성 바오로의 회심

이 작품은 캔버스에 유화로 제작되었으며, 이 매체는 파르미지아니노가 매끄럽게 섞인 붓터치와 질감 효과를 모두 구현할 수 있는 유연성을 제공했다. 표면 전체에 미세한 크라클레가 나타나며, 특히 살결 표현에 세심한 주의를 기울인 반면, 잎사귀와 하늘은 더 역동적으로 처리되었다. 색채 팔레트는 전경에서 짙은 녹색, 금색, 진홍색으로 포화되어 있으며, 원경으로 갈수록 차가운 파란색과 회색으로 물러난다. 양식적으로 이 그림은 파르미지아니노의 로마 이후 양식의 특징을 보여준다. 신장된 비례, 부풀어 오른 사지(특히 종아리와 허벅지), 그리고 미켈란젤로의 영향을 반영하지만 더 독창적이고 의도적으로 인공적인 것으로 재구성된 왜곡된 자세가 그것이다. 말 자체는 부풀어 오른 목, 작고 좁은 머리, 그리고 whimsical한 실선으로 축소된 고삐를 가진 뚜렷한 반자연주의적 성격을 보여주며, 담비 모피 안장은 사치스러운 과시를 더한다. 표면 전체에 퍼진 금색 하이라이트는 고르네상스 자연주의에서 벗어난 장식적 추상화에 기여한다. 잎이 무성한 나무, 언덕, 산으로 이루어진 풍경은 도소 도시와 북부 이탈리아 회화의 양식과 연결되며, 신성한 발광 주변에 붉은 색조가 감도는 어둡고 납빛 같은 하늘은 북부 영향력을 시사한다. 전체적인 효과는 의도적인 왜곡과 정제된 발명품으로, 매너리즘 감수성을 상징한다.

이 그림은 볼로냐 대학교에서 1523 년부터 해부학 교수를 지냈으며 이후 피우스 4 세의 의사가 된 파르마의 저명한 인물인 조반니 안드레아 알비오, 일명 조반니 안드레아 비안키의 의뢰로 제작되었다. 바사리는 1550 년판 《화가들의 생애》에서, 라모는 1560 년에 각각 알비오의 집에서 이 작품을 보았다고 기록하였다. 파르미지아니노와 마찬가지로 연금술사라는 평판을 가진 알비오는 예술의 중요한 후원자였으며, 자신의 저택을 위해 니콜로 델라바테에게 복잡한 정면 벽화를 의뢰하기도 했다. 1566 년 알비오가 사망한 후 이 그림은 파르마를 떠나 1608 년까지 마드리드의 조각가 폼페오 레오니의 소장품에 들어갔으며, 이는 그 해의 재고 목록에 기록되어 있다. 이 작품은 18 세기에 비엔나로 이관되어 결국 쿤스트히스토리슈 박물관에 들어갔으며, 게멜데갈러리에 소장 번호 2035 로 배정되었다. 1912 년에 처음 대중에게 공개되었다. 이 그림의 연대는 일반적으로 1527 년 로마 약탈 이후 볼로냐에 머무르던 파르미지아니노의 시기와 연관되어 있으며, 바사리의 지시를 확인하는 성 로코와 의뢰인 바로 직후로 설정된다.

성 바오로의 회심은 파르미지아니노 경력의 중요한 분기점에서 탄생했다. 화가는 1527 년 로마 약탈 당시 로마를 탈출하여 볼로냐에 정착했고, 그곳에서 성 로코와 의뢰인과 함께 이 작품을 제작했다. 이 그림은 특히 바티칸 스탄체의 라파엘로의 성전에서의 헬리오도로스 추방을 참조하여 쓰러진 몸의 비틀림을, 그리고 줄리오 로마노의 콘스탄티누스 전투를 참조하여 말의 근육질을 반영함으로써 로마의 마니에라 모데르나에 대한 그의 흡수를 보여준다. 코트홀드 인스티튜트 갤러리에 있는 두 개의 변형 드로잉과 런던의 실른 컬렉션에 있는 오래된 복사본을 포함한 준비 연구의 존재는 파르미지아니노가 구도를 개발하는 데 얼마나 세심한 주의를 기울였는지를 증명한다. 1527-1530 년으로 날짜가 표시된 펜과 잉크에 갈색 wash 와 흰색 하이라이트로 제작된 코트홀드 드로잉은 화가가 서사의 다른 순간들을 탐구하는 모습을 보여주며, 로마와 볼로냐 시기를 통틀어 그가 선호했던 매체를 보여준다. 볼로냐에서 안토니오 다 트레ント와 협력했던 파르미지아니노의 상황을 고려할 때, 이러한 연구들은 판화를 위한 모델리로서 의도되었을 가능성도 있다. 이 그림은 때때로 니콜로 델라바테의 작품으로 귀속되기도 했는데, 이는 이 세대의 에밀리아 예술가들 사이의 복잡한 상호 관계를 반영한다.

성 바오로의 회심은 파르미지아니노의 성숙한 양식과 주관적 발명과 감정적 강도를 선호하여 고르네상스의 균형을 초월하려는 광범위한 매너리즘 프로젝트의 결정적 선언으로 남아 있다. 이 작품의 명성은 바사리의 초기 문서화와 주요 유럽 소장품을 거친 중요한 후원자로부터의 연속적인 소장 이력에 의해 유지되어 왔다. 1912 년 쿤스트히스토리슈 박물관에서 대중에게 공개되기 시작한 이 작품은 16 세기 이탈리아 회화의 정전 안에서의 자리를 확고히 했다. 미술사학자들에게 이 그림은 매너리즘의 핵심에 있는 역설을 예시한다. 즉, 고조된 영적 표현을 위해 자연 형태의 의도적인 왜곡을 통해 달성된 변형적 정지와 생생한 운동의 동시적 묘사이다. 코트홀드 인스티튜트에 있는 준비 드로잉은 파르미지아니노의 작업 방식과 마니에라 모데르나에서 디세뇨의 역할을 조명하는 독자적인 연구 대상으로 중요해졌다. 이 그림은 1520 년대 이탈리아 예술의 진화, 1527 년 약탈 이후 로마 예술 이상들의 분산, 그리고 후속 세대의 유럽 화가들에게 영향을 미친 의도적으로 인공적인 양식의 출현을 이해하는 데 있어 중요한 기준점으로 계속 인정받고 있다.