico, di Catlin.

L'eredità del dipinto è inseparabile dalla storia più ampia della Cartoon Collection di Catlin e dal suo acquisto da parte di importanti istituzioni americane. Quando Paul Mellon donò 351 opere di questa collezione alla National Gallery of Art nel 1965, assicurò la conservazione di un corpus di opere che altrimenti sarebbe stato disperso o perduto. L'inclusione ripetuta del dipinto nei cataloghi della National Gallery sulla pittura americana, nel 1970, 1980 e 1992, testimonia il suo posto all'interno della collezione permanente del museo. Come parte della Cartoon Collection, l'opera partecipa anche ai dibattiti accademici in corso sull'autenticità, l'accuratezza etnografica e il valore artistico delle immagini riprodotte di Catlin rispetto ai suoi dipinti originali degli anni 1830. Il soggetto del dipinto, il popolo Puelchee della regione a sud di Buenos Aires, ha attirato maggiore attenzione con la crescente interesse contemporaneo per le storie indigene del Sud America, sebbene l'opera stessa rifletta la prospettiva esterna di Catlin come artista americano in viaggio piuttosto che un coinvolgimento sostenuto con la comunità raffigurata.